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La télévision et les arts

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Roxane Hamery

Conclusion

Gisèle Breteau Skira

Texte intégral

60 ans de films sur l’art à la télévision française

1Ces treize entretiens témoignent de l’œuvre d’une génération d’auteurs, de producteurs et d’institutionnels qui, durant soixante ans, ont contribué à l’enrichissement de la télévision française selon le mot d’ordre : Informer, cultiver, distraire. Ils laissent dans le paysage audiovisuel français un trésor de documents filmés, fondateurs d’une histoire du film sur l’art au même titre que les productions indépendantes d’Anatole Dauman ou de Pierre Braunberger. Me remémorant aujourd’hui les œuvres ou les choix de projets de chacun, il est intéressant à remarquer que la plupart d’entre eux se connaissent de longue date, qu’ils ont plusieurs fois eu l’occasion de travailler ensemble, et que leur démarche vis-à-vis de la représentation de l’art à la télévision malgré quelques différences, allait toujours dans le sens de la création d’une « œuvre ». En premiers utilisateurs de cet outil de transmission des images, ils inventent et expérimentent une télévision du savoir à grande échelle ; Dominique Rabourdin ira même jusqu’à dire, « dans une liberté invraisemblable » ! Cette télévision capable en effet, d’attacher un public, de lui plaire, voire de le fidéliser aux heures d’écoute de début de soirée, et dans « l’austérité » du noir et blanc ! Avec opiniâtreté, curiosité et passion, les auteurs ont défendu la notion de service public tenant en haute estime la tâche qui leur incombait et qu’ils avaient volontairement choisi.

2Il flotte dans ces entretiens un enthousiasme, une légèreté, un désir de fabriquer, « il fallait inventer la TV, ne pas faire de cinéma » selon Jean Michel Meurice, un engouement pour les sujets et de nouvelles formes tel Jean-Christophe Averty qui inventa le collage télévisuel à l’instar des peintres, principe qu’il utilisa lors de l’émission célèbre réalisée « contre » Dali ! Il y règne une envie de partager des découvertes et des rencontres avec les artistes, ainsi Jean-Marie Drot veilleur fasciné qui pose sa caméra dans l’atelier de Giacometti, incapable de quitter les mains, les mots, et le visage du sculpteur. Sans commentaire, tels que les aime Carlos Vilardebó, silencieux, muets, les films sur les artistes, sur Bram van Velde de Jean-Michel Meurice par exemple, où percent l’extrême fragilité et retenue du peintre « la simultanéité en de brefs instants, de rires lumineux avec les éclairs de véritable effroi » écrit Charles Juliet.

3Philippe Collin évoque un âge d’or de la télévision des années 1960 où les artistes passaient à l’antenne ! Claude Ventura s’intéresse à l’artiste au travail, défend l’importance du regard, Teri Wehn-Damisch déclare que rien ne remplace celui ou celle qui dit « moi, je », la parole d’artiste d’abord ! Dominique Rabourdin se souvient d’un travail extrêmement vivant, filmé dans l’urgence à propos d’Océaniques.

  • 1 Michel Mitrani, Propos rapportés dans le dossier de presse du 1er festival international des Prodc (...)

4Ces belles années se poursuivent dans les années 1970, par la mise en œuvre et l’inscription dans la grille des programmes, de grandes émissions sur l’art : L’Art et les Hommes, Les Heures chaudes de Montparnasse, Journal de voyage avec André Malraux de Jean-Marie Drot, Les Archives du XXe siècle et Désir des Arts de Jean-José Marchand et Philippe Collin, Tous en scène de Claude Ventura, Zig Zag, Ping-Pong, Domino, Tintam’arts de Teri Wehn-Damisch, L’Aventure de l’art moderne de Carlos Vilardebó. À travers elles, d’autres réalisateurs de qualité se font connaître, Michel Mitrani qui fictionnarise les textes littéraires de Bergamin, Sartre ou Gombrowicz et l’inoubliable Tous ceux qui tombent de Beckett : « Je décidais, dit-il de ne pas rester un lecteur passif et de matérialiser les images mentales provoquées par les mots1. » Yves Kovacs tourne avec Nathalie Sarraute et Hartung, Daniel Le Comte filme parmi d’autres, Vieira da Silva, André Masson et Avigdor Arikha, Clovis Prévost filme Miro au travail, et José Maria Berzosa consacre par bonheur un film à Antonio Saura.

