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Exprimer le génocide des Arméniens

 | 
Patrick Louvier
, 
Annick Asso
, 
Héléna Demirdjian

Troisième partie. Représentations et créations artistiques du génocide des Arméniens

Achot Achot, Armen Rotch, Melik Ohanian. Trois artistes contemporains face à la représentation du génocide

Varvara Basmadjian

Texte intégral

1Questionner les représentations possibles du génocide des Arméniens à travers les arts, mettre en miroir une lisibilité des faits historiques tout en revendiquant une fidélité à la réalité, relève sans aucun doute du domaine de l’utopie. Une représentation du génocide en art est soumise à un cheminement complexe, éloigné du fait brut et nu, elle s’habille nécessairement des voiles de l’imaginaire, du symbole, de l’émotion et d’une réinterprétation de ce qui a été raconté ou rapporté pour venir s’échouer le plus souvent sur un point d’interrogation. Fondé sur une approche subjective, le travail créatif de l’artiste s’engouffre dans les sillons de préoccupations liées au fait historique. La traduction en art de ce moment ne peut se concrétiser qu’à travers le décalage du regard de l’artiste.

2Que pouvons-nous ressentir en regardant l’extraordinaire tableau d’Arshile Gorky, Agony, daté de 1947 et qui a été choisi par l’équipe organisatrice du colloque pour nous inviter à réfléchir sur le thème ? Certainement une profonde émotion devant les couleurs si fortes de mort et de vie, le rouge non pas flamboyant mais celui du sang qui coule par tâches et flaques. Puis, le questionnement laisse place à la nécessité d’explicitation de ces formes qui s’enchevêtrent et se précipitent vers cette figure blanche, légèrement excentrée, comme pour l’engloutir. Chaque coup de brosse ou de pinceau, chaque trait, chaque forme, chaque couleur sur la palette nous fait vivre cette Agony, dont émane une force esthétique inégalée. L’esthétisation du crime et de la souffrance a été souvent perçue négativement. Toutefois il est presque certain qu’il incombe aux artistes d’esthétiser pour frapper les esprits et responsabiliser ainsi les créateurs, en les plaçant dans un cadre politique de contemporanéité. Comment imaginer, comment représenter le trou béant provoqué par le néant ?

3Les différentes manifestations du génocide, le meurtre sauvage, la faim, la soif, les marches forcées dans le désert, le soleil torride nous situent dans un espace et un temps que nous ne pouvons ni retrouver, ni vivre aujourd’hui. Le génocide fait partie de l’histoire des descendants de victimes, il imprègne leurs vêtements, leur esprit, leur cœur, leur parole. Ses ramifications s’étalent à l’infini et seul l’art permet d’évoquer, parallèlement aux documents historiques, dont la portée objective est considérée comme scientifique et froide, ce que l’esprit ému a du mal à appréhender.

4Nous nous intéressons ici à la représentation dans les arts visuels du génocide des Arméniens. Nous n’avons pas rencontré de témoignage visuel reproduit sur le vif par ceux qui ont vécu cette horreur. Dans la plupart des cas l’expression artistique est une réinterprétation de ce qui a été vécu mais aussi imaginé, le texte écrit et l’image étant souvent en corrélation directe. L’art nous entraîne ainsi dans un espace extensible hors du temps, nous obligeant constamment à nous remémorer l’avant et l’après. Il permet de déconstruire tout ce qui a été vu et connu pour mieux construire et rendre possible l’impossible.

  • 1 Silvina Der Migirditchian, une jeune artiste arménienne d’Argentine, qui vit actuellement à Berlin (...)

5Avec le centenaire, de très nombreux artistes, concernés par le génocide, travaillent sur ce sujet. Ils le font avec leur sensibilité, où cœur et esprit s’expriment de concert. Ils commencent à travailler tout d’abord sur la mémoire, seule façon de se sortir de ce magma étouffant. Ils éprouvent le besoin, à travers leur art, de laisser une trace qui a valeur d’empreinte. D’autres ont une attitude non pas de rejet, mais de vigilance envers une création qui pourrait minimiser leur vision artistique. Ils posent également le problème de leur indépendance, de leur identité et de leur place dans la société d’aujourd’hui. Ils aimeraient échanger, confronter leur vision avec celle de jeunes artistes turcs et travailler en commun, sur les lieux mêmes où les événements ont été perpétrés1.

