Entretien avec Jean-Louis Fauthoux
p. XXIX-XXXVII
Texte intégral
« La peinture est chose d’émotion et de métier »,
Robert Marteau, Fleuve sans fin, samedi 6 juillet 1982, p. 50.
1Rencontre avec Jean-Louis Fauthoux, dans l’ordre du désordre de son atelier. Ses dessins, ses peintures, ses papiers, tout son matériel le poussent hors de son atelier, « l’expulsent » me dit-il, « il va falloir que je range, que je creuse pour retrouver ma place ». Et c’est là, dans la vie de son atelier, que nous allons échanger nos regards sur ses œuvres, sur sa vision de peintre, sur la poésie de Robert Marteau.
Une rencontre avec l’œuvre de Robert Marteau
2Marie-Antoinette Bissay : Pourriez-vous tout d’abord nous parler de votre rencontre avec l’œuvre de Robert Marteau, des circonstances de sa découverte, des motifs de votre attirance ? Votre sensibilité rejoint-elle plus celle des poèmes, des proses, des proses poétiques ? Pourquoi ?
3Jean-Louis Fauthoux : C’est un hasard de lecture qui m’a conduit vers l’œuvre de Robert Marteau. C’est une découverte récente qui date de trois années environ. J’ai lu tout d’abord Fragments de la France puis Fleuve sans fin. Ma lecture fut une longue et lente macération, je me suis beaucoup imprégné de toutes ces pages, de toutes ces lignes, de tous ces vers. Je me retrouve beaucoup dans ses thèmes – avec les arbres, les fleurs, les oiseaux dont il parle, plus particulièrement avec ses merles parce qu’il y en a, là, dans le jardin, avec qui j’ai beaucoup de sympathie –, dans son sens du détail, dans sa subtilité, dans son écrit et sa présence au monde, dans son amour de la peinture et de la couleur. Par exemple, dans ce passage de Fleuve sans fin, Robert Marteau parle et écrit en peintre en saisissant par les mots, les couleurs de cette géographie de la matière : « Beauté des gris. Je le constate encore. La nuit descend. La neige détrempée, les glaces erratiques ou que la rive retient, la course et l’allant divers des eaux, tout se module du blanc cassé de cendre jusqu’au noir amorti par l’humidité de l’air. » (Jeudi 17 février, page 162) Lire ce « noir amorti par l’humidité de l’air » me fascine tant cette perception est aussi celle de l’œil d’un peintre. Je me retrouve également avec les rythmes, les glissés, les accrocs, les ruptures, les échos, les sauts de la poésie de Robert Marteau, une poésie qui établit une communication permanente entre le ciel et la terre créant ainsi une espèce de géographie mobile comme le souligne l’ouverture de cette note de Fleuve sans fin datée du 23 juillet : « Chaque matin, il est un moment précis où la nuit en quelque sorte se rompt. C’est ce que perçoivent les oiseaux qui soudain et brièvement jubilent. Le vent dès hier après-midi avait manifesté une sournoise tendance à déraper de son assiette pour se mettre à courir, amolli, de la direction des Grands Lacs… »
4MAB : Vous intitulez votre exposition « Accompagnements pour poèmes de Robert Marteau ». Pourquoi avoir utilisé ce terme qui appartient au lexique musical, terme qui en plus témoigne d’une humilité certaine puisqu’il signifie « partie qui accompagne la partie principale » (Dictionnaire historique de la langue française, Alain Rey, p. 12). Pouvons-nous lire, selon vous, le mot « accompagnements » comme synonyme d’« illustration », de « dialogue », de « lecture » ?
