De l’agir et de la responsabilité du musicien dans la Cité
Exemple d’intervention en milieu carcéral
p. 194-205
Texte intégral
Cartographie du Jeu d’Orchestre, carte des déplacements des membres de l’orchestre dans l’espace du Jeu d’Orchestre.

Carte collective, 30/01/13, salle de l’EPM de Quiévrechain, couleur, A3.
Arch. Cartograph. | Arch. Jd’O. || V.M. / STUDIOVUOTO 2013.
1La musique fait partie intégrante de notre existence. Nous vivons dans un monde sonore, particulièrement dans le monde occidental où les dernières innovations technologiques permettent d’écouter tous styles de musique à tous moments et en tous lieux. Nous sommes submergés de musique – publicité, télévision, radio, boutiques, restaurants, bars, ascenseurs, parkings, etc. Elle est devenue musique de divertissement qui agrémente la vie et fait passer le temps ou musique d’ameublement1, finalement réduite à un simple objet de consommation dont on se sert et qu’on jette. Cela dit, notre besoin de musique est majoritairement partagé par tous les peuples du monde et fait partie du quotidien dont elle rythme les moments importants. Reflet d’une appartenance sociale, géographique ou d’une personnalité, la musique joue un rôle primordial dans nos sociétés, et cela depuis les origines de l’Homme. Même en milieu fermé, comme dans les prisons, elle est également présente par le biais de la télévision, de la radio, des lecteurs mp3 ou encore peut-être en écoute intérieure. Elle accompagne malgré tout les détenus dans cette période de leur vie. C’est un moyen pour eux de garder un lien avec le monde extérieur, de rompre le silence et de tuer le temps, de se changer les idées, en dissimulant les bruits environnants – l’écho des portes, des cris, des alarmes et autres sons électroniques – qui deviennent au quotidien agressifs et aliénants. Comme la plupart d’entre nous, les personnes détenues restent de simples auditeurs, consommateurs de musique.
2Mais qu’en est-il lorsqu’on leur propose d’être acteur de la musique, de devenir musicien le temps d’une journée, et en particulier musicien d’orchestre interprétant le répertoire « classique » occidental « savant », un style musical étranger ou peu écouté par la majorité des détenus ? D’autant plus que, sans vouloir faire de cliché, l’orchestre, les instruments, les œuvres renvoient à un monde qui n’est pas le leur. Or, c’est ce que le Jeu d’Orchestre a proposé : faire jouer de la musique savante en prison, avec des détenus, faire tomber les a priori et les barrières de ces mondes pour les faire se rencontrer. Mais alors se pose la question du musicien : pourquoi irait-il en prison faire partager son art ? Dans quel but si ce n’est celui de l’apprentissage ?
3Appliqué au contexte carcéral, le Jeu d’Orchestre propose une expérience à la fois musicale et humaine dans ces lieux de privations de liberté que sont les établissements pénitentiaires, où l’initiative personnelle est très réduite et renvoie à un système de déshumanisation par l’enfermement. Ici, la pratique orchestrale n’a pas de fin thérapeutique, mais l’accent est mis plutôt sur le développement humain par la musique. Les détenus participants sont volontaires et aucun pré-requis musical n’est exigé. Ensemble, nous jouons des arrangements d’œuvres issues du répertoire savant. Les musiciens experts guident les détenus dans leur jeu instrumental, le tout soutenu par le piano et la direction du chef d’orchestre par des gestes précis. Nous n’y allons pas pour donner un concert devant les détenus, ou dispenser des cours d’instruments, mais pour un jeu orchestral bien particulier qui s’appuie sur la méthodologie JeuD’Orchestre® développée par Esagramma. Précisons que tous les instruments de l’orchestre ne peuvent être accessibles de part leur difficulté d’émission sonore, comme par exemple les bois. En revanche, les violons, violoncelles, contrebasses (avec les cordes à vide), harpes et instruments de percussions (ayant des hauteurs déterminées et indéterminées) peuvent facilement être joués.