6Les trois artistes que j’ai choisi de présenter abordent avec sincérité le problème de la représentation du génocide. Ils sont très sensibles aux événements tragiques de l’histoire, non pas pour « s’intégrer dans une norme politique », mais, parce qu’à travers leur art, ils ressentent cette nécessité d’être présents dans les moments de cette commémoration et de donner peut-être un souffle nouveau à la mémoire des victimes. Si tous trois sont français, deux d’entre eux sont originaires d’Arménie et installés en France depuis une vingtaine d’années.

7Achot Achot, Armen Rotch et Melik Ohanian ont exprimé différemment, mais avec une approche où le symbole se conceptualise, leur vision du génocide. Les expositions d’Achot Achot en l’église Saint-Merry à Paris et de Melik Ohanian à la galerie Chantal Crousel à Paris se sont achevées fin février 2015. L’œuvre d’Armen Rotch se dresse altière dans son atelier et ne trouvera sa prolongation que dans le cadre d’un lieu d’exposition, d’un centre d’art, d’un musée, d’une église, d’une université quelque part en France ou en Europe.

Achot Achot, une vision mystique

8Né en 1961 en Arménie, Achot Kazarian est un créateur protéiforme. À la fois peintre, photographe, vidéaste, réalisant des installations et des performances, il vit et travaille à Paris. Son œuvre est centrée sur une réflexion spirituelle qui se donne pour but de comprendre la place de l’homme dans l’univers. Cette réflexion commence à Erevan. En 1987 est inaugurée à la maison des Artistes d’Arménie une exposition majeure de la scène artistique contemporaine arménienne. Dans cette Maison des Artistes, deux étages sont consacrés aux artistes de l’Union encore très académique, et le troisième aux jeunes agitateurs non conformistes. Ainsi naît le mouvement des « artistes du troisième étage » dont fait partie Achot Achot. Cette période d’expérimentation se traduit par une longue série de recherches en termes techniques de langage et d’expression artistique et notamment d’installations.

9Avec la découverte de la philosophie védique, Achot Achot entame son travail de maturité. Les œuvres dans lesquelles s’inscrit la recherche de l’énergie vitale, s’appellent toutes afactum, l’événement sans événement (a-factum).

10L’œuvre qu’il a réalisée en l’église Saint-Merry comporte deux volets, le premier se nomme « La Cène » et le second « Pain quotidien », deux installations étroitement liées et encadrées par les images de quatre anges, installées dans la croisée du transept. Du texte biblique, il ne faut que quelques pas pour nous mener à une représentation conceptualisée du génocide, de la vie offerte par le pain à la mort annoncée par la Cène. Treize chaises disposées en un demi-cercle largement ouvert dans une chapelle acquièrent leur autonomie et se mettent en mouvement par le tamis du cône de farine disposé sur elles et d’où celle-ci s’écoule lentement comme la vie. Nous voici dans le temps, le temps indéfini des horreurs et du génocide.

11La vie se trouve et se résume sur les douze chaises, en attente probablement d’un temps meilleur. Décalée sur la droite à la dixième place, une chaise vide. Celle du Christ, absent. Faut-il comprendre que le Christ fut absent des événements, qu’il n’a pas voulu se manifester et que la rédemption n’a pas sa place dans cette construction ?

12Trait de génie de l’artiste, il invite le visiteur à venir s’asseoir à la place de l’absent et à ressentir probablement toute la douleur de l’impossible résistance devant les événements. Si l’on éprouve peut-être une forme de résignation, l’espoir point cependant puisque le visiteur peut jouer un rôle et aller jusqu’à prendre place sur la chaise vide. Par ce biais, nous entrons dans le domaine d’un mysticisme politique. Combien de personnes ont osé s’asseoir à cette place ? Imaginons un instant le va-et-vient de cette foule. Chacun laisse une trace inconsciente et tout se mélange. Durant quelques secondes le public qui a bien voulu faire cette expérience, se croit doté d’un immense pouvoir, celui du Christ. Finalement, l’espoir retombe, c’est le chaos, le Christ est absent. Notre « possible » est absent.

Achot Achot, installation « La Cène », église Saint-Merry, février 2015.