5JLF : Je n’illustre pas les textes, je les accompagne, je fais un bout de chemin avec eux, par amitié, et parce qu’ils me plaisent. La rencontre avec un texte reste : je le lis et là, comme une évidence, le peintre et le poète se rencontrent et se retrouvent dans cette même perception du monde : « Le pays est peint par strates ; il s’étage en gradins jusqu’à dissoudre dans l’incandescence du froid. À mesure que l’œil remonte vers le sommet de la voûte, le bleu azur s’accroît en limpidité… » (Fleuve sans fin, mercredi 19 janvier, page 154). Ainsi, deux sensibilités flottantes entre le poète et moi-même se scellent et s’ouvrent pour se dire dans un livre d’artiste par exemple ou sur des dessins, sur des papiers. Le mot « accompagnements » est très important car je ne souhaite pas faire de l’illustration, je me sens tout à fait libre par rapport aux poèmes. Le terme « illustration » est restrictif car il intègre une chronologie et une hiérarchie, ce qui n’est pas le cas de mon travail. Je fais un bout de chemin avec le texte, voilà, tout simplement. Les titres sous les dessins ou les papiers ont leur importance car le spectateur les lit avec l’espoir de les mettre en adéquation avec les tableaux ! Je revendique liberté et autonomie de l’un par rapport à l’autre : quelquefois, le titre est lié au texte ; parfois, c’est un pas de côté comme celui-ci « Aux deux marcheurs : Marteau et Bashô » car pour moi, le rapprochement s’imposait. Je m’autorise même des jeux de mots, des coquetteries langagières dans mes titres, par exemple « Et puiser dans la nuit ». La lecture du titre fera entendre ou pourra faire entendre « épuisé ». Quand le titre semble plus étranger, je compte sur ce décalage pour alerter la sensibilité de celui qui essaie de voir en regardant.
6MAB : Vous dites « celui qui essaie de voir en regardant », formulation très intéressante…
7JLF : Oui, on regarde mais on n’essaie pas toujours de voir. Le poème et la peinture offrent une présence, si je ne mets pas une présence en face, c’est « malhonnête ».
8MAB : En effet, les deux sont indispensables sinon le dialogue ne s’établit pas.
9JLF : J’en suis persuadé.
10MAB : Le monde vivant traverse tous les poèmes, tous les textes de Robert Marteau. Le réel sensible y est exposé sous toutes ses formes, oiseaux, arbres, fleurs… Tous ces éléments ne sont pas seulement cités mais ils sont nommés, ils ne sont pas seulement vus mais ils sont célébrés. Quand on passe le portail de votre maison, c’est notamment l’ombre généreuse et amicale d’un grand tilleul qui nous accueille. Votre atelier s’ouvre sur le jardin, sur la roseraie, sur différents arbres, le plus proche, un magnolia. De quelle manière s’est opéré le choix des textes de Robert Marteau ? Pourquoi et comment avoir choisi tels ou tels poèmes ? telles ou telles pages ?
11JLF : J’ai vraiment choisi des textes précis (et je me suis aperçu que certains revenaient autant sous la plume même de Robert Marteau en tant que motif que dans mon choix personnel) essentiellement sur la forêt, les arbres, les oiseaux, les fleurs, l’eau. Au départ, j’avais prévu beaucoup de textes. J’ai une lecture très longue et très lente. Parfois, le texte s’impose à moi d’emblée comme une stèle qui s’élève. D’autres fois, je dois le relire beaucoup en revenant toujours sur les mêmes extraits et ce, longtemps. Puis, je n’ai retenu que des passages pour ne pas tomber dans le phénomène d’illustration et surtout pour conserver ma liberté de peintre auprès des textes de Robert Marteau. Je ne me sens pas contraint par le texte et je n’ai pas le souci de coller termes à termes avec celui-ci. Ce dernier me stimule ; il intensifie mes regards sur certaines brindilles, sur un enchevêtrement de branches. C’est pourquoi beaucoup de choses m’ont parlé dans Fleuve sans fin, notamment les pages écrites durant le mois de juillet 1982, avec par exemple la naissance de la lumière le vendredi 23 juillet, « Chaque matin, il est un moment précis où la nuit en quelque sorte se rompt. C’est ce que perçoivent les oiseaux qui soudain et brièvement jubilent. […] Ainsi, c’est en un plumage endeuillé que le jour se fraie sa voie et qu’il déteint au contact des eaux. La rive en face s’éclaire