6.2.1. Punchlines

5La quête d’expressivité et d’efficacité (dans le cadre des concours de slam notamment) amène les slameurs et slameuses à une recherche de performance langagière. On pourrait parler de battles de mots, plus que de bataille (à coup) de mots, car les mots, plus qu’un lieu de combat ou d’affrontement, sont au cœur d’un défi. Claudine Moïse évoque en ces termes les battles propres à la culture hip-hop : « Les battles sont une évidence hip-hop, là où se retrouvent, dans une immense fête de la performance, les danseurs […]. Ces temps de défis, où s’affrontent par équipe ou individuellement les danseurs, sont l’occasion d’inventer, de se surpasser […] » (2006 : 95). De fait, les slameurs, comme les danseurs, dialoguent par slams interposés, ce que j’ai analysé en termes d’interdiscursivité. On retrouve un mouvement circulaire dans le dispositif des scènes slam : « Le cercle est celui qui rassemble, donne à célébrer, fait tourner. » (2006 : 97) Circularité qui se trouve aussi à l’œuvre au sein même des textes actualisés par la performance scénique, celle-ci visant à enrôler le public dans la danse des mots. Au sein de ce rite, la recherche de punchlines s’apparente à celle de figures de break. En témoigne par exemple la démarche de Souleymane Diamanka qui s’est matérialisée, entre autres, au travers des vidéos sur Holorimes TV, intitulées « La punchline du jour », consistant en une analyse, par le slameur qui se présente en jongleur-professeur, des figures mises en œuvre par des rappeurs comme Sexion d’assaut ou Casey7 : « Sache que les mots ne sont que des signes s’ils ne sont pas reliés. Nom : Diamanka, prénom : Souleymane, profession : parolier. » Le slameur présente lesdites Punchlines comme des dictées à l’écrit en les introduisant par la formule « deux points, ouvrez les guillemets », ce qui contribue à les légitimer en les décontextualisant.

6En outre, les punchlines se retrouvent dans les graffitis, la fonction poétique dépassant assurément les frontières des écrits à vocation poétique pour mieux investir l’espace public. Pour preuve, les mots de Miss Tic et Petite Poissone, la première jouant d’un détournement phraséologique — « J’ai plus d’une corde à mon art8 » (à mon arc) —, la seconde d’une antanaclase : « Le temps de dire ouf et tu le deviens9. »

La présence des corps, ici associés à l’art du graffiti, s’avère d’autant plus essentielle dans les performances de type slam qui se rapprochent de celui-ci par le geste d’écriture présidant à la performance scénique. Le documentaire « Traits portraits » rapproche d’ailleurs ces arts du langage contemporain10.

6.2.2. Postures

7Au fil de mes recherches et rencontres, j’en suis arrivée à appréhender le slam en termes de postures11, en déclinant les différentes acceptions de ce terme : à la verticalité de la posture physique du slameur tel qu’il se présente sur scène (verticalité accentuée par la grande taille dans le cas de Grand Corps Malade, dont la béquille souligne la position érigée) s’oppose l’horizontalité du rapport au public qui permet à la parole poétique de circuler (fig. 54).

8Cette posture scénique fonctionne comme une signature posturale et s’ajoute à la signature vocale de l’artiste : si l’artiste se présente sur une scène slam, cette signature posturale permet d’emblée de l’identifier, avant même qu’il n’ait prononcé un mot. Elle s’inscrit dans la continuité de la figure du poète debout, d’une « poésie-action » que le poète sonore Bernard Heidsieck appelait de ses vœux dans les années 70 :

Le poème, il faut le mettre debout […] le mettre debout, ça ne signifiait pas qu’il fallait absolument le lire debout, on pouvait très bien lire assis ou en marchant ou à genoux comme je l’ai fait ou derrière une table ou sans table, debout cela signifiait qu’on voulait situer le poème dans l’espace face à un public — à retrouver puisqu’il n’existait pas, à contacter, à susciter12…

Figure 54 : Funambule, Grand Corps Malade, 201313.

Dans le cas des slameurs et slameuses, la mémorisation du texte libère la main du support papier, devenant le lieu d’une expressivité voire d’une stylisation mimogestuelle originale. Le slam apparaît alors, pour ainsi dire, comme une main tendue (vers le public), une poésie de l’ici et main-tenant (Vorger, 2016a). En atelier, le corps est souvent mis en avant (voir chapitre 10) :

Figure 55 : Katia Bouchoueva en atelier slam.