4Nous sommes intervenus sous trois formes : soit de manière ponctuelle sur une journée, soit une fois par semaine durant un mois, ou encore une semaine complète. Dans tous les cas, lorsque l’équipe du Jeu d’Orchestre se rend dans une prison, elle rompt la monotonie de ces établissements, son organisation imperturbable et rigide. C’est un lieu inhabituel pour le musicien et la musique vivante. Il est contraignant d’y entrer, et le chemin est long pour se rendre jusqu’à la salle de travail que l’on nous a attribuée : contrôle de chaque intervenant, des instruments, il y a différentes portes à franchir. Une fois arrivés, nous aménageons ces lieux plus ou moins accueillants en scène fictive où l’espace orchestral prend forme. Ainsi, au sein même de la prison, le musicien recrée cet espace dans lequel il a l’habitude d’évoluer et de s’exprimer, ayant sa propre organisation « sociale », l’orchestre, où tous les participants ont une place à part entière. Parfois, il arrive que les détenus nous aident à créer celui-ci. C’est alors la rencontre entre deux mondes : la prison avec sa population carcérale et la musique « classique » et ses musiciens. Pour moi, elle se passe en trois temps : civils/détenus, détenus/orchestre et ses instruments, détenus/œuvres du répertoire orchestral.
5Cela n’est pas commun pour le musicien d’entrer en contact direct avec le public. Il doit alors se montrer disponible envers lui et également entrer tout de suite dans le jeu orchestral et instrumental à proprement dit. Inversement, les détenus ne sont pas habitués à côtoyer des musiciens en prison. Les uns et les autres apprennent à se connaître et à partager, humainement et musicalement. Le musicien partage son savoir faire, montre la tenue et les rudiments de l’instrument, en particulier pour les cordes : tirer et pousser avec l’archet, pizzicato, notes longues, brèves ; pour les percussions, il s’agit de montrer les différents modes de jeu et de rythme. L’autre rencontre marquante est celle des détenus avec les instruments, et enfin avec les œuvres, la « musique classique ». Bien souvent, ils arrivent comme des spectateurs, mais très vite on leur fait comprendre qu’ils vont jouer avec nous dans l’orchestre, que la session se termine par un concert devant d’autres détenus et membres du personnel, et pour cela ils doivent choisir un instrument pour commencer la séance. Ils s’en approchent avec une certaine méfiance, une hésitation, puis choisissent. Là, les participants se reposent complètement sur leur binôme musicien qui montre ce qu’il faut jouer et comment. Ils observent beaucoup, imitent et reproduisent, mais finissent par gagner en autonomie.
6Le musicien a un rôle important, celui de tuteur bienveillant : il regarde et corrige constamment la position avec l’instrument, le son, le jeu instrumental, assurant un bon résultat sonore et ainsi une satisfaction immédiate pour l’apprenti musicien. Au cours de la séance, ils ont la possibilité d’en essayer plusieurs, d’expérimenter les différentes voix de l’orchestre, et finissent par adopter celui qui leur correspond, qui reflète leur voix intérieure. Une relation étroite commence à s’instaurer avec l’instrument et les intervenants. Les œuvres travaillées leur procurent des sensations nouvelles, pour certains c’est même une révélation. Jamais ils n’auraient cru que ce style de musique pouvait leur faire du bien et être apprécié. À les voir, il y a quelque chose de l’enfant émerveillé par les sons, les instruments, l’orchestre. Par ailleurs, le Jeu d’Orchestre développe également le chant intérieur. En effet, à force de répéter les différents passages, les participants finissent certainement par chanter intérieurement leur partie. Ils assimilent ce qu’ils doivent jouer, on leur en donne une image sonore qui s’inscrit en eux. Alors, l’oreille guide les gestes pour faire sonner et jouer les notes correctement sur l’instrument, vérifiant si c’est juste ou pas. Il y a donc un développement de l’oreille, de la capacité d’écoute et d’autonomie dans le jeu instrumental.