5Puis l’éclatement de l’ORTF voulu par Valéry Giscard d’Estaing mène tout droit à la privatisation des chaînes, l’audimat devient la sanction, elle s’instaure en censeur et les artistes sont peu à peu écartés de l’antenne.

  • 2 Gisèle Breteau-Skira, « Entretien avec Virginie Herbin », Zeuxis, no 5, 16 décembre 2001, p. 57.

6Il faut attendre les années 1980 pour retrouver l’élan artistique avec la création de La Sept initiée par Georges Duby et Jean-Michel Meurice en 1986, qui deviendra La Sept-Arte en 1990 puis Arte-France en 2000. À cette période, s’installe dans le paysage artistique français un engouement inattendu pour les musées, ainsi à l’exemple du Centre Georges Pompidou à Paris, c’est le Grand Louvre, le musée d’Orsay, le musée Picasso, la cité de la Musique et l’Opéra Bastille, en province le musée de Lille, de Nantes, de Lyon, de Rouen, bâtiments érigés ou rénovés par les architectes contemporains, Piano Rogers, Pei, Putman, Gae Aulenti… Cette effervescence muséale crée très vite une forte émulation auprès des décideurs télévisuels, entraînés eux-mêmes par de nouvelles personnalités chargées des productions audiovisuelles au sein de chaque établissement. Ainsi, en 1987 à l’occasion de l’exposition Cézanne, Virginie Herbin productrice au musée d’Orsay décide la production d’une « œuvre cinématographique » pour le musée, elle fait appel pour cela à différents cinéastes. « Pour Cézanne, il a paru alors évident, dit-elle, que ce devait être les Straub2 » et c’est ainsi que fut réalisé le film Cézanne de Danièle Huillet et Jean-Marie Straub, heureusement considéré aujourd’hui comme Le Film emblématique de l’histoire du film sur l’art. Loin en effet d’analyser l’œuvre de Cézanne d’un regard documentaire et documenté, c’est par la lecture de la conversation entre Paul Cézanne et Joaquim Gasquet que Straub se place dans la position identique à celle du peintre, fixant sa caméra comme lui, son chevalet, face à la montagne Sainte Victoire, usant ainsi du même point de vue. Démarche audacieuse et nouvelle qui superpose le cinéaste au peintre, provoquant du même coup, une vision intense du motif exacerbée encore par l’écoute attentive des mots du peintre devant la difficulté du travail. La notion d’œuvre se substitue à celle de film, faisant appel au sens de la peinture plus qu’à la contemplation picturale. En 1988, Dominique Païni lance au musée du Louvre, une série de productions à caractère novateur, offrant là aussi la possibilité à de nouveaux cinéastes de se confronter aux arts plastiques, comme Nicolas Philibert, Alain Fleischer, Richard Copans, Stan Neumann, Alain Jaubert. Alain Jaubert dont il soutient dès l’origine le projet Palettes, qui deviendra la riche collection de 50 films. Il propose aux réalisateurs Bertrand Desollier et Paule Muxel, Alain Fleischer, Valeria Sarmiento et Danièle Petit-Shirman, de rendre compte d’un tableau du Caravage, de Watteau, ou de Quentin Metsys sur une durée de 1 minute quarante secondes ! Le pari réussit et offre, au travers de visions subjectives de l’œuvre, un travail cinématographique exemplaire.

7Outre les musées devenus producteurs de films, s’ajoute dès 1982 la Mission audiovisuelle du Centre national des arts plastiques dirigée par Michel Delaborde au sein de laquelle Chantal Soyer fait preuve d’inventivité et d’audace en matière de co-production. Sans oublier la présence permanente de la Sept-Arte dès 1987 dont l’Unité de programme dirigée par Thierry Garrel est assortie d’émissions singulières proposées par Paul Ouazan, mêlant tous les genres du cinéma Snark, Brut, Les Nuits de la pleine lune, et en 2002 l’émission Die Nacht (La Nuit) qui forte de son succès d’audience durera dix ans. Le Centre Pompidou suit le mouvement co-produisant avec ces différents musées et la collaboration d’Arte. En 1987, il inaugure un festival dédié au genre : la Biennale Internationale du Film sur l’Art, dont la première édition sous le titre : « Genèse du film sur l’art » présente un ensemble de films qui depuis Ceux de chez nous de Sacha Guitry en 1915 brosse un panorama de l’évolution du film sur l’art, partant des productions indépendantes à celles produites par la télévision. Le parcours se termine en 1974 par le film de Philippe Grandrieux et Thierry Kuntzel La Peinture cubiste produit par l’INA. dans la série : Regards entendus, d’après le texte de Jean Paulhan. Film ouvrant déjà une nouvelle approche de l’art par le cinéma.