6.2.3. Mots et motions (émotions) : du cœur (du corps) à l’ouvrage

9De fait, le slam peut être présenté, en atelier, comme la traduction des émotions en mots, qui mises en mouvement via le corps, suscitent en miroir des émotions chez le récepteur/spectateur. La boucle est bouclée :

Je suis le nœud dans la gorge
Qui voudrait se dénouer
Une boucle de te cheveux
Et la boucle est bouclée. (Luciole, « Je suis », 2007)

10Ce trajet se fait au travers du corps de l’artiste qui incorpore (littéralement) son slam, l’apprend (et l’interprète, le joue) par corps. Pour résumer, nous pourrions dire en jouant sur ces mots que le slam est tout à la fois mots et motions (émotions) au sens premier de ce terme : il est mouvement et mouvance (Zumthor), action de mouvoir (l’une des acceptions de « motion » renvoie au va-et-vient du métier à tisser) et d’émouvoir par l’action des mots. Il est passage à l’acte poétique et cet acte consiste précisément à traduire des émotions en mots et motions (gestes). Si Zumthor distinguait les modalités vocales de la performance, comme je l’ai souvent rappelé, mes études appliquées au slam ont montré que les artistes relevant de cet art du langage s’inscrivent de façon mouvante dans un continuum — le refrain étant souvent chanté, par opposition aux couplets qui relèvent généralement du récitatif scandé. En outre, ils thématisent souvent ce sujet au fil de leur flow. En témoigne le récent « Je ne chante pas » de Luciole (2022), dont les modalités d’interprétation fluctuent, de fait, entre parler et chanter : j’appelle mélodit cet entre-deux, le mélodit étant au dire ce que la mélodie est au chanter :

Ce soir, la gorge serrée, mon souffle tourne court…
Courtise l’explosion comme un compte à rebours.
Barbarie de mon corps m’ôte la solution.
J’inspire tant bien que mal, je sens l’expiration.
Je traque le filet d’air et j’espère la brise.
L’apnée me tient, me serre, une étreinte, une bise.
Les sons voudraient sortir, les notes glisser tout bas.
J’essaie oui mais voilà, ce soir je ne chante pas.
Ça reste là bloqué, ça reste là au fond…
Fondu dans l’épaisseur de ma chappe de plomb14. (je souligne)

L’anadiplose (court-courtise, fond-fondu) ainsi que les rimes semi-équivoquées (paronomases) sont mises en œuvre pour concourir au flux circulaire de la chanteuse-diseuse qui dit la résistance de son corps. On retrouve de tels enchaînements dans le slam (Ivy, « Merci ») comme dans la chanson (« Ballade pour Izia »), matérialisant « le grand manège enchanté », pour le dire avec les mots de Jacques Higelin chantant son amour paternel15. Le corps de Luciole — sa gorge, sa bouche, ses mains —, le biomedium pour le dire avec les mots de la constellation médiopoétique de Jean-Pierre Bobillot, est mis en avant dans le clip vidéo (fig. 56) :

Figure 56 : « Je ne chante pas », clip de Luciole.

L’artiste mime — physiquement et phonologiquement, par une forme de circularité sonore — un enfermement, se disant « prisonnière enfermée dans (ma) sa cage thoracique », thématisant le besoin de libération inhérent au concept même du slam. On assiste donc à une mise en relief du corps, de l’écriture à la scène. Celui-ci s’expose en pleine action de profération. Le geste est décomposé à la manière d’une chorégraphie pour mieux refléter la danse avec les mots. Un tel projet rejoint celui de la poésie sonore :

Ce que je cherche toujours, c’est d’offrir la possibilité à l’auditeur/spectateur de trouver un point de focalisation et de fixation visuelle. Cela me parait essentiel. Sans aller jusqu’au happening loin de là, je propose toujours un minimum d’action pour que le texte se présente comme une chose vivante et immédiate et prenne une texture quasiment physique. Il ne s’agit donc pas de lecture à proprement parler, mais de donner à voir le texte entendu16. (je souligne)

Si nous avions choisi d’intituler « Elle écrit des poèmes debout » un entretien avec Katia Bouchoueva mené par Dominique Abry (Vorger, 2015), c’est non seulement en écho à la fameuse chanson de Michel Berger, mais aussi, et surtout, pour mieux exprimer l’implication fondamentale du corps dans l’écriture, dans l’écridire :

Ce qui arrive, arrive trop vite, on en saisit si peu… Mais dire néanmoins, que le poème, c’est tout petit le poème. C’est un geste courant, un geste comme on respire. Le poème est-il un poumon ? Et pourquoi pas, hein, pourquoi pas… Un poème, un poème… c’est un air quotidien, une chose ordinaire… disons que c’est la banalité qui nous aboie dessus… c’est fulgurant. (Azam, 2018 : 1)

11Voilà ce que ces artistes du verbe nous enseignent : écrire comme on respire, c’est (presque) aussi simple que ça. C’est un geste, en tout cas. De fait, le créateur du slam voulait faire de la poésie un évènement sensoriel, un affrontement physique, à la manière d’un tournoi sportif. Mais c’est aussi son propre corps qu’affronte le diseur/chanteur. Le lien avec la performance apparaît ici incontournable, même si les usages de ce terme sont multiples : dans la Master Class présentée par Lauréline Kuntz à la BPI (novembre 2019) et accessible sur le site de France culture, la journaliste évoque un phrasé de « type performance » pour désigner le débit rapide qui caractérise le flow de cette artiste et que celle-ci qualifie de « mitraillette », en référence à sa grand-mère17.

