Avant-propos. Règle, mesure(s) et comédie dans Mesure pour Mesure
p. 7-13
Texte intégral
1Cas unique dans le canon shakespearien, puisque son titre est un intertexte biblique, Mesure pour mesure a donné lieu à des interprétations critiques opposées, dont l’éventail va de l’allégorie chrétienne à la subversion radicale de toute forme d’autorité, comme le rappelle Stacy Magedanz1. La question de la mesure est au cœur de la pièce, dans cette référence biblique, mais aussi dans le tissage même de l’intrigue grotesque, qu’il s’agisse de comptabiliser, pourrait-on dire en espèces sonnantes et trébuchantes, les maladies vénériennes de la taverne (« I have purchased as many diseases under her roof as come to – […] To three thousand dolours a year », se vante Lucio, 2.1.42-43 ; 46), les maris de Mistress Overdone (« Nine, sir ; Overdone by the last », affirme Pompey, 2.1.199) ou encore ce qu’on y a fait à Mistress Elbow à plusieurs reprises (« There was nothing done to her once », assure Pompey à Escalus, 2.1.140).
2La scène d’exposition, dans laquelle le Duc cède son pouvoir, manifeste l’impossibilité pratique d’une règle inflexible, puisqu’il enjoint à Escalus de ne pas dévier du chemin qu’il lui trace (« There is our commission,/From which we would not have you warp », 1.1.13-14) pour mieux souligner quelques instants plus tard sa propre renonciation à cette même inflexibilité : « But I do bend my speech/To one that can my part in him advertise » (1.1.40-41), si bien qu’il semble qu’il faille entendre aussi dans la mesure du titre quelque chose de la juste mesure aristotélicienne et de la nécessité d’adapter la règle à chaque cas particulier pour rendre la justice, sur le modèle de la règle de plomb des architectes de Lesbos, conçue pour mesurer des pierres au contour irrégulier, c’est-à-dire se plier aux spécificités de l’objet mesuré2.
3Sans doute est-il dès lors possible d’entendre dans ce titre la concurrence entre ces deux types de règles, dont Paula Blank souligne la présence à la Renaissance,
« In the Renaissance, both the “straight rule” and the Lesbian rule, as measures, claimed “evenness” or equality as the result of their operations. The Renaissance debate over which measure was more “just” depended […] on divergent interpretations of the principle we now call “equality under the law3” »,
qui induisent du jeu (au double sens de défaut de serrage et de théâtralité) entre la première « mesure » et la seconde.
4Si l’on analyse la référence tardive faite au titre dans le dialogue, à l’acte 5 scène 1, il apparaît comme doublement mis à distance, puisque Claudio n’est pas mort, et que le mensonge du Duc invalide, pour le spectateur (contrairement aux autres personnages de la scène, tous en position d’ironie dramatique), l’ensemble des énoncés qui en découlent :
The very mercy of the law cries out
Most audible, even from his proper tongue :
‘An Angelo for Claudio ; death for death.
Haste still pays haste, and leisure answers leisure ;
Like doth quit like, and Measure still for Measure’ (5.1.405-409).
5Là où les mots affirment une apparente équivalence parfaite, ce que le spectateur entend, c’est la différence. Il y a du jeu dans les parallélismes, les termes – pourtant identiques – ne sont pas à entendre de la même manière ; la mort de Claudio est un mensonge qui déséquilibre la symétrie et affiche l’écart entre « death » et « death » aussi bien qu’entre « Measure » et « Measure » :
6Les questions que donne à entendre le parallélisme trompeusement lisse du titre sont liées au choix l’unité de mesure et à son adaptabilité aux objets mesurés mais aussi, comme le démontre la citation du Duc à l’acte 5 scène 1, aux décalages engendrés par la théâtralité, et elles constituent autant d’indices d’une esthétique où la règle/la mesure (autant que sa déviation) sont les outils essentiels régissant simultanément l’exercice de la justice à Vienne et la structure de la pièce.