13J’ai fait l’expérience, me suis assise sur cette chaise vide et j’ai ressenti un trouble profond. Avec cette installation, Achot Achot a su provoquer la colère face à l’incapacité humaine à changer le cours de l’Histoire.

  • 2 Interview réalisé avec l’artiste en janvier 2015.

14Achot Achot nous ramène à l’Histoire du peuple arménien et de ce qui est une fierté revendiquée : l’Arménien est celui dont le pays fut le premier à reconnaître officiellement le christianisme comme religion d’État. Vérité historique incontestée mais qui aujourd’hui revêt un caractère de cliché érodé et dont la signification réelle reste confuse. Achot Achot estime que le peuple arménien a conservé son appartenance à la religion chrétienne mais a perdu le Christ. Le christianisme n’existe plus que sous la forme d’une affiliation politique et se place en « opposition et hostilité envers les autres religions ». « Le christianisme est ainsi devenu une menace inquiétante pour son propre peuple, qui interdit la liberté de pensées et de sentiments, alors que la relation de l’homme avec Dieu est l’expression spontanée de l’amour pour l’autre2 », souligne Achot Achot.

15Dans l’installation « La Cène », Achot Achot explique qu’il a « laissé la chaise du Christ vide, où le spectateur peut prendre la place du Christ ». « C’est le lieu du sacrifice, un sacrifice volontaire qu’accomplissent l’artiste et le spectateur », ajoute-t-il. L’artiste se donne pour mission de toucher le cœur de l’homme par son acte de création. Et, pour purifier le cœur du prochain, l’artiste lui-même doit emprunter un chemin de purification et arrêter de pécher. On comprend dès lors pourquoi il est impossible d’occuper la chaise vide.

16Face à cette chapelle, une autre chapelle, bien que sombre, brille d’une blancheur immaculée. De nouveau la farine, ferment de vie, recouvre l’autel et le sol.

Achot Achot, installation « Pain quotidien », église Saint-Merry, février 2015.

17L’autel, lieu de consécration du pain, est rehaussé dans sa fonction, rappelle Jean Deuzèmes, qui a invité Achot Achot à réaliser l’installation. L’interprétation est multiple, la farine recouvre tout, le sol taché n’est plus visible. Le blanc de la farine peut être le blanc du désert où des corps affamés se sont penchés pour lécher un brin d’herbe parfois mortel. Il peut être également un appel à l’endormissement, au laisser-aller dans ce lieu sacré propice à l’acceptation.

18Tous les éléments sont réunis ici pour nous placer face à l’Histoire. Une Histoire indélébile soulignée par le contraste du bois brun de l’autel et le blanc tacheté de la farine, qui pourrait également rappeler la manne qui, dans le désert, est venue nourrir le peuple en marche. L’artiste nous donne à nouveau une double lecture de son travail.

  • 3 Ibid.

« Le pain est le corps du Christ.
La farine est la chair incomplète.
L › eau est la conscience de la structure finale de la chair.
Le sel est le goût diffusé par la conscience.
Le feu est la vie dans la chair3. »

  • 4 Au terme de la conférence de Marie-Christine Rochmann sur Le Vanetsi de Victor Gardon, Héléna Demi (...)

19Les installations dans ces deux chapelles font une très forte impression sur le public. Nous sommes dans une église, Achot Achot nous invite à la purification. Personnellement je n’ai pas trouvé de sérénité dans ces installations, mais un appel à la réflexion, qui, peut-être dans le temps, nous mènera à la purification… En une lecture symbolique, cette installation en l’église Saint Merry rejoint une représentation du génocide totalement conceptualisée. Les objets sont posés, notre regard observe, notre esprit analyse, notre cœur s’émeut et passe à l’action. Achot Achot nous propose une œuvre à la fois percutante et émouvante où chacun peut puiser l’essentiel4.

Melik Ohanian, une vision politique

20Un article paru dans le Journal des arts du 16 janvier 2015, intitulé « Ohanian, rien ne se perd de vue », faisant référence aux travaux de Melik Ohanian, souligne : « Dans les deux espaces de la galerie Chantal Crousel, l’artiste poursuit ses pérégrinations dans le temps et dans l’espace, enchâssant les histoires et ressuscitant leurs témoins. » Melik Ohanian, né en 1969, à Lyon, est un artiste sensible à l’héritage traumatique des Arméniens, que sa propre famille lui a transmis et qu’il retrouve dans le livre de Janine Altounian, Vahram et Janine Altounian, Mémoires du génocide arménien, Héritage traumatique et travail analytique. Sensibilisé à ce témoignage, il va exploiter cette œuvre pour la manipuler physiquement, la détruire, la déchiqueter en mille morceaux, comme ce fut le cas de 1915 à 1920, et la reconstruire à nouveau en nous présentant le processus de « massicotage » minutieux auquel il s’est livré et nous faisant partager un fac-similé des quarante-deux pages du livre sur un mur blanc, comme des wagons de chemin de fer s’alignant les uns derrière les autres.

Melik Ohanian et Janine Altounian avant le massicotage du livre de Vahram Altounian, 2014.

21Sur le mur faisant face, des pages du fac-similé défilent et reprennent vie. La répétition, les doubles, triples ou quadruples possibilités de la présentation du livre, sont une marche lancinante de la mémoire des mots et de leur cadre rappelant la marche à l’infini des Arméniens sur les routes du désert.

22À quelques pas, s’élève un tas de papier en lamelles entremêlées qui constituent ce qui reste des cent vingt exemplaires emportés par Melik Ohanian avec l’autorisation de Janine Altounian, pour nous rappeler que rien ne s’éteint et surtout pas le témoignage écrit. La première question qui se pose au spectateur est celui des raisons du choix de ce livre en particulier. On s’approche et l’on voit que le texte est écrit à l’encre noire sur un papier brun en arménien.

  • 5 Pour les personnes non averties c’est un choc et une curiosité historico-artistique. Il semble éto (...)

23En essayant de lire, on constate que ce n’est pas de l’arménien. On découvre que le texte de Vahram Altounian a été écrit en turc avec des caractères arméniens. Ce n’est cependant pas une exception. Beaucoup d’Arméniens s’exprimaient en turc. Des Turcs utilisaient également l’alphabet arménien pour écrire leurs textes en turc. Nous voici déjà devant une situation étrange d’osmose d’oppositions entre un texte, un alphabet, une langue5.

Melik Ohanian, réinvention du livre de Vahram Altounian.

24Ensuite, dans les 42 pages qui relatent le récit du journal de Vahram, « 10 août 1915, mercredi : tout ce que j’ai enduré, des années 1915 à 1919… Nous sommes partis de Boursa… », trois pages sont écrites à l’encre rouge, cinq sont écrites au crayon et concernent une comptabilité alors que les dernières pages donnent la traduction en arabe des chiffres.

  • 6 Dossier de presse des expositions à la galerie Chantal Crousel.

25Grâce à la traduction de Krikor Beledian, Janine Altounian a donné vie au livre de son père, elle l’a analysé tout en analysant aussi son propre ressenti. Après elle, Melik Ohanian a donné une troisième vie artistique à cette œuvre en sculptant le livre et en l’exposant au regard d’un public différent, étendant ainsi le champ des possibles relectures. « Plaçant le visiteur dans un état d’exploration, l’artiste a mis au jour la complexité des écarts qui, de manière plus ou moins évidente, régissent nos rapports au monde et à autrui6. »

  • 7 Dossier « les réverbères de la mémoire », Genève, 2013-2015.

26Cette œuvre de reconstruction a été exposée dans deux espaces d’une même galerie à Paris. Un an auparavant, elle avait également été exposée à Sète et avait suscité beaucoup d’intérêt. Pour nous situer dans l’actualité et remonter à la genèse de ce travail, précisons qu’à l’approche de 2015, la ville de Genève avait retenu à la suite d’un concours international (2008), un projet de sculptures de Melik Ohanian, « les Réverbères de la mémoire » (2010) devant être dressées dans un parc de la ville. Le jeune artiste, impressionné par le livre La Survivance de Janine Altounian, projetait d’en graver certains extraits sur ses « Réverbères » du Mémorial du génocide arménien qu’il allait réaliser à Genève pour avril 2013. « L’artiste magnifie le réverbère, cet objet quotidien inscrit dans la mémoire de chacun et le dépouille de toute fonctionnalité pour le transformer en une sculpture en bronze. Le fût devient le support de textes gravés qui portent sur les notions de trauma et de transmission de mémoire et qui ont été choisis pour leur portée universelle7. » Par deux fois le projet s’est heurté à des pressions. Fin mars 2015 le projet avait été de nouveau écarté. Les larmes sur les réverbères n’étaient pas des larmes de violence, c’étaient celles de la grand-mère de Melik Ohanian.