6.7.1. Hommage

27À l’automne 2020, la sortie de l’album de Grand Corps Malade intitulé Mesdames a fait événement : dédié aux femmes, le slameur conjugue sa voix à celles de diverses chanteuses et diseuses29, autour d’un titre éponyme qui résonne comme un hommage à celles qui « balancent leur corps » autant que « leur porc »30. Au sein de cette déclaration empreinte de « délicate démagogie », Mesdames apparaît emblématique d’une modification de posture vis-à-vis des femmes. Ce faisant, le slam se distancie notamment du rap, réputé misogyne : l’artiste affirme vouloir donner la parole aux femmes « pour ne pas seulement parler des femmes mais aussi les entendre »31. Celui qui « veut contrer le machisme en chansons32 » met en œuvre une esthétique de la liste qui lui est chère, soutenue par un rythme binaire en octosyllabes, soulignant un « no(u)s » prégnant :

Rythme binaire en octosyllabes.

Figure 59 : Mesdames, Grand Corps Malade, 202033.

28Il use à l’envi de figures-phares du slam comme la paronomase et le détournement phraséologique ou palimpseste — à l’image de celui qui superpose des visages féminins au sien sur l’album : « L’avenir appartient à celles qu’on aime trop ». En une sorte de rebond palimpsestuel (et d’écho intertextuel, soit d’interdiscursivité interne à son répertoire), il décline à nouveau ce proverbe déjà détourné dans l’un de ses premiers titres : « Elle (la poésie) m’a dit : T’inquiète, le monde appartient à ceux qui rêvent trop34. » La formule, ainsi féminisée, sera reprise en 2020 dans les twits et autres titres de presse, en guise de slogan35.

29Comme pour son titre plus récent « Pas essentiel », je parlerai de « fonction chOrale » pour désigner ce type de poésie orale impliquant un chœur collectif. Le « O » majuscule permet de mettre en valeur l’Oralité et la circularité à l’œuvre ; le cercle symbolise en effet la reliance induite par cette circulation de la parole — enjeu originel du slam. En l’occurrence, c’est bien le « chœur des femmes » (et leur cœur) qu’il souhaite nous faire entendre au sein de cet album conçu comme décentré de sa propre voix, orchestrant pour ce faire une véritable polyphonie : « La réussite de “Mesdames”, observe un journaliste du Point, est que l’hôte laisse toujours de la place à l’autre. 36 »

6.7.2. Voix de femmes : dé-libérées et dé-livrées

30Alicia, invitée sur l’album de Grand Corps Malade, a dénoncé les violences conjugales dans son slam « Edémwa », avec un refrain en forme d’appel au secours (« j’écris très fort, je ne suis pas en tort ») et un épilogue en voix parlée qui confère une forme particulière au message37. #édémwa est alors devenu « le nouveau hashtag pour parler de vos problèmes »38. En relayant la parole d’Alicia, Grand Corps Malade la porte sur le devant de la scène tout en évoquant la question de la violence au gré de deux voix :

Avant d’apprendre à sourire, il a appris à mordre
Il est parmi tant d’autres un enfant du désordre (Grand Corps Malade)
La violence est une rancœur qu’on a laissé grandir
Une colère prisonnière qui ne veut plus partir (Alicia)

La dimension politique émerge alors, amplifiée par ce duo :

La faute à sa cité, la faute à pas d’chance
La faute au manque d’argent, la faute à la France

31Pour Queen Ka, slameuse québécoise, le slam s’affirme bel et bien comme un acte politique : « J’ai besoin de sentir que ça s’inscrit dans quelque chose de plus grand que juste la performance que je fais », fait-elle valoir pour un article d’Ici-Radio Canada39. Celle qui se dit « Coronariste » offre des cours de slam en ligne via Le Soleil40. Dans le slam « Regarde-nous », elle porte la voix des femmes quant à leur droit à disposer de leur corps et à la « confiance infectée » par les oppressions dont elles sont victimes. Elle rappelle alors la force matricielle des femmes :

je persiste à te dire
que j’en suis l’origine
alors regarde-moi et vois ce corps
j’en suis l’unique propriétaire41.