7À la fin des séances, il y a toujours un moment d’échange avec les détenus. On leur demande ce qu’ils ont éprouvé, leurs impressions. Dans la plupart des cas, les réponses sont souvent les mêmes, dont voici les plus récurrentes : « Ça change de la routine » ; « C’est mieux que d’être dans la cellule » ; « Ça fait du bien » ; « On se sent intégré dans le groupe » ; « Il y a de l’harmonie entre nous tous » ; « On ressent l’instrument et on entend chaque instrument, il y a une communication. » ; « Moi, j’ai apprécié l’accueil, de nous dire bonjour. On n’est pas habitué à être intégré et accepté. » ; « J’ai bien aimé » ; « C’est beau ! » ; « On a appris à écouter » ; « merci, c’est un beau cadeau ! » ; « C’est intéressant, ça change. C’est difficile, ça demande du travail. » ; « On n’est pas fatigué. » « J’ai éprouvé des sentiments »… En effet, au cours de la séance, il est touchant de les voir se transformer : des sourires et des expressions apparaissent sur les visages, les corps s’expriment et se mettent en mouvement, il y a de la musicalité – comme de vrais musiciens professionnels –, et nous les encourageons beaucoup et les félicitons. De l’extérieur, on ne distingue plus qui est détenu ou musicien. Ce clivage n’existe plus, il n’y a que des musiciens. Le Jeu d’Orchestre fait disparaître les différences pour porter tout le monde sur le même plan d’égalité. Tout cela concourt à un épanouissement, à un effet de vie2, au sein du Jeu d’Orchestre. Serait-ce seulement dû à notre disponibilité envers les participants ou à la musique ? Les deux. Bien sûr, la part humaine fait beaucoup (notre présence est à la fois rassurante et cadrante), et le milieu musical dans lequel on les plonge procure des effets sensoriels et émotionnels ; ils s’appuient sur nous et sur la musique. Mais il est évident que la musique a un réel impact positif sur le corps humain, sur son esprit, son âme. L’expression est bien connue : la musique adoucit les mœurs, mais elle fait bien plus.
8Le pouvoir de la musique et ses effets sont connus depuis les origines de l’Homme. Déjà, homo sapiens sapiens fabriquait des instruments pour certainement reproduire les bruits de la nature lui permettant d’approcher le gibier, d’éloigner les prédateurs, communiquer à distance ou encore, lors de cultes religieux, avec les esprits. Mais cet aspect pratique s’est vite transformé en un moyen d’expression pour accompagner de manière esthétique les différentes manifestations et moments de la vie de l’Homme, et cela dès l’apparition des premières grandes civilisations de l’humanité : culte religieux, banquets, naissances, mariages, morts, fêtes, événements sportifs.
9Dans l’Antiquité grecque, Platon3 avait compris ce pouvoir de la musique qui peut autant élever l’âme que nous plonger dans la bestialité selon les modes utilisés. C’est pourquoi la « mauvaise » musique, dionysiaque, et en particulier celle composée dans les modes lydien et ionien, doit être bannie de la Cité juste, car elle a des répercussions morales et politiques sur celle-ci. La « vraie » musique – calme, harmonieuse, équilibrée, joyeuse sereine – composée dans les modes dorien et phrygien, est bonne pour l’âme et peut même la guérir. « […], la musique est pour Platon un instrument de formation et de règlement du caractère. Elle contribue au bon état et au maintien du lien social […]. »4
10Au début du Moyen Âge, l’Église régit la musique utilisée pour les offices religieux, notamment pour le chant grégorien, en ne gardant que certains modes, instaurant une nouvelle façon de chanter sans virtuosité et en bannissant les instruments, cela au service de la foi et à l’essor du christianisme. Puis, elle finit au cours des siècles suivants par devenir l’expression des sentiments, des idées. Des récits prouvent qu’elle était également utilisée pour soigner l’âme. Citons par exemple David apaisant l’esprit torturé de Saül, ou encore le célèbre castrat Farinelli (1705-1782) tirant le roi d’Espagne Philippe V (1683-1746) de sa mélancolie. Elle a un réel effet de vie.