27La controverse ne s’est pas arrêtée. Melik Ohanian a poursuivi son travail en transformant le projet initial en œuvre éphémère et en attente, cette fois-ci érigée non pas en élévation, mais comme en une masse solidifiée au niveau du sol, exposée au Pavillon arménien de la Biennale de Venise jusque fin octobre 2015. Car pour l’artiste, il faut savoir, à partir d’une attente, reconstruire autre chose, autrement et avec, peut-être, plus de vigueur.

  • 8 Memory, livre publié à l’occasion de la Biennale de Venise. Extrait de l’avant-propos de Jean-Chri (...)

« À Venise, les éléments en fonte des réverbères rassemblés sont un tenantlieu déconstruit du monument interdit… Ce qui est montré à Venise, c’est donc le monument interdit réduit à la masse de ses composants matériels, à son poids en tonnes de fonte. Cette masse se produit comme un barrage ou une barricade. Non seulement elle souligne le poids d’un passé qui ne passe pas, mais elle s’interpose symboliquement sur le chemin du visiteur pour faire valoir ses droits8. »

Armen Rotch, une vibration entre le vivant et le passé

28« Indicible », tel est le titre du livre dont pour l’instant il n’existe qu’un exemplaire réalisé par Armen Rotch et Gilda Guégamian dans le cadre du projet 1 500 000 sachets de thé usagés pour 2015. Nous espérons qu’il y en aura d’autres en attendant que les sachets de thé trouvent leur place dans un centre d’art ou un musée.

29Le projet a été initié par Armen Rotch, né en 1955 en Arménie, pour habiller d’un nouveau souffle les sachets de thé usagés, matière vivante qui après avoir été consommée reprend vie dans la création artistique. Cette expérience trouve son sens grâce à un ensemble de codes affectifs et culturels.

30Tout est parti des réflexions hantées d’un insomniaque, l’artiste, qui pour rester éveillé buvait du thé à n’en plus pouvoir. C’était le premier geste du matin encore sombre qui voyait s’accumuler ces sachets difformes, prêts à rejoindre la poubelle. Le sachet était froissé, solitaire au milieu des autres sachets. Il est devenu peu à peu l’objet d’une attention particulière. Alors au lieu d’aller se perdre on ne sait où dans les égouts d’une banlieue parisienne, il a été gardé. Trois ou quatre mois ont été nécessaires pour disposer les uns à côté des autres ou les uns sur les autres, en rangs réguliers ou décalés, les sachets ainsi mis de côté. Que faire de ce tas informe ?

31À partir de 2001-2002, Armen Rotch a décidé de se consacrer à ce médium et de le construire en des tableaux chromatiques assez exceptionnels, allant du brun au rouge clair très pâle. Alignés côte à côte comme des petits soldats tirant sur le fil de leur vie, exposés aux ondulations du vent et à la brûlure du soleil, les sachets de thé ont pris un sens nouveau à l’approche de la commémoration du génocide des Arméniens.

  • 9 Interview réalisée avec Armen Rotch en novembre 2014.

32Aimant créer des grands formats dont la puissance pouvait devenir envoûtante, à la limite de l’excès, Rotch a décidé de créer une œuvre conceptuelle consacrée au génocide des Arméniens, un projet un peu fou mais ô combien enthousiasmant, gratifiant et riche comme une exploration sans fin. Il fallait habiller une énorme surface de 200 mètres carrés, de sculptures de sachets de thé dont la forme pouvait évoluer, se détruire et se reconstruire pour marquer de leur sceau coloré l’espace et le temps9.

33Avec l’aide de Gilda Guégamian, initiatrice de la communication du projet et collectrice des sachets, le projet fut lancé. Comment réunir 1 500 000 sachets et en faire une œuvre ? Le projet fut annoncé sur les réseaux sociaux, dans la presse et par voie de communication orale. Dans ses œuvres précédentes, l’artiste était dans sa solitude créatrice, seul face à ses sachets de thé. Le nouveau projet le liait définitivement aux milliers de « buveurs de thé » envers lesquels il engageait une nouvelle responsabilité, créer une œuvre avec eux et pour eux.