L’artiste a contribué à plusieurs recueils, dont Libérer la colère, au titre éloquent :

Nous sommes en colère ! Ce fut une révélation. Une épiphanie. Ce sentiment est tellement honni pour les femmes. Nous vivions dans le déni. Nous ravalions le grondement. Déjà le dire. Se l’avouer. L’écrire. Le hurler. Nous sommes en colère. C’est le début de la libération42.

Elle se livre aussi à des « combats de mots » sous forme de joutes oratoires sur des sujets comme l’écologie43. Sa colère rejoint celle de la slameuse Joy Slam, en Belgique, autrice d’Ensauvagement, Le petit livre de la colère (2020) :

« Sauvages », les colonisés. « Sauvages », les femmes indomptées. « Sauvages », ceux qui se moquent des conventions sociales, du protocole, des injonctions culturelles et sociétales. « Sauvages », ceux qui vivent en harmonie avec la nature plutôt que de la détruire44.

6.7.3. La force des duos

32Dans « Pendant 24h » (2020), que Grand Corps Malade a composé et interprété en collaboration avec Suzane, un homme et une femme échangent leurs vies respectives. Les sujets abordés — « Je sortirai en jupe quelques instants dans les transports / Pour comprendre l’essence même de l’hashtag balance ton porc » — font écho à l’univers de la chanteuse, dénonçant le harcèlement de rue dans son morceau « SLT ». Quant au tempo effréné, il mime la course contre la montre que représente la journée d’une femme, faite de plusieurs vies — et de plusieurs visages — condensées en 24h :

J’enverrai un mail au taf en faisant les courses à Carrefour
J’aiderai les enfants aux devoirs en sortant la quiche du four
Avec eux je serai joyeuse, avec mon mec, femme fatale
24h dans la peau d’une femme, je comprendrai la charge mentale.

Grand Corps Malade ne s’interdit pas, pour autant, de développer son humour au gré des rebonds paronomastiques (sincère, sans censure / chaussures) :

Je veux découvrir enfin le singulier bonheur
De réussir à faire un créneau en une demi-heure
Comprendre enfin la passion sincère, sans censure
De regarder sur internet pendant des heures des chaussures.

Le clip permet de développer cet humour à l’échelle d’un court-métrage mettant en scène une sorte de vaudou. Celui-ci propose aux deux interprètes de leur préparer un philtre visant à « switcher » pour « changer de corps »45. D’où un slam-sketch enchâssé dans une scénographie humoristique. À l’écran, ce sont les voix qui sont switchées pour mieux se jouer des clichés.

33Dans un tout autre registre, Gaël Faye s’est aussi prêté au jeu des invitations sur son dernier album solo en date : il y met notamment en voix un poème de Christiane Taubira intitulé « Seuls et vaincus », écrit lorsqu’elle quitte ses fonctions de Garde des Sceaux en 2016 : « Il m’a bouleversé parce qu’elle avait dû l’écrire dans le contexte des attaques racistes qu’elle avait subies. Et c’est peut-être la plus belle réponse qu’elle peut faire aux intolérants. Dans ce poème, l’ex-ministre de la Justice témoigne de sa foi envers les générations futures pour combattre intolérance et racisme », assure-t-il46.

Vous finirez seuls et vaincus, vos cris vos cors et vos crédos
Autorité en toc et broc, ne sauront vous sauver de rien
L’éclat de nos vies entêtées éblouira vos en-dedans
(…)
Vous finirez seuls et vaincus car invincible est notre ardeur
Et si ardent notre présent, incandescent notre avenir
Grâce à la tendresse qui survit à ce passé simple et composé.

La voix chantée en anglais, portée par Mélissa Laveaux, apporte une touche de lyrisme au texte, mettant en relief, par contraste, la partie scandée. La circularité est assurée par la reprise anaphorique de « Vous finirez seuls et vaincus », ainsi que par diverses formes de répétitions comme la figura etymologica (ardeur, ardent). Ce poème, tel que l’a mis en musique et en voix (lyricisé, pourrait-on dire) Gaël Faye, illustre la circularité à l’œuvre que nous avons analysée pour mettre en exergue le rôle de la répétition : il en émane une signifiance poétique qui tient aussi au corps de la langue, au corps des signes. L’alternance des voix et des langues permet en outre d’incarner une dialectique, de trouver un équilibre harmonique, une oscillation entre gravité et légèreté.

34Interviewé par Augustin Trapenard sur France Inter, Gaël Faye a laissé entrevoir ses failles, n’en déplaise à l’intitulé — décrié par l’intéressé — de l’émission « Gaël Faye sans faille » : « En mars, je pensais que le temps que nous vivions allait avoir une fin. Aujourd’hui j’ai l’impression que ça n’aura pas de fin. On est tous devenu saudade. À l’époque, on pensait au monde d’après. Maintenant on regrette le monde d’avant47. » Il me semble que résonne, dans cet album, au cœur même de cette alternance de voix — entre chanter et parler, voix féminine et masculine —, cette tension entre nostalgie et énergie, passé et avenir, que résume l’emprunt au portugais « Saudade »48 :

Le mot saudade me revient parfois. Ce n’est pas facile de se dire qu’on a eu un moment dans sa vie où tout paraissait merveilleux. Et que la guerre a abîmé tout ça. La chanson, comme le roman, me permettent de prolonger cet endroit, ce moment où j’étais bien. Il me faut apprendre à faire le deuil. On est exilé d’un pays, comme on est exilé de l’enfance49.

Quelles que soient les voix, quelles que soient les chaînes inhérentes au contexte de guerre ou de crise sanitaire, les mots dansent au gré d’une présence, et la chanson permet de décliner le présent pour mieux capter l’air du temps (Hirschi, 2008). En quoi elle rejoint partiellement le propos des chroniques radiophoniques.

6.8.1. Les voix de femmes dans les Chroniques Humoristiques Radiophoniques

36Reprenant à notre compte la citation de Miss tic « Je donne à rire mais je prête à penser » (2008) — qui témoigne, me semble-t-il, d’une évolution dans le rapport des femmes à l’humour —, nous avons exploré l’éloquence et l’impertinence de ce que nous avons nommé « Chroniques humoristiques Radiophoniques ». De fait, il semble qu’il s’agisse là d’un genre où les femmes sont plutôt bien représentées, bien qu’elles parlent encore deux fois moins que les hommes à la radio51.

37D’après les auteurs d’un article sur la prosodie de la parole radiophonique dans les Cahiers de Praxématique52, les chroniques font partie des genres « qui laissent une place plus grande à la variation stylistique/individuelle ». Ainsi, la variabilité personnelle (idiostyle) s’y avère plus marquée. La chronique, comme l’indique le mot, se caractérise par sa régularité mais se définit aussi comme un espace de liberté et de créativité que l’on découvre à l’orée de leurs interventions, via le site internet de la radio. Comme pour le slam ou la chanson, cet épitexte et l’iconographie associée éclairent les postures adoptées tout en influant sur l’horizon d’écoute des auditeurs ou internautes. Les trois chroniqueuses que nous avons choisies partagent un même dress code noir et rouge associé au logo de France Inter, le rouge reflétant la fantaisie et à l’humour, à l’image de François Morel. « La drôle d’humeur » d’Agnès Hurstel est une chronique qui ne se caractérise pas, a contrario, par sa régularité mais s’intègre à l’émission matinale de Nagui, « drôle et joyeuse ». Elle arbore une ceinture rouge de judo sur la photo qui la présente sur le site, ce qui suggère qu’elle prend ses adversaires à bras le corps. C’est une affirmation de posture qui me semble essentielle, et qui rejoint en passant une certaine pugnacité dont font preuve certaines slameuses, telle Lauréline Kuntz.

38La chronique de Nicole Ferroni, hebdomadaire, est diffusée à une heure de grande écoute et destinée à « toutes les oreilles » (le mercredi à 8h55). Elle est aussi désignée, sur le site de la radio, par l’appellation de billet et introduite en ces termes : « Elle joue avec les mots et, chaque mercredi, son débit de mitraillette53 fait mouche. » Si la notion de billet fait référence à une forme d’écridire, la locution faire mouche est couramment associée à un discours qui atteint son but. En l’occurrence, le discours est explicitement tourné vers l’humour mais aussi vers une critique caustique de l’actualité. Dans la mesure où le billet de Nicole Ferroni clôt l’émission matinale « 7/9 », il nous faut aussi considérer cette fonction de péroraison, cette valeur conclusive qui donne un relief particulier à son propos. Parée d’un nez rouge, la chroniqueuse ne manque pas d’apparaître comme un clown ou un bouffon dont le rôle serait de tourner en dérision l’actualité au terme de la Matinale, consacrée aux informations, et en amont d’une émission à caractère culturel (« Boomerang »). Sa posture et sa mimique sont particulièrement éloquentes. Elle offre ainsi un contrepoint humoristique aux informations délivrées au fil de la Matinale, une respiration. Par exemple, le jeu de mots du titre de la chronique (« Apprendre/à prendre ou à laisser ! », 25 septembre 2019) contribue, outre le nez rouge qui rappelle la clown poète Lauréline Kuntz, à annoncer un pacte d’écoute54 axé sur l’humour. C’est ici le « jugement de l’œil » qui permet d’attirer l’attention sur l’homophonie, là où le « jugement de l’oreille » (Steuckardt & Thorel, 2017) demeure ouvert aux deux formes tout en tendant vers « à prendre » intégré à la collocation (« ou à laisser ») : il s’agit bien d’un espace de jeu qui s’insinue dans l’écridire. À l’orée du billet de Nicole Ferroni, un rituel s’est instauré avec Nicolas Demorand — voix masculine et fil rouge du « 7/9 » — qui lui demande, en une sorte de phrase introductive, d’expliciter l’adjectif associé à son humeur du jour, ce qui permet d’annoncer la couleur ou d’ouvrir un horizon adéquat au registre ou au sujet choisi, tout en insérant sa performance dans la continuité des programmes et dans une forme de dialogisme. Notons enfin que la fenêtre vidéo s’ouvre automatiquement quand on podcaste le billet sur le site de la radio. De fait, la chroniqueuse, ex-professeur de biologie, a souvent recours à des accessoires, tel le gobelet pour « Ras le gobelet » (sur les Urgences) ou encore d’une « carotte avec capote » pour « Les réformes c’est comme le sexe : il faut écouter son partenaire55 ». Ces accessoires lui permettent de se livrer à une démonstration qui s’adresse autant aux internautes qu’à ses interlocuteurs sur le plateau. Elle attire aussi notre attention sur la portée potentiellement didactique du geste et de la théâtralisation dans ces chroniques.