sans couleur et sans volume par plans coupés net. […] Dès lors, c’est à la pâleur d’une violette lavée que l’étendue emprunte son apparence. Les ailes se meuvent. Ombre et soleil se séparent. » (p. 64), mais également la page du lundi 29 novembre 1983 : « C’est comme si toutes les poches qui forment les Grands Lacs avaient répandu sur nous leurs humeurs. L’eau, les feuilles, la neige, la glace, le ciel, les nuages, les branches, les herbes, tout est mêlé, avec la seule lumière des tiges et brindilles que le givre enrobe. Un brin de carex ou de jonc jauni porteur de neige gelée, le saule qui dégoutte, la bardane et le chardon en aiguillettes de glace, en dalles vertes l’une sur l’autre versées le fleuve qui descend à tâtons, cela suffit à l’unique instant épiphanique que rien jamais ne renouvellera » (p. 133). Les humeurs, la buée sont des choses qui me parlent. Je suis très sensible aux odeurs, c’est une des raisons de ma roseraie. L’odeur est comme une interface me transportant ailleurs, sans trop savoir où aussi… À chaque fois que je travaille si longuement un auteur, je ne peux plus le lire pendant quelque temps, comme saisi d’un sentiment de répulsion, d’une espère d’overdose, d’un étouffement qui appelle une autre respiration et un besoin de contre-point. Ainsi, on voit mieux à l’intérieur. Je ferme le livre, je le pose et j’attends. Maintenant que plusieurs mois se sont écoulés, je peux relire les textes de Robert Marteau. Je réalise que j’ai pu faire quelque chose, que j’avais pu me sentir « un peu chez moi ».
Des vers du poète aux papiers du peintre
12MAB : Il me semble indispensable de revenir à la technique utilisée – en plus du dessin pour cette exposition – c’est-à-dire celle du papier. Vous réalisez votre papier à l’aide de tissus préalablement découpés avec patience, vous les mettez dans la pile hollandaise (elle a remplacé au xviie siècle les piles à maillets du Moyen-Âge) qui les broie et qui les défibre. Cela devient une pâte plus ou moins raffinée. Vous ajoutez ensuite amidon, colle puis teinture(s), vous les passez dans la presse uniquement quand vous souhaitez faire une feuille blanche ordinaire sinon vous les faites sécher sur la forme (le tamis). Votre œuvre relève ainsi d’un véritable acte de faire-création où tout se joue et commence dès le choix du tissu. Le geste et le souffle créateurs ne sont en rien dissociés. Pourriez-vous nous expliquer le processus créateur qui concerne les papiers « Accompagnements pour poèmes de Robert Marteau » ?
13JLF : Oui, l’« inspiration » monte et elle se prépare durant toute la fabrication du papier. Je viens de lire le texte et j’ai envie de faire quelque chose mais je ne sais pas encore quoi exactement. Si le vert apparaît beaucoup dans le texte, je vais fabriquer du vert qui pourra basculer du côté du bleu ou du jaune, selon mon ressenti. Je vais jouer aussi avec les verts en partant du très fin pour arriver à un très grumeleux, j’alterne aussi entre la fabrication de pâtes très épaisses, très fines, très grossières ou très raffinées. Puis, après, je suis en situation de papier-peinture, de peinture-papier et je laisse aller. En effet, c’est quelque chose de très physique qui demande une concentration intense et qui met tout le corps en éveil, les mains, les yeux… Par exemple, si je fais un vert émeraude, je le tempère, je l’agace, je le bouscule, je lui donne plus d’acidité si je le souhaite… Dans un passage de Fleuve sans fin, il est question de forêt, je me mets quelques repères sur ma forme et à l’intérieur de moi, je place ces repères comme des images mentales. J’installe alors une stratégie, celle des repères, mais sans qu’elle soit une entrave car cette stratégie me guide et je me laisse emporter. La stratégie ne doit pas devenir une tactique car dans ce cas, elle est entrave. La stratégie est un point d’appui qui peut se modifier si les intuitions premières s’avèrent fragiles. Je ne peins pas pour réaliser un projet, je pars d’un désir. Moi, j’aime découvrir par la forme, la voir se faire, voir ce qui se passe : la rencontre de deux rouges dans la cuve fait une frange qui me plaît beaucoup et là, je vais basculer le papier, jouer avec les flux d’eau ou les amas de pