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Les cinémas d’Asie

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Nathalie Bittinger

Conclusion

Nathalie Bittinger

Texte intégral

1En guise de conclusion provisoire, depuis le colloque tenu à l’Université de Strasbourg en 2013, les cinéastes ont continué à renouveler la matière cinématographique par leurs propositions novatrices et ambitieuses et à nouer des allers et retours esthétiques entre plusieurs traditions. Après Dragon Gate. La légende des sabres volants (2011), variation sur le classique Dragon Gate Inn (1967) de King Hu, Tsui Hark a proposé pour la première fois un film de guerre, en 3D, La Bataille de la montagne du tigre (2014), qui emprunte par moments aux Douze Salopards de Robert Aldrich (1967) ou aux Canons de Navarone (1961) de Jack L. Thompson. Il enrichit cependant le genre en le couplant à l’esthétique du wuxiapian (film de sabre et/ou d’arts martiaux) et de l’Opéra de Pékin (avec l’utilisation des masques, notamment). La trame de La Bataille de la montagne du tigre, fondée sur un fait historique, est encore fécondée par une recréation mémorielle et représentative, puisque Tsui Hark dit s’être appuyé sur des souvenirs émus qu’il a conservés de deux adaptations de l’événement vues dans sa jeunesse (une version en noir et blanc des années 1950 et une version de l’opéra de Pékin en couleur des années 1960, toutes deux adaptées d’un roman intitulé Tracks in the Snowy Forest). Ces mélanges et interférences entre le fait et la mémoire, l’histoire et l’esthétique, la tradition et le contemporain, lui permettent, entre autres, de proposer une réflexion sur l’histoire officielle telle qu’imposée par le gouvernement chinois et de la contrer par des imaginaires de résistance. Jia Zhang-ke continue, quant à lui, à radiographier les mutations qui surviennent dans la Chine contemporaine. Après A Touch of Sin (2013) qui revisitait autant le cinéma hongkongais que le film noir hollywoodien, Au-delà des montagnes (2015) est un mélodrame, une fresque familiale déroulée sur vingt-cinq années, qui se découpe en trois parties et en trois formats (1.33 en 1999, 1.85 en 2014 et le scope en 2025). Cette famille, à nouveau, se disloque au contact des pressions sociales et historiques, et l’intrigue part de Fenyang, ville natale du cinéaste et cadre de ses premiers films, avant d’offrir une tentative d’échappée vers l’ouest, vers l’Australie. Et Jia Zhang-ke aurait par ailleurs, dit-on, des velléités de s’emparer à son tour de la matière traditionnellle du wuxiapian, après The Grandmaster (2013) de Wong Kar-wai et le tout récent The Assassin (2015) de Hou Hsiao-hsien. Ces cinéastes, chacun à leur tour, revisitent l’un des piliers de la culture chinoise, popularisé internationalement par Tigre et Dragon (2000) d’Ang Lee, mais profondément redessiné par le style propre de ces auteurs. The Assassin, passant du noir et blanc à la couleur (utilisée dans toutes ses teintes, doublées des résonances intimes que chacune suggère) en passant par un éclairage à la bougie, joue ainsi du temps long des plans-séquences ou des lents panoramiques pour styliser les combats et les scènes contemplatives dans lesquelles résonne le souffle du vent. Hou Hsiao-hsien les magnifie encore dans des cadres picturaux striés de voilage, détricotant l’espace par le jeu sur le hors-champ ou la profondeur de champ.

2Si des auteurs reconnus poursuivent leur œuvre en élargissant le spectre de leurs réflexions et de leur esthétique, comme Hong Sang-soo qui affine son jeu métafilmique de permutation des histoires dans Un jour avec, un jour sans (2015), d’autres émergent, tels que Bi Gan, dont le premier long-métrage Kaili Blues (2015) mélange le réel et l’imaginaire, les nouvelles du monde et les légendes, dans un creusement des narrations et des temps. D’autres encore, soutenus par un travail d’édition et de réédition, voient certains de leurs films jamais projetés dans les salles françaises ressortir en version restaurée au cinéma ou en DVD. C’est le cas de A Touch of Zen (1971) de King Hu, ressorti en 2015, mais aussi du premier film d’Apichatpong Weerasethakul, fondé narrativement sur le principe du cadavre exquis, Mysterious Object at Noon (2000 pour la réalisation, 2016 pour la sortie française). Du premier au dernier opus (Cemetery of Splendour, 2015), le cinéaste, comme tant d’autres, continue à bouleverser les assises narratives, temporelles et esthétiques des spectateurs, qui ont progressivement de plus en plus accès à des œuvres majeures issues des différents cinémas d’Asie, avec lesquels nous avons cheminé et cheminerons encore.

Auteur

Maître de conférences en études cinématographiques à l’Université de Strasbourg et agrégée de lettres modernes. Membre de l’équipe Approches contemporaines de la création et de la réflexion artistiques (ACCRA), elle est l’auteur de 2046 de Wong Kar-wai (Armand Colin, 2007) et d’articles sur les cinémas chinois, hongkongais, taiwanais, etc.

© Presses universitaires de Strasbourg, 2016

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