Armen Rotch installation 1 500 000 sachets de thé, 2015.

34Ainsi chaque personne qui boit un thé et envoie le sachet à l’artiste se matérialise dans ce sachet. Chaque sachet est le souffle d’une personne aujourd’hui vivante pour honorer une personne qui n’est plus là. Le vent crée une vibration entre le vivant et le non vivant. Chaque sachet a une forme unique, quelque chose d’exceptionnel et d’humain.

35Le thé à l’état pur est une forme vivante. Il arrive que l’artiste vide les sachets pour trouver une autre matière première. Une fois vidé, le sachet alors transparent devient l’intérieur de l’extérieur. On ne sait plus où est l’enveloppe, où est le contenu. Cela pourrait être un clin d’œil aux espaces inoccupés par l’homme. Pour faire face à la fragilité il peut être nécessaire de coller les sachets, de remettre le fil en place, de jouer avec les couleurs… Lorsqu’il prend en main les sachets que Gilda enregistre consciencieusement, compte et fait sécher, l’artiste se pose sans aucun doute la question de savoir qui est la personne qui a bu son thé dans ce sachet, ce qu’elle a ressenti, peut-être de la colère, de la haine ou bien de l’empathie, surtout lorsque les sachets ont été bus intentionnellement. Puis, les sachets se mettent en place et le créateur n’a plus besoin de savoir qui est derrière chaque gorgée bue. Il prend les choses en main, c’est maintenant son œuvre qui progresse avec la contribution de milliers d’autres personnes pour créer une œuvre unique.

36À l’été 2014, dans un moment de découragement, Armen a mis le feu à un bloc de thé, effrayé par la grandeur et la lenteur de progression du projet. La nature a décidé qu’il fallait continuer, se débrouiller avec l’odeur, le feu, le destin, replacer l’agonie dans l’histoire de sa création. Le feu s’est éteint avec l’aide de Gilda. Puis l’artiste a poursuivi sa quête. Des murs se sont élevés, une architecture est née, une architecture virtuelle sur papier avec la construction tissée sur les murs d’une église ou sur des photos de murs en ruines.

37Le nombre d’un million et demi n’a pas été atteint, mais cela n’a pas d’importance, d’ailleurs on ne répète pas l’Histoire ni les chiffres de l’Histoire. Disons qu’environ 100 000 sachets ont été recueillis et travaillés. Si compter en créant une œuvre d’art a un sens, j’aimerais ici extraire l’une des phrases finales de la pièce de Perdj Zeytountsian « Cent ans après » présentée par Annick Asso :

  • 10 Colloque Discours et représentations du génocide des Arméniens, 1915-2015, Montpellier 5-6 février (...)

« Si tu m’accuses d’être un ingrat, alors rends-moi un service… fais un simple acte… compte de 1 à un million et demi… sans arrêt, compte sans arrêt et peut-être tu me comprendras définitivement… Et vous aussi comptez… comptez… pour que certains d’entre vous n’osent plus jamais dire qu’il faut tourner la page… oublier10. »

38Le message d’Armen Rotch conduit à une question universelle : comment vivre ensemble ? Armen Rotch ne veut pas s’enfermer dans le communautarisme. Il exprime une culture intime qui fait partie de l’histoire universelle. Il fait vivre les couleurs de la vie, il n’a pas peur du beau, car c’est essentiel et nécessaire de trouver la beauté qui se cache dans toutes les expressions même les plus dramatiques. Le sachet de thé parvenait parfois jusqu’à l’atelier de l’artiste encore humide, rabougri et même moisi. Les mains et l’amour de Gilda leur rendaient leur beauté.

39Les participants/contributeurs qui souvent attendent d’avoir 50 ou 100 sachets avant de les envoyer à l’artiste ont l’impression de faire partie de cette œuvre. Leur participation est précieuse, essentielle. Rotch estime que l’œuvre ne doit pas nous envahir mais vivre avec nous. L’œuvre est en marche, l’œuvre est mouvement. Le plus extraordinaire est que grâce à l’œuvre d’art on entre dans l’intimité les uns des autres, on trouve un chemin dans le sable. L’œuvre devient un moyen de dire des choses, l’œuvre provoque le moment, l’émotion partagée.