11Si la musique a des vertus thérapeutiques et peut prendre soin de l’âme, en contribuant au développement de soi et à l’amélioration de la vie en société, ne devrions-nous pas lui accorder une attention toute particulière, voire lui attribuer une place plus importante et sérieuse dans nos vies ? Avec le contexte actuel de nos sociétés de plus en plus individualistes et déshumanisées, surtout pour les tranches de populations fragilisées, elle pourrait devenir une aide spéciale contribuant à transformer les individus non seulement de manière individuelle, intérieurement, mais aussi collectivement (personnes en situation de handicap, jeunes en échec scolaire, détenus, ou encore auprès de populations marginalisées par exemple). La musique a quelque chose de singulier en elle, comme l’attestent aujourd’hui les récentes découvertes dans le domaine des neurosciences et les dernières avancées technologiques, qui corroborent certaines idées établies et révèlent de nouvelles connaissances jusqu’alors insoupçonnées sur le lien entre la musique et le corps humain.
12En effet, la musique met tout l’être en vibration et nous pouvons la ressentir corporellement avant de l’entendre. Les vibrations sonores parvenant à l’oreille entrent dans le pavillon et se propagent dans le conduit auditif faisant vibrer le tympan5. Celui-ci met alors en mouvement les osselets : le marteau, l’étrier et l’enclume amplifiant les vibrations qui atteignent la cochlée, organe récepteur de l’audition. Elle transforme les vibrations acoustiques en impulsions nerveuses véhiculées par le nerf auditif. L’intérieur de la cochlée est tapissé de cellules ciliées qui captent des fréquences précises et envoient des impulsions électriques. Elles sont alors transmises par les cellules ciliées et le nerf auditif pour se diriger, via plusieurs relais, vers le cortex auditif. Dès lors, le traitement de la musique ne se fait pas dans une région spécifique mais dans plusieurs parties et simultanément sur tout le cerveau. Par exemple, le ton est traité par un ensemble neuronal, le tempo par un autre, le timbre un troisième, etc. De plus, interviennent différentes parties du cerveau appliquées dans la mémoire, les émotions, ou encore dans les facultés motrices, et dont certaines sont communes au langage. Lorsqu’on écoute de la musique, il y a donc une activité au niveau des réseaux neuronaux émotionnels, et qui déclenche des changements de l’activité cérébrale.
13Ainsi, la musique développe nos capacités cognitives, intellectuelles et stimule notre cerveau, en particulier lorsqu’on pratique un instrument. Et puisqu’elle agit sur nos émotions, elle est capable de changer notre humeur.
14Par ailleurs, on a récemment découvert que la musique peut aussi changer physiquement notre cerveau6. C’est ce que l’on appelle la neuroplasticité. L’apprentissage de la musique conduit à une réorganisation anatomique et fonctionnelle du cerveau. Par exemple, le planum temporal est plus développé chez les musiciens que chez les non-musiciens. Suite à des expériences, on a même découvert que l’on peut apprendre à jouer d’un instrument quelque soit l’âge, car notre cerveau est malléable et réagit vite à la nouveauté. Il est également surprenant dans ce cas, de constater la production de nouveaux neurones chez l’adulte. On sait maintenant que les répercussions de la musique sur le cerveau et le corps sont multiples. Elle favorise l’apprentissage et l’expression du langage, des langues étrangères, renforce les liens émotionnels entre les membres d’un groupe, et donc le lien social, développe les capacités d’écoute, l’écoute des autres, équilibre nos émotions, améliore nos performances motrices et de raisonnement, agit sur notre rythme cardiaque, sur le flux sanguin. Enfin, elle a également des vertus thérapeutiques.
15Certaines musiques ont la capacité de faire diminuer la concentration sanguine du cortisol, l’hormone du stress. Elle favorise la rééducation cognitive et émotionnelle de personnes victimes d’accidents vasculaires cérébraux, qui génèrent des lésions cérébrales, grâce à une thérapie basée sur le chant et le rythme, permettant ainsi une récupération encourageante de la parole. Pour les individus atteints de douleurs chroniques, elle peut agir sur la perception de celle-ci en l’atténuant, et même la faire disparaître.