États des lieux

  • 3 François Jost, « Peut-on parler de télévision culturelle ? », Télévision, no 2, 2011, « Quelle cul (...)

8La télévision a bénéficié pleinement de la diversité de ces ressources, la multiplication des acteurs dans les différents postes à responsabilité artistique tant dans les instances d’exposition, que de production ou de diffusion de l’art et du film sur l’art a été un apport essentiel. Porté par la situation exceptionnelle et l’intérêt grandissant du public envers les arts plastiques bouleversant les statistiques de fréquentation des expositions, le phénomène inespéré naguère, permit d’inscrire de façon pérenne au sein des chaînes un certain nombre d’émissions sur l’art et gagner ainsi l’audience de nouveaux téléspectateurs. C’est bien sûr le cas de Palettes mais aussi de la série Architectures proposée par Richard Copans et Stan Neumann développée par Daniel Soutif, et les tournages in-situ des grandes expositions du Centre Pompidou réalisés par Teri Wehn-Damisch. La télévision a joué, dans ce moment privilégié des années 1980-1990 un rôle déterminant dans la politique culturelle, très différent cependant de celui des années 1950-1960 mené par l’aventure des possibles. C’est une période où les réalisateurs se font remarquer en tant qu’auteur singulier, impriment leur style et leur démarche, certains déjà cités plus haut et d’autres comme Jérôme de Missolz, Christophe Loizillon, Didier Baussy, Heinz Peter Schwerfel, Claude Mouriéras, Pascal Kané, Philippe Simon, auxquels il était naturel de faire appel devant la production de tel ou tel projet. C’est aussi une période favorable à l’émergence de producteurs indépendants à l’instar des anciens, tels Les Films d’Ici, Terra Luna, Les Films du Tambour de soie, Idéale Audience, Artline etc, c’est également le début de la série télévisée inventée par Jérôme Prieur et Gérard Mordillat sur l’origine du Christianisme, Corpus Christi. Cependant, avec le recul et à y regarder de plus près, se planifiait déjà de façon insidieuse, une espèce de carcan normatif enserrant la production des films dans un cahier des charges contraignant et inévitable. Projets formatés dont le minutage, l’écriture, le choix des sujets et le discours dépendaient de plus en plus de l’influence internationale et de la mode artistique, le tout augurant la fin d’un âge d’or de la télévision. La concurrence due à la multiplication des chaînes entraîna à la fois une pléthore de sollicitations et un nivellement des concepts. De plus, dans une période artistique assez moyenne régie par les lois du marché et l’industrie culturelle, la sanction de l’audimat et l’ensemble de ces éléments changèrent la donne. La perte du goût pour le savoir, au détriment du jeu, du show, du reportage social ou psychologique, de la télé-réalité et autres émissions interactives et participatives, dans laquelle un animateur sollicite le goût narcissique du téléspectateur à la seule fin de créer un lien de proximité avec lui et de l’attacher un peu plus à l’écran cathodique. Ce phénomène se multiplie et entraîne de fait, la raréfaction des émissions artistiques à la télévision remisées en fin de soirée et remplacées aux heures d’écoute par celles de pur divertissement. « La culture selon la télévision est à l’image de Protée, prête à emprunter de multiples formes », dit François Jost et il ajoute : « Toute émission faisant la promotion ou la communication d’un bien culturel devint du même coup une émission culturelle3. » Sans cette confusion des genres, comment France Télévisions pourrait se glorifier de diffuser nationalement au moins un programme culturel chaque jour en première partie de soirée ? Si l’on excepte les captations d’opéras, de concerts, de spectacles ou les émissions littéraires, musicales et historiques, combien reste-il d’émissions artistiques aujourd’hui : L’Art et la Manière de Jean-Paul Boucheny le dimanche à 13 h sur Arte, l’émission Arte Documentaire chaque semaine, l’émission D’Art d’art sur France 2 d’une durée d’1 minute 15 secondes, Un soir au musée tous les 15 jours sur France 5, sur la chaîne Histoire La Vie privée des chefs-d’œuvre ? Un comédien, un cinéaste disparaît, une chaîne présente un film, au mieux une soirée consacrée à sa carrière, mais c’est un artiste, un écrivain ou un musicien, aucun film n’est programmé, et pourtant combien sont-ils dans les archives de l’INA !