La force de l’émotion de réflexion

40Chacune des œuvres des trois artistes nous propose une façon unique d’appréhender la représentation du génocide avec l’intervention d’éléments extérieurs, mettant souvent en scène un public qui se prend au jeu et y participe avec ferveur. Chacune de ces œuvres aspire à la vie et le souffle d’une mémoire partagée y circule. Dans ce processus, l’artiste n’est pas seul face à lui-même. Il n’utilise pas les matériaux usuels de l’artiste. Il tamise la farine, détruit et reconstruit le livre, extrait toute son essence du thé qui trouve alors une nouvelle vitalité. Et, chaque fois, l’artiste se positionne face à l’autre sans lequel la création n’aurait peut-être pas de sens. Il questionne sa sensibilité. Mais l’interrogation n’est-elle pas la meilleure façon de progresser, de se remettre en question et notamment en art ? Que la vision artistique soit largement ouverte ou focalisée sur un point précis, un détail insignifiant ou anodin, elle acquiert son universalité en mettant face à face le créateur de l’œuvre et le regard de celui qui reçoit cette œuvre, d’où en toute logique, l’apparition d’une émotion de réflexion, à partir de laquelle le travail artistique trouvera tout son sens.

Notes

1 Silvina Der Migirditchian, une jeune artiste arménienne d’Argentine, qui vit actuellement à Berlin a initié un tel projet en 2014 et a participé avec un groupe d’artistes venant d’horizons différents à un projet de six mois au printemps 2014 à Istanbul. Il est à souhaiter que de tels projets se développent entre artistes arméniens de diaspora et d’Arménie et des artistes non arméniens, notamment turcs.

2 Interview réalisé avec l’artiste en janvier 2015.

3 Ibid.

4 Au terme de la conférence de Marie-Christine Rochmann sur Le Vanetsi de Victor Gardon, Héléna Demirdjian a souligné que l’échec du dernier tome de la trilogie « L’apocalypse écarlate » de cet auteur montre combien il est difficile de faire de la littérature avec le génocide. Cette réflexion peut également s’appliquer à la création artistique dont il faut savoir contourner les méandres et percer le sens symbolique.

5 Pour les personnes non averties c’est un choc et une curiosité historico-artistique. Il semble étonnant qu’une personne qui connaît l’alphabet et l’écriture arméniens ne le parle pas. L’histoire nous impose parfois des faits étonnants.

6 Dossier de presse des expositions à la galerie Chantal Crousel.

7 Dossier « les réverbères de la mémoire », Genève, 2013-2015.

8 Memory, livre publié à l’occasion de la Biennale de Venise. Extrait de l’avant-propos de Jean-Christophe Royoux.

9 Interview réalisée avec Armen Rotch en novembre 2014.

10 Colloque Discours et représentations du génocide des Arméniens, 1915-2015, Montpellier 5-6 février 2015, A. Asso, « Le théâtre documentaire en Arménie : modes de représentations du génocide dans trois pièces de Pertj Zeytountsyan, Debout le Tribunal arrive, Le Grand Silence, Cent ans après ».

Table des illustrations

Légende Achot Achot, installation « La Cène », église Saint-Merry, février 2015.
URL http://books.openedition.org/pur/docannexe/image/46075/img-1.jpg
Fichier image/jpeg, 52k
Légende Achot Achot, installation « Pain quotidien », église Saint-Merry, février 2015.
URL http://books.openedition.org/pur/docannexe/image/46075/img-2.jpg
Fichier image/jpeg, 193k
Légende Melik Ohanian et Janine Altounian avant le massicotage du livre de Vahram Altounian, 2014.
URL http://books.openedition.org/pur/docannexe/image/46075/img-3.jpg
Fichier image/jpeg, 79k
Légende Melik Ohanian, réinvention du livre de Vahram Altounian.
URL http://books.openedition.org/pur/docannexe/image/46075/img-4.jpg
Fichier image/jpeg, 242k
Légende Armen Rotch installation 1 500 000 sachets de thé, 2015.
URL http://books.openedition.org/pur/docannexe/image/46075/img-5.jpg
Fichier image/jpeg, 171k

Auteur

Historienne de l’art, Paris

© Presses universitaires de Rennes, 2016

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