7Écrire une comédie sur le politique et le religieux, dans un contexte où le théâtre est sous surveillance, semble de prime abord relever d’une gageure. Il s’agit là de matériaux dramatiques potentiellement risqués, la première représentation de Mesure pour Mesure ayant eu lieu devant le roi Jacques Ier, le 26 décembre 1604, la pièce ayant pour titre une référence biblique, et sa première représentation se situant à la fin de l’année qui a vu le souverain lancer le grand chantier d’une nouvelle traduction du texte sacré4. Et ce d’autant que la pièce questionne la notion éthique et politique de juste mesure, en montrant que la justice dépend du bon vouloir du prince, et expose, selon Andrew Barnaby et Joan Wry, les risques encourus à trop vouloir appuyer la justice sur un usage profane du texte biblique5.
8Ne pas éviter les sujets qui peuvent fâcher suppose une stratégie de composition qui fonctionne par des biais : au niveau thématique sont inscrits des éléments contextuels qui produisent sur le spectateur un sentiment à la fois de dépaysement (lieu dramatique étranger et distant, duché, religion catholique) et de reconnaissance (épidémie de syphilis, prostitution). Comme celle de la Vienne montrée dans la pièce, la population de Londres en 1604 est en décroissance, elle a subi les fléaux de la peste et de la syphilis, et les bordels de la rive sud de la Tamise où l’on peut, à l’instar de Lucio, acheter toutes sortes de maladies vénériennes, jouxtent les murs des théâtres. Cette proximité affichée dès l’acte 1 scène 2 entre l’univers (grotesque) des personnages populaires et celui des spectateurs jacobéens invite à entrevoir des rapprochements analogues entre les scènes sérieuses et la monarchie jacobéenne.
9Concernant la structure de la pièce, le choix d’un habillage comique relève de la même stratégie indirecte, puisque ce dont il est question, c’est d’un corps social affligé de maux liés à sa mauvaise gouvernance, et d’un dirigeant qui laisse le pouvoir entre les mains non pas de son conseiller le plus sage et le plus expérimenté, mais d’un jeune substitut qui doit encore, comme il le dit lui-même, faire ses preuves. L’essentiel de la fable pourrait constituer le substrat politique d’une tragédie, mais la structure est celle d’une comédie. La morale de la fable fait cependant difficilement oublier l’imposture – et non des moindres, puisqu’il s’agit d’un détournement sacrilège de l’habit religieux, devenu outil de contrefaçon identitaire – qui constitue le ressort central de la stratégie d’un Duc passé maître dans l’art d’exploiter au mieux les signifiants instables si caractéristiques de l’univers de la pièce.
10L’habit du moine, tout comme les mots définissants ceux qui font le bien et le mal (les « benefactors » et « malefactors » d’Elbow dans l’acte 1 scène 2), est un signifiant instable, définissant aussi bien le moine véritable (Frère Thomas) que le subterfuge (Frère Lodowick), détourné de sa signification première. Le départ précipité du Duc est une fausse sortie, tout comme son entrée au monastère est une fausse retraite. Loin de se retirer dans une vita contemplativa salvatrice, il usurpe la tenue monastique pour abuser des privilèges qui y sont attachés : visite des prisonniers, mais aussi sacrement de la confession. Il tire ensuite, sans le moindre scrupule, tous les bénéfices politiques possibles de la contrefaçon à laquelle il s’est livré. Son retour sur le devant de la scène politique, fantastique machinerie de théâtre avec rebondissements et survie miraculeuse, maintient jusqu’au bout le suspense d’un dénouement où la « mesure » qui lui est allouée semble étrangement indulgente, compte tenu des transgressions commises, puisqu’en récompense du sacrilège, il assoit magistralement son pouvoir retrouvé, et s’octroie même comme épouse l’unique femme vertueuse de toute la pièce. La manipulation politique, pour distrayante et bien menée qu’elle soit, demeure manifeste, comme le soulignent Andrew Barnaby et Joan Wry :
« its central plot follows the action of a political figure who uses (or abuses) religious rhetoric as a political weapon, a weapon through which he manages finally to “ratify” his waning royal authority by imposing fraudulent claims to the divine authority – claims deriving in part from biblical texts – upon the body politic6 »,
le succès sans demi-mesure du Duc étant proportionnel à l’audace dont il a fait preuve.