Un avenir possible

9Il semble évident à la lecture de ces entretiens qu’il faudrait transformer ce patrimoine audiovisuel, phénoménal mémoire artistique du XXe et XXIe siècle en un vaste programme culturel à destination de tous les publics, sachant que la façon de le mettre en œuvre, nécessite une culture ou pour le moins un désir ou une curiosité au-delà de la valeur marchande qu’il représente.

10En avril 2006, l’INA met en ligne 10 000 heures d’archives sur Internet. Chacun peut donc faire sa propre télévision sans quitter son domicile, choisissant ses programmes selon ses critères et ses affinités ! Ce sont des documents de tous les genres et pour tous les goûts, coupés, montés et choisis dans les archives de la télévision française, se surajoutant à la masse considérable d’émissions diffusées sur les chaînes. Le choix est vaste pour satisfaire le plus grand nombre, il n’illustre pas une volonté de diffusion, encore moins une programmation. Il peut répondre à une recherche ponctuelle et précise, mais en ce qui concerne les arts, encore une fois, bien peu d’artistes y figurent. Bien que les modèles économiques sur Internet soient encore fragiles, de nouvelles initiatives apparaissent, ainsi une plate-forme numérique « Culturebox » lancée le 16 juin dernier est accessible sur le web, les smartphones, les tablettes et la télévision !

Que faire aujourd’hui

11La véritable question soulevée par les réalisateurs est celle de la diffusion de leur œuvre. Un public s’est détourné de la télévision, il fréquente désormais les salles de cinéma pour y voir des documentaires et notamment des documentaires artistiques. Certains distributeurs importants l’ont compris et loin de faire du mécénat, ils programment leurs salles en conséquence. Sachant d’autre part, que l’édition DVD sera probablement, à plus ou moins court terme, remplacée tout à fait par la VOD (vidéo à la demande) est-il néanmoins judicieux d’imaginer avant cette échéance, l’édition de coffrets de films des auteurs de la télévision française, une sorte de pléiade INA regroupant les auteurs de l’histoire du film sur l’art. Le cinéma est entré à la télévision, il y est produit, co-produit, diffusé. Pourquoi ne pas présenter en salles, les émissions artistiques des auteurs de ces entretiens au même titre que furent présentés Les Rêves dansants avec Pina Bausch d’Anne Linsel, ou Louis Kahn, my architect de Nathaniel Kahn, ou La Traviata et nous de Philippe Béziat, ou encore La Maison de la radio de Nicolas Philibert, véritables succès publics.

12Consacrer une salle de cinéma à la télévision et y programmer une séance « tout Giacometti », « tout van Velde », « Dada à New York » ou « les films de Robert Morris ». Une autre confrontant Richard Long de Philip Haas à Gerry de Gus Van Sant ou encore Le Cirque de Calder de Carlos Vilardebó à Lola Montès de Max Ophuls, démontrerait enfin que le film sur l’art né avec Alain Resnais a indéniablement quelque chose à voir avec le cinéma, à l’égal de l’oeuvre des neuf réalisateurs présents dans ces entretiens.

13En proposant à un « public hypothétique » ou comme le nomme joliment Roxane Hamery dans son avant propos, à « l’énigmatique public des téléspectateurs » différentes possibilités d’accès au film sur l’art, par une salle à l’identité clairement définie, par l’édition d’une collection DVD pléiade, par une politique de programmation antenne, un public peu à peu se fabrique, s’élargit, s’informe, se cultive et se distrait.

Notes

1 Michel Mitrani, Propos rapportés dans le dossier de presse du 1er festival international des Prodcuction Audiovisuelles ; 1987.

2 Gisèle Breteau-Skira, « Entretien avec Virginie Herbin », Zeuxis, no 5, 16 décembre 2001, p. 57.

3 François Jost, « Peut-on parler de télévision culturelle ? », Télévision, no 2, 2011, « Quelle culture pour la télévision ? », p. 11 et 18.

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