16Au vu de toutes ces considérations, on ne peut continuer de traiter la musique comme un simple passe-temps ou un divertissement. Elle est bien plus que cela. Et en premier lieu le musicien, « […], cet accident, cet être que rien n’attend dans le monde social, sauf l’amour et l’admiration de quelques êtres, […]. » pour emprunter les mots du peintre Odilon Redon (1840-1916) à propos de l’artiste7. Et pourtant, le musicien se situe « […] dans le plein courant de l’activité humaine, […] »8 . Il doit prendre conscience qu’il détient un pouvoir particulier qui agit concrètement sur lui-même, mais surtout sur ses semblables. Grâce à la force des sons, des mélodies, des accords, la musique et le musicien peuvent prendre soin de l’âme, transformer profondément les êtres humains. Il a donc une responsabilité envers les autres, une place à prendre dans la société. Il est clair que le statut des musiciens, son action concrète dans la cité, est à reconsidérer.
17Déjà au XIXe siècle, Franz Liszt (1811-1886) dénonçait la situation précaire et subalterne des musiciens de son temps. Il souhaitait qu’ils cessent d’être des amuseurs et prennent conscience que l’artiste-musicien est investi d’une mission : guider les hommes, élever leurs âmes, les réunir, pour une société meilleure9. Plus tard, selon Pascal Blanqué10, l’émergence des questions sociales, nationalistes et l’avènement du capitalisme éveillent le musicien aux réalités du monde dans lequel il vit, et finit par se doter d’une conscience politique. Il s’implique et pense le fait politique, économique et social. Dès lors, les musiciens deviennent des citoyens à part entière, et se comportent comme tels. Par exemple, lors de la Première Guerre Mondiale, nombreux sont ceux à s’être engagés dans le conflit ; d’autres comme Luis de Freitas Branco (1890-1955)11 ou Charles Koechlin (1867-1950) ont réfléchi à la place que la musique peut avoir dans la Cité, comment la rendre accessible au plus grand nombre, et sur le rôle des musiciens, dans une visée éducative, de développement humain pour une société meilleure. Par conséquent, il serait bien plus qu’un acteur social, qu’un politique ou un thérapeute. Il serait comme un chaman, personnage singulier parmi les hommes qui a disparu depuis longtemps de notre monde occidental mais tend à réapparaître aujourd’hui.
18Dans les sociétés traditionnelles, la musique a une fonction magique et le chaman est à la fois prêtre, sorcier, guérisseur. Il communique avec les esprits, et à pour fonction de maintenir l’équilibre social et spirituel de sa communauté12. Au même titre qu’un chaman, les musiciens peuvent intervenir dans la Cité pour rétablir un équilibre intérieur chez des individus fragilisés ou marginalisés, prendre soin de maintenir l’harmonie de la communauté, tout en développant une capacité d’écoute non seulement musicale mais humaine, pouvant améliorer les rapports sociaux et le vivre ensemble.
19In fine, c’est ce qu’a proposé le Jeu d’Orchestre en allant à la rencontre des détenus en tant que citoyen, pour partager l’expérience de l’orchestre : n’est-ce pas une manière de contribuer à amorcer un processus de réinsertion qui est l’une des missions principales de la prison ? C’est un bel acte que des citoyens musiciens, des artistes, des chercheurs, des étudiants aillent dans les prisons pour leur proposer cette expérience musicale ; mais il ne s’agit pas d’une simple activité musicale offerte aux populations carcérales. Il s’agit surtout d’entamer un travail sur soi, une manière de faire silence sans qu’ils s’en aperçoivent, par le jeu instrumental, orchestral, auquel tout le monde peut participer. Après tout, la grande majorité des êtres humains est capable de produire, reproduire et ressentir la musique. Proudhon va même plus loin en disant que : « […] tous, tant que nous sommes, la nature nous a fait, quand à l’idée et au sentiment, à peu près également artiste ; […] »13.