11C’est donc, entre autres, à différentes manières de décliner les sous-entendus du titre, à entendre les différences entre ce que disent les mots et ce que montrent les faits, qu’invitent les contributions du présent volume, afin d’éclairer les éléments contextuels mais aussi la construction de la pièce et les thématiques qu’elle embrasse, tant pour les spectateurs du début du xviie siècle que pour un spectateur contemporain.
Mesure et comédie, corps et personnages
12L’absence du versant idéalisé de la relation amoureuse au profit de la présence dérangeante du corps, sur lequel pèse le soupçon permanent de la contamination syphilitique, constitue le décalage générique le plus manifeste de Mesure pour mesure, et permet à Delphine Lemonnier-Texier d’appréhender la pièce sous un angle qui expose les rouages du rôle et souligne la manière dont la figure du Duc est caractérisée par son absence de clôture dramatique, génératrice de soupçon.
13La régulation des excès du corps est la base de l’analyse d’Armelle Sabatier, qui montre comment le corps est au centre des enjeux juridiques de la pièce, tant au niveau individuel des personnages qu’au niveau du corps social, la mise en scène finale permettant de canaliser les appétits charnels, faute de pouvoir les réprimer.
14Pascale Drouet analyse les figures apparemment antithétiques de Pompey et d’Angelo pour montrer comment ils semblent pris dans un jeu de miroir, dans une structure en chiasme, conforme à la logique d’ensemble de la pièce, où les oppositions ne sont pas nécessairement là où on les attendrait : « les délimitations s’avèrent instables, les frontières se révèlent poreuses : n’est pas ce qui semblait être, étonne ce qui paraissait retenu, évolue ce qui se croyait figé ».
15C’est ensuite la construction de la figure du Duc qui retient l’attention de Stéphanie Mercier, en particulier la manière dont les divers degrés de mystère qui l’entourent constituent à plein titre une stratégie dramatique fondée sur l’opposition entre ombre et lumière et qui mime la stratégie politique du personnage, pour mieux révéler la suite d’affiliations textuelles et génériques qui le constituent.
16Anne-Valérie Dulac s’intéresse à un non-personnage, ou plutôt à un personnage réduit à sa tête et à sa fonction, le pirate Ragozine. Après avoir retracé la dimension contextuelle de la piraterie à la fin du xvie et au début du xviie siècle, l’article montre comment la tête du pirate constitue à la fois un riche substrat intertextuel et dramatique et devient un accessoire qui manifeste le statut du corps et la dynamique des substitutions si spécifiques à la pièce.
17Frédérique Fouassier étudie la figure de la prostituée pour montrer comment les lectures féministes ont permis de souligner la spécificité de la caractérisation féminine dans Mesure pour Mesure, où le brouillage des catégories aboutit à souligner la contiguïté inattendue entre prostitution et ascétisme, le silence final d’Isabella ne faisant que « magnifier les ambiguïtés soulevées au fil de l’intrigue ».
Mesure et politique, théories et pratiques
18Ce sont à plusieurs lectures novatrices de la dimension politique de la pièce qu’invitent ensuite les articles qui composent cette seconde partie. Stella Achilleos propose d’analyser la notion d’amitié dans la pièce, pour montrer comment la prise en compte de cet aspect, en apparence marginal, met en lumière les relations complexes entre amitié, pouvoir politique et autorité, et permet de proposer un angle interprétatif nouveau sur la question de la justice et la manière dont elle est rendue.
