Version classiqueVersion mobile

Le Voyage et la danse

 | 
Siegfried Kracauer

La photographie de portrait

Texte intégral

1À Berlin, une exposition de bonnes photos de portraits offre l’occasion de se livrer à une étude de principe sur les chances propres à l’art du portrait photographique. Pourquoi bon nombre de portraits, et précisément ceux qu’on dit artistiques sont-ils si aberrants ? Je pense à ces portraits qu’on voit fréquemment, encadrés sous verre, accrochés dans les entrées des ateliers photographiques. La tête d’un homme connu surgit d’un mystique fond sombre, ou bien une actrice en vogue doit prendre une attitude démoniaque. Si, selon l’idée des gens concernés, aucune vue normale ne rend suffisamment, on choisira d’en éterniser d’insolites. Le visage apparaît dans des perspectives hardies, censées exprimer quelque chose de signifiant, certaines parties du menton ou du front prennent une importance prépondérante que sans doute elles ne possèdent pas du tout dans l’usage quotidien, et des reflets de lunettes deviennent le principal élément optique. C’est, dans tous ces cas, toujours du même défaut qu’il s’agit. Il consiste en ceci que la photographie, au lieu de rendre présente la physionomie à portraiturer, l’utilise comme moyen pour des fins qui sont extérieures à l’objet. Quelles possibilités photographiques comporte la tête ? Telle est la question qui est posée et qui reçoit sa réponse dans de tels portraits. En d’autres termes : ce qu’ils recherchent d’emblée, ce n’est pas le rendu de l’objet, mais la représentation de la totalité des effets qu’on peut arriver à en tirer. Décisifs, bien sûr, sont ceux qui correspondent au métier : les effets particuliers de lumière et d’ombre. Malheur au type susceptible d’inciter à les développer. Sans égard pour les contenus qui sont peut-être posés en même temps que lui, on l’éclaire ou on le fonce, et ce qui reste ensuite de lui est une composition en noir et blanc. Trop souvent, elle ne se contente pas de quelques attraits ornementaux, mais, pire encore, elle cherche plutôt à témoigner d’une « conception » artistique. En effet, nombre de photographes mettent leur orgueil à livrer, par delà l’aspect technique, des œuvres d’art, et à animer, pour ainsi dire, la physionomie. Mais alors, au lieu de développer à partir de l’objet une conception qui dépende de sa réalité concrète, ils lui ajoutent cette conception-là, comme une sauce. Que ça convienne ou pas à la tête : elle doit se la laisser verser dessus. Ce serait ici le lieu d’une digression sociologique qui devrait s’occuper de la mentalité investie dans d’innombrables photographies de portraits. Cette mentalité présente sans aucun doute quelques traits typiques, qui sont moins le propre des portraiturés que des artistes de portraits. En effet, leur situation intermédiaire, non définie, entre reproduction technique et production artistique, conduit tout naturellement à adopter justement les qualités à la mode. Celui qui n’appartient pas à l’avant-garde créatrice doit se servir des nouveautés qui sont dans l’air ; à supposer qu’il veuille faire de l’art à tout prix. Certaines attitudes spirituelles se mettent ainsi en avant, certaines poses reviennent dans des portraits concernant des objets qui n’ont rien de commun entre eux. Elles sont obligatoirement octroyées au commanditaire, qui d’ailleurs a souvent lieu de se réjouir d’un tel apport ornemental.

2Les portraits qui se trouvent dans l’exposition en question se distinguent de ceux que l’on vient de caractériser en ceci qu’ils n’ont pas de « conception ». Quel avantage ! Tandis que, d’après les pseudo-procédés artistiques habituels, la physionomie devient un jeu de lumière ou même disparaît derrière diverses opinions et représentations indépendantes d’elle, elle est ici véritablement son propre but. Le photographe s’est visiblement efforcé d’étudier ses particularités et de les mettre ensuite en valeur au moyen de l’image. Il se retire lui-même au profit de l’objet qu’il cherche à transmettre, aussi caractéristique que possible. La meilleure preuve en est l’abandon du décoratif, qui d’habitude joue un rôle important. Dans ces portraits, le contenu et le geste sont comme tout naturellement en harmonie l’un avec l’autre. Au lieu que le visage ne soit forcé à entrer dans une perspective étrangère, celle-ci découle chaque fois de son être ; au lieu qu’une volonté stylistique subjective ne s’attribue tout le pouvoir, l’essence du portraituré conditionne d’elle-même le style. Les profils ne correspondent pas à une humeur, les vues de face répondent à des exigences du contenu. En accord avec cela, les modelages par la lumière et l’ombre ne poursuivent pas d’égoïstes buts particuliers, mais remplissent la fonction de commenter le texte du visage. C’est ainsi du moins qu’il en est en principe. Sans conteste, des photographies de ce genre sont les seules qui méritent le nom de portraits. En se plongeant en pensée dans la personne à représenter, elles rencontrent bien sûr une limite que seul le peintre peut dépasser. Lui, peut, en vertu de ses interventions actives, réellement objectiver le modèle qu’il a devant les yeux ; l’appareil photographique, en revanche, qui n’est qu’un organe de réception passif, devrait finir par se perdre en lui. Mais comme cette conséquence théorique est exclue, même la bonne photographie de portrait, qui prend son objet au sérieux, s’avance dangereusement dans les parages de la peinture, à laquelle la mauvaise cherche inconsidérément à s’identifier. C’est une affaire de tact photographique : réduire au maximum ces stylisations indispensables qui engendrent des effets similaires à ceux de la peinture.

© Presses universitaires de Vincennes, 1996

Conditions d’utilisation : http://www.openedition.org/6540

Cette publication numérique est issue d’un traitement automatique par reconnaissance optique de caractères.
Rechercher dans OpenEdition Search

Vous allez être redirigé vers OpenEdition Search