20Dans le Jeu d’Orchestre, les participants sont réellement acteurs. Ils s’éprouvent vivants, leurs corps sont en mouvement, leur esprit, leur fort intérieur est en résonance avec les autres musiciens (détenus et professionnels) dans un espace de création, d’interprétation collective, où ils se sentent revivre. Cela, grâce aux vibrations de l’instrument qui nous font échos intérieurement, au contenu émotionnel de l’œuvre14 travaillée, mais aussi aux autres « voix » : on s’expose, on se raconte, on se dévoile, on s’exprime, on soutient. Cet effet de vie peut être éprouvé en regardant ou en écoutant une œuvre. Mais en étant réellement acteur, en l’interprétant, il se passe autre chose : en s’éprouvant, on en est que plus humain, grâce à cette expérience esthétique (le Beau), polyphonique (sons) et physiologique (le corps). Ce qui est alors en jeu c’est la vie, l’effet de vie créé et partagé collectivement. Ainsi, le musicien rend concrètement la musique accessible à tous en jouant des choses très simples sur un instrument, permettant à d’autres de faire l’expérience directe et active de cette sensation de vie, procurée par la musique lorsqu’on l’interprète. De plus, le jeu, comme tous jeux, sort les détenus de la réalité, de leur condition et du quotidien écrasant de la prison. Ils deviennent alors autres : des musiciens. Dans cet orchestre participatif, on entre dans un monde fictif qui nous fait à nouveau nous sentir vivant. Mais il y a plus encore.
21En effet, il semble que le Jeu d’Orchestre déclenche chez tous les participants, détenus ou non, un processus de reconstruction individuelle et sociale. Dans cette expérience de la rencontre entre les mondes, chacun apprend à ne plus avoir peur du regard des autres, à se sentir de nouveau un individu à la fois semblable et différent par sa singularité. La prison est un lieu de privation de liberté, de coupure avec le monde extérieur, qui déconstruit, voire détruit ces individus. Si l’on peut penser que toute leur vie, ils porteront le poids de leurs fautes, de leurs crimes, mais aussi les stigmates de leur passage en prison, de leur vie carcérale, certains auront vécu le Jeu d’Orchestre comme un processus de reconstruction de leur être intérieur et ainsi, sans qu’ils s’en aperçoivent, de reconstruction à la fois sociale, personnelle ou encore familiale15. Qu’ils se cachent ou soutiennent musicalement les autres, ou encore qu’ils s’exposent, tous se placent dans une logique de réussite et non plus d’échec, faisant entrevoir de nouvelles perspectives de vie. Grâce à leurs capacités d’écoute, de concentration et d’attention, ils apprennent à maîtriser un instrument, à dialoguer musicalement avec les codétenus et avec leurs concitoyens en développant ainsi un sens de la responsabilité.
22Voilà un exemple d’action que le musicien peut mener dans la Cité pour faire éprouver à chacun ce sentiment d’égalité qui le relie aux autres humains, à travers le jeu musical. Tel un chaman, le musicien, personnage à la fois social et asocial16, invite les non-initiés à une expérience, un voyage initiatique, à travers la force des sons et des accords produits par les instruments et les œuvres. Il a ainsi l’occasion de partager son art, et de faire éprouver les pouvoirs de la musique, capable de prendre soin de chacun et de le soutenir dans l’existence, de le relier au monde grâce à l’activité sensorielle et émotionnelle qu’elle déploie, en particulier chez les êtres fragilisés, marginalisés. Et puisque dans ce jeu personne ne perd et n’est mis de côté, mais au contraire valorisé, chacun acquiert une nouvelle image de soi, positive et plus sensible, rétablissant ainsi l’équilibre intérieur et en harmonie avec les autres et le monde.
Bibliographie
BARENBOIM Daniel, La musique éveille le temps, Paris, Fayard, 2008.
BIGAND Emmanuel (dir.), Le cerveau mélomane, Paris, Belin, 2013.
BLANQUÉ Pascal, Musique, cité et politique : histoire du musicien à l’âge moderne, Paris, Economica, 2009.
LISZT Franz, Artiste et société, édition des textes en français, réunis, présentés et annotés par Rémy Stricker, Paris, Flammarion/Harmoniques, 1995.
MÜNCH Marc-Mathieu, L’effet de vie ou le singulier de l’art littéraire, Paris, Champion, 2004.
PERRIN Michel, Le Chamanisme, Paris, Presses Universitaires de France, « Que sais-je ? », 2014.
PLATON, La République, Livres III et IV, traduit par Pierre Pachet, Paris, Gallimard, Collection Folio/Essais, 1993.
PROUDHON Pierre-Joseph, Du principe de l’art et de sa destination sociale, Dijon, Les Presses du Réel, 2002.