19Joan Curbet contextualise la thématique de la mort en faisant appel au texte de Christopher Sutton, Disce Mori, or, Learn to Die, publié en 1600, pour explorer l’utilisation dans Mesure pour Mesure, de l’ars moriendi au sein d’un processus de constitution et de production de l’individu comme sujet face à sa mort. L’intervention du dirigeant politique dans ce processus souligne que la fonction de ce dernier inclut un devoir de gestion non seulement des corps, mais aussi des âmes de ses sujets, privilège éminemment ambivalent tel que le pratique la figure du Duc.
20Ifig Cocoual propose ensuite une relecture de la pièce à la lumière des échos qu’elle présente avec les textes de Machiavel pour en proposer une interprétation résolument tournée vers la dimension subversive à l’endroit du pouvoir monarchique absolu, Vincentio servant de véhicule à une critique dirigée contre le roi Jacques Ier.
21Enfin, Daniel Cadman souligne la pertinence des écrits de Michel Foucault pour analyser la pièce, non seulement concernant les notions de surveillance et de punition, mais aussi celle de biopolitique, et il propose une lecture de la pièce comme pratique d’une gestion responsable de la population de Vienne par la personne du Duc, en guise d’alternative à la politique absolue et stérilisante d’Angelo.
Mesure et comptabilité, usure et normes
22La manière dont s’entrelacent dans la pièce la thématique de la mesure au sens de comptabilité, et celle de la religion, constitue le centre des lectures critiques que proposent les auteurs de cette troisième partie. Wendy Ribeyrol analyse les deux définitions de l’usure présentes dans l’univers de Mesure pour Mesure. Le vocabulaire du prêt et des intérêts recoupe celui de la procréation et de l’engendrement, à une époque où relations entre prêteurs et emprunteurs, d’une part, et partenaires du couple, d’autre part, sont régis par la formalisation de contrats dont le respect assure le maintien des parties dans le régime de la légalité et de la respectabilité sociale.
23Lea Luecking Frost revient sur les définitions de l’usure données par Philip Stubbes (Anatomie of Abuses) et souligne les similitudes entre l’usurier qui y est décrit et la figure du puritain hypocrite que constitue Angelo, à travers les thématiques de la gravure, de l’inscription et de la frappe de monnaie, et elle montre comment les arguments des opposants au théâtre sont repris dans la pièce pour montrer la duplicité des figures de pouvoir.
24Yan Brailowsky souligne les deux interprétations possibles du titre, l’une tirée des évangiles, et l’autre de l’Ancien Testament, pour mettre en lumière la thématique des instruments de mesure et la manière dont mesure temporelle et mesure spirituelle sont entremêlées dans la pièce, à travers un faisceau de références à la religion chrétienne et aux différentes obédiences du protestantisme qui démontre la faillite de l’ascétisme puritain du rigide Angelo et la nécessité, aussi bien politique qu’économique, de la notion de « mercy ».
25Denise Millstein étudie la notion de confession dans la pièce et relie la diversité des modes de confession proposés et pratiqués par les personnages à la réalité des pratiques de confession accessibles aux spectateurs du début du xviie siècle. Les scènes de confession abondent, qu’elles soient publiques ou privées, sincères ou feintes, authentiques ou trompeuses, et elles remplissent des fonctions intimement liées à la théâtralité des situations, en tant qu’événements théâtraux au sens de performance.
26Lindsay Yakimyshyn propose une lecture des deux espaces du couvent et du bordel à travers la question des normes sociales et sexuelles, et de leur subversion, qui pose la question de la localisation de la charité et de la chasteté dans la pièce. Isabella tout comme Kate Keepdown sont des personnages féminins de la marge, définissant des espaces qui menacent l’autorité patriarcale et hétéronormative, avant d’être contraints de rentrer dans le rang.
Postérité et adaptations
27Sébastien Lefait prend pour point de départ le terme « scope » pour montrer comment les outils de l’adaptation filmique permettent de placer cette notion au cœur de l’adaptation de la pièce, de la développer et de l’enrichir en soulignant un rapport spécifique entre regard et surveillance. Les adaptations de Desmond Davis pour la BBC (1979), de Bob Komar (2007) et une autre adaptation pour la BBC réalisée par David Thacker (1995) constituent le corpus de cette étude.
28Anne-Marie Costantini-Cornède propose un compte-rendu critique de la mise en scène de Jean-Yves Ruf, où « deux images de la justice, deux visions de la loi et de l’ordre […] s’affrontent presque jusqu’à friser l’allégorie » et où son choix de « tordre définitivement le cou à la tragédie » offre du dénouement de la pièce une interprétation résolument tournée vers la comédie.
29Isabelle Schwartz-Gastine s’entretient avec Adel Hakim autour de ses choix de mise en scène, des questions d’adaptation, et des références contemporaines présentes au sein de sa dramaturgie, visant à souligner, selon le metteur en scène, l’hypocrisie des hommes de pouvoir et la manière dont la pièce dénonce les souffrances endurées par les gens d’en bas, infligées par ceux d’en haut.
30Chantal Schütz revient sur la mise en scène de Thomas Ostermeier de son adaptation de Shakespeare, Mass für Mass, et de sa scénographie aux accessoires percutants (croc de boucher, carcasse de cochon et Kärcher) pour éclairer la réflexion philosophique sur le pouvoir que le metteur en scène voit dans la pièce.
31Enfin, Isabelle Schwartz-Gastine s’entretient avec Roxana Silbert à propos de sa perception des différents personnages, de la place de la religion dans l’Angleterre de Shakespeare et pour les spectateurs du xxie siècle, et du dénouement de la pièce et des choix de mise en scène qu’il implique.
Notes de bas de page
1Magedanz Stacy, « Public Justice and Private Mercy in Measure for Measure », SEL, vol. 44, n° 2, printemps 2004, p. 317-332, p. 317.
2Voir Blank Paula, Shakespeare and the Mismeasure of Renaissance Man, Cornell, Cornell University Press, 2006, p. 157-158.
3Ibid., p. 158.
4Voir Barnaby Andrew et Wry Joan, « Authorized Versions : Measure for Measure and the Politics of Biblical Translation », Renaissance Quarterly, hiver 1998, vol. 51, n° 4, p. 1225-1254.
5Ibid., p. 1229.
6Ibid., p. 1234.
Auteur
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Delphine Lemonnier-Texier
Ancienne élève de l’ENS de Fontenay-St Cloud (1991). Agrégée d’anglais, elle est maître de conférence en anglais (études shakespeariennes et théâtre anglophone) à l’université de Rennes 2 – UEB. Auteur de plusieurs articles sur le théâtre de Shakespeare, ses recherches actuelles portent sur la notion de personnage. Elle a dirigé un ouvrage sur les personnages féminins dans les pièces historiques (Représentations et identités sexuelles dans le théâtre de Shakespeare. Mises en scène du genre, écritures de l’Histoire, Rennes, Presses universitaires de Rennes, coll. « Le Spectaculaire théâtre », 2010) et co-dirigé avec Guillaume Winter plusieurs ouvrages collectifs (Lectures de Coriolan de W. Shakespeare, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2006 ; Lectures du Roi Lear de W. Shakespeare, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2008 ; Lectures de The Winter’s Tale de W. Shakespeare, Presses universitaires de Rennes, 2010) sur Shakespeare. Elle a aussi co-dirigé avec Geneviève Chevallier et Brigitte Prost Lectures de Fin de partie/Endgame de Samuel Beckett, Presses universitaires de Rennes, 2009, et L’esthétique de la trace chez Samuel Beckett. Écriture, représentation et mémoire, Presses universitaires de Rennes, coll. « Interférences », à paraître fin 2012 ou début 2013.
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