39Quant à la chronique de Constance, c’est la seule des trois retenues pour ce corpus, à porter explicitement l’appellation de « chronique ». Elle s’inscrit dans l’émission « Par Jupiter » axée sur l’humour, et dure 3 minutes, à l’instar de celle de Nicole Ferroni, contre 4 minutes pour Agnès Hurstel. Temporalité qui rejoint donc la durée impartie au slam, avec lequel ces chroniques partagent la recherche d’une expressivité condensée, associée à un jeu sur les frontières entre écrire et dire — de la genèse écrite de leurs textes à leur déclinaison multimodale à l’antenne. L’image de Constance est plutôt orientée vers la féminité et la légèreté. Ainsi la diffusion vidéo des CHR — outre les éléments paratextuels/iconographiques présentés sur le site — aboutit-elle à une évolution générique essentielle assortie d’un décentrement de l’activité de parole vers l’interaction entre l’humoriste et le public ainsi qu’entre les journalistes présents sur le plateau — double adresse particulièrement efficiente pour Constance. En outre, l’idée d’un pacte humoristique rejoint le pacte colludique même si la posture est très différente par rapport à celle des slameuses dont nous avons dressé le portrait. En effet, ces trois chroniqueuses sont reliées entre elles par le « fil rouge » de la radio et s’intègrent aux programmes de celle-ci. Il n’en demeure pas moins qu’elles sont amenées à spectaculariser leurs chroniques, comme j’ai pu le mentionner à propos de Narcisse qui propose aussi une forme de chronique slamée sur la RTS56, la créativité qu’elles déploient tendant résolument vers le multimodal.

40Sans entrer dans le détail d’une analyse lexico-stylistique, la chronique de Nicole Ferroni analysée, à l’occasion de la journée de la femme57, illustre un usage de la mimogestualité qui se déploie en un flux ininterrompu, le contact visuel restant cependant peu efficient car la chroniqueuse demeure très attachée au support écrit, contrairement aux slameuses. Les gestes ou kinèmes s’avèrent nombreux et polysémiques, rythmant véritablement le discours, le structurant. Un mouvement ascendant est souvent associé à la féminité (fig. 60 et fig. 61). Les gestes sont clairement phatiques dans les passages de discours direct, un geste de pointage mimant l’interlocution. Quant aux jeux de mots mis en œuvre, et mis en relief par cette expressivité mimogestuelle, ils rejoignent ceux de mes corpus de slam : matrice onomatopéique, détournements phraséologiques (« Me lâcher la fouf »), équivoques (« compromis » / « con promis [à un avenir meilleur] »).

Figure 60 : « D’une touche de féminité », chronique de Nicole Ferroni sur France Inter.

Figure 61 : « Quoique », chronique de Nicole Ferroni sur France Inter.