REDON Redon, Confidence d’artiste, janvier 1913, L’Échoppe, 2011.
SALVADOR David, Présentation du journal d’un compositeur humaniste, Luis de Freitas Branco, Mémoire de Master 2 : Musicologie, Lille 3, 2009.
SÈVE Bernard, « Dedans ? Dehors ? Le compositeur et la cité », collectif, Musique et société, Paris, Cité de la musique les éditions, Diffusion, Europa Music.
Notes de bas de page
1 Le compositeur français Erik Satie (1866-1925), en visionnaire, avait saisi le besoin de plus en plus manifeste d’un fond sonore que les gens de son époque souhaitaient pour accompagner, voire « décorer », leurs activités quotidiennes. Cette musique serait employée dans des circonstances particulières, afin d’aménager l’espace sonore. Avec l’avènement de la reproductibilité de l’art au cours du XXe siècle, le statut de la musique s’est modifié. Elle est devenue de la musique d’ameublement, indifféremment utilisée comme ambiance sonore dans nos nombreux espaces de vies publics et privés, ou dans les spots publicitaires. Cela concerne toutes les musiques, mais elle touche plus particulièrement la musique dite populaire (jazz, rock, pop, musique électro, etc).
2 MÜNCH Marc-Mathieu, L’effet de vie ou le singulier de l’art littéraire, Paris, Champion, 2004.
3 La République, Livres III et IV.
4 SÈVE Bernard, « Dedans ? Dehors ? Le compositeur et la cité », collectif, Musique et société, Paris, Cité de la musique les éditions, Diffusion, Europa Music, 2004, p. 11.
5 Tout ce paragraphe s’appuie sur : BIGAND Emmanuel (dir.), Le cerveau mélomane, Paris, Belin, 2013.
6 SCHÖN Danièle, « Pratique musicale et plasticité cérébrale » dans BIGAND Emmanuel (dir.), Le cerveau mélomane, Paris, Belin, 2013, p. 87-98.
7 REDON Redon, Confidence d’artiste, janvier 1913, L’Échoppe, 2011, p. 19.
8 PROUDHON Pierre-Joseph, Du principe de l’art et de sa destination sociale, Dijon, Les Presses du Réel, 2002, p. 30.
9 LISZT Franz, Artiste et société, édition des textes en français, réunis, présentés et annotés par Rémy Stricker, Paris, Flammarion/Harmoniques, 1995.
10 BLANQUÉ Pascal, Musique, cité et politique : histoire du musicien à l’âge moderne, Paris, Economica, 2009.
11 SALVADOR David, Présentation du journal d’un compositeur humaniste, Luis de Freitas Branco, Mémoire de Master 2 : Musicologie, Lille 3, 2009.
12 PERRIN Michel, Le Chamanisme, Paris, Presses Universitaires de France, « Que sais-je ? », 2014.
13 PROUDHON Pierre-Joseph, Du principe de l’art et de sa destination sociale, Dijon, Les Presses du Réel, 2002, p. 15.
14 « Néanmoins, il ne faut jamais cesser de se demander ce qu’est exactement le contenu de la musique, […]. Elle a à voir avec la condition de l’être humain, puisque la musique est écrite et interprétée par des êtres humains qui expriment leurs pensées les plus intimes, leurs sentiments, leurs impressions et leurs observations. » BARENBOIM Daniel, La musique éveille le temps, Paris, Fayard, 2008, p. 17.
15 Par exemple, il nous a été possible de donner un concert devant les parents des jeunes détenus de Quiévrechain. Cette expérience a certainement contribué à changer le regard des parents en, vers leurs enfants, ne serait-ce que le temps du concert.
16 De manière différente, les musiciens, comme les personnes détenues, sont parfois en-dehors de la société. Ils peuvent, par leur art, se sentir également exclu d’elle. Musiciens et détenus peuvent avoir cela en commun, bien entendu à des degrés divers.
Auteur
-
David Salvador
Doctorant à l’université de Lille 3 où il prépare une thèse sur ce thème sous la direction de Marie-Pierre Lassus. Il est intervenu dans le Jeu d’Orchestre en tant que musicien et chef d’orchestre.
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