41Du côté de Constance, de nombreux argotismes, avec un effet de liste, préparent la performance qui a fait le buzz : « la poitrine, les doudounes, les nénés, les lolos, les nibards, les nichons, les roberts, les flotteurs, les boites à lait et autres tétasses (…) ». Cette liste d’argotismes, associée à des figures comme l’homéotéleute (« Parlons balcons, parlons nichons ») qui a donné son titre à la chronique, prépare la performance qui s’ensuit, Constance en arrivant à dévoiler en effet ses seins tout en commentant cet acte et en jouant de l’antanaclase (double sens de « gros bonnets ») : « Pourquoi vous ne m’écoutez plus ? On dirait qu’ils auraient été tués par de gros bonnets. » La conclusion de Charline montre que l’humour déployé par la chroniqueuse dépasse voire bouscule les représentations liées à la féminité : « C’est une fille qui a des couilles ». Il s’agit ici d’une performance impromptue, presque au sens linguistique du terme (Chomsky) de « mise en œuvre effective d’une compétence » ainsi qu’au sens artistique de happening. En d’autres termes l’impertinence lexicale et discursive se traduit in fine et in vivo par une impertinence réalisée en acte, un geste fortement signifiant dont la diffusion vidéo permet de rendre compte pleinement. Je ne développerai pas ici la chronique d’Agnès Hurstel — sur Yann Moix58 — dont l’ethos se réapproprie les codes masculins, assumant la grossièreté et la vulgarité traditionnellement dévolues à la masculinité et tendant vers le grotesque. Celui de Nicole Ferroni renvoie au rôle de clown qu’elle affiche ; elle est plus distanciée par rapport à la dimension genrée, alors que Constance revendique et assume une féminité loufoque et effrontée. Dans ces deux cas, ainsi que dans celui de la chronique d’Agnès qui intègre une dimension multimodale59, le terme de performance semble approprié car une certaine théâtralisation du propos est tournée vers une implication active du public — qu’il s’agisse des journalistes et intervenant·e·s présent·e·s sur le plateau, ou des internautes qui podcastent ladite chronique — comme le suggère le nous « Parlons balcons… ».

6.8.2. François Morel, le clown-poète

42François Morel, auteur et interprète de fameux billets sur France Inter, partage avec nos chroniqueuses féminines le dress code mentionné, auquel s’ajoute un perroquet perché sur son épaule. Celui qui s’est vu qualifié dans la presse de « mélancomique »60, conjugue poésie et humour : « Entre poésie et humour, il refuse de choisir. Pour notre plus grand plaisir61 ». Dans son spectacle « J’ai des doutes », il reprend d’ailleurs des sketches de Raymond Devos accompagné du pianiste Antoine Sahlr en les lyricisant : à travers une mise en musique, voire en chansons, il les recrée, les remet au jour, pour ainsi dire, tandis que des extraits radiophoniques font résonner la voix originelle de Devos. « Le rire doit être musical », à ses yeux (et à ses oreilles !) : « Il faut qu’il y ait du rythme pour que le rire fonctionne », confie-t-il à un journaliste de RFI62. Voilà ce que nous nommons l’humour lyrique. Dans sa chronique en hommage à Anne Sylvestre, « Merci pour la tendresse », il joue des échos homophoniques — dont le perroquet est emblématique —, allitérations et paronomases pour mieux dire son émotion : « Elle préférait chanter ses chansons moins chanceuses63. » Au fil d’une autre chronique intitulée « Valsovirus64 », celui qui a écrit des chansons pour des interprètes féminines comme Maurane, déclame sa chronique, accompagné de son orchestre. Dans « Je mourrai en plein champ », on entend assurément l’homophone « en plein chant ». Lors d’une autre chronique, il joue sur l’effet de liste en relisant le célèbre « Tentative de description d’un dîner de têtes » de Prévert, dont il réactualise le message politique65. Enfin, dans « Confinements66 », il suscite le Rire ensemble, visant une forme de « fraternité du rire » en énumérant les confinements successifs : « De tels artistes, Raymond Devos, François Morel, nous aident à vivre, en allégeant un peu le poids du monde. Que cette facétieuse fantaisie nous fasse encore longtemps planer, rire, et réfléchir67. »

6.8.3. Édouard Baer ou les Chroniques Lyriques Radiophoniques

43Dans la lignée des CHR, je serais tentée d’appeler CLR les chroniques du comédien Édouard Baer sur Radio Nova. Télérama a d’ailleurs titré « Un bon slam au saut du lit » pour mieux souligner la poésie du quotidien mise en voix par l’artiste68. Sa voix, parlons-en, produit un effet lyrique et réconfortant que je serais tentée de qualifier de transitionnel au sens où Winnicott parlait d’objet transitionnel pour désigner le « doudou » dont les enfants ont besoin en guise de transition entre le monde intime et le monde extérieur (2016). Si le destin dudit doudou est de favoriser le cheminement de l’enfant de la subjectivité vers une forme d’objectivité, alors son désinvestissement permet à l’adulte d’accéder au jeu et à la culture : « Sur fond musical, ses injonctions bousculent et réconfortent. À leur écoute, soudain, votre cerveau empesé d’inquiétudes, d’ennui ou de paresse s’allège. » C’est donc un espace de respiration psychique, mais s’agit-il, pour autant, d’un slam69 ? Disons plutôt d’une chronique poétique à valeur transitionnelle, improvisée sur fond musical, qui s’apparente à un slam par son adresse fondamentale, par la douce connivence qu’il cherche à instaurer avec ses auditeurs, et par les stratégies colludiques qu’il déploie dans cette perspective, sans en faire une performance, au sens où nous l’avons illustré avec la chronique de Constance. Celui qui dit porter « la conversation de la vie70 », cherchant la poésie dans le quotidien, présente sa voix comme une « main amie » qu’on invite chez soi — ce dont il s’émeut : « Cette voix comme une main amie. Y a-t-il des voix tendues comme des mains71 ? » Comme pour le slam, sa chronique est délimitée dans le temps, très dense, mais à la différence du premier, il se pose la question de la temporalité de la réception : sa chronique n’étant pas nécessairement écoutée de manière synchrone ; pas nécessairement immédiate, elle peut être podcastée. Le comédien improvise, funambule sur le fil des mots qui s’enchaînent, la musique les ordonnant, canalisant leur flow ; il y a quelque chose d’incantatoire dans sa façon de scander. S’il s’agit de slam, c’est d’un slam caresse, et non claque, d’un jeu et non d’une joute. La durée est encore plus brève, avec des effets de répétition qui donnent corps à des mots enchanteurs : « Une minute et vingt-sept secondes hypnotiques, une décharge électrique :“Il faut vivre et pas avoir vécu !” Difficile de résister à l’appel des mots. À écouter comme médicament radiophonique contre les coups de mou », commente la journaliste de Télérama, littéralement enchantée :

Qui êtes-vous, vous qui m’écoutez ? Quelle voix suis-je pour vous ce matin ? Suis-je un radio-réveil ? Est-ce que je remplace une stridence ? Quelques notes de musique ? Une béance, une porte qui claque ? Un cri : « Debout les enfants ! Debout les parents ! Debout chéri·e ! Debout personne ! » Suis-je le rappel à l’ordre ? Le clairon ? La trompette ? Prenez-vous la voix de la radio comme la dernière caresse avant la brutalité du réveil ? Suis-je un podcast ? Suis-je à midi ? À 20h ? Au milieu de la nuit ? Un accompagnement de l’ennui, des transports, du jogging ? Dans la cuisine ? Êtes-vous scotché chez vous ? Attaché ? Fixé ? Retenu ? Devez-vous écrire ? Lire ? Peindre ? Travailler ? Scier ? Menuiser ?

On perçoit ici, dans une avalanche de questions qui évoque le développement lyrique d’une interrogation, le souci de s’adresser à tous ainsi qu’à chacun·e, d’inscrire sa voix dans un quotidien poétisé. Alors qu’il avait mis fin à ses chroniques matinales, le comédien a repris le fil de cette voix lors du confinement, se filmant debout, dans une semi-pénombre qui laisse à peine deviner son corps déambulant, pour mieux rythmer ses mots. Tout en douceur, l’humour pointe ici le bout de son nez pour dire la peur désincarnée : « Ce matin, j’ai croisé un masque avec personne derrière72. » Comme la paronomase (trop blanc/troublant), l’anaphore est reine, déclinant un carpe diem qui repose sur une signifiance incarnée :

Vivre, c’est aussi se laisser surprendre, c’est prendre ce qu’il y a, ce qui nous est donné… (…) Il faut foncer, il faut étonner la catastrophe du peu de peur qu’elle nous fait, il faut frimer, il faut respecter, bien sûr, le corps, la santé, mais il faut vivre…

44Poésie vive, donc, que celle déployée par ces comédiens et autres chroniqueuses, comme par les slameuses et slameurs cités, relayée par la radio et la vidéo, le cas échéant. La voix, le corps, les mots, la musique (dans le cas d’Édouard Baer, et parfois de François Morel) incarnent ici un humour lyrique qui me semble réconcilier l’écrire, le dire — et le rire.

De cet humour lyrique à l’amour des mots que partagent nos chroniqueurs·ses avec les slameurs·ses, le chemin se dessine : celui d’un flow qui tend à nous emporter dans un instant d’émotion partagée. Qu’Édouard Baer ou François Morel fassent du slam, là n’est pas la question ; ils nous donnent à entendre, à sentir, une musique des mots qui a précisément à voir avec l’écriture : « Écrire ou faire de la musique, selon Jean-Marie Gustave Le Clézio, c’est la même activité73. » Il s’agit de faire (ré)sonner les mots, de les faire bruire — à l’instar d’un Jean-Pierre Bobillot qui se dit « poète bruyant74 ». Mais comment permettre aux élèves d’accéder à ce faire ? Comment les inviter dans l’atelier du faber ? Qu’est-ce qui fait atelier ? Katia Bouchoueva et Armand le poête, dont les voix traversent les pages qui suivent, nous mettent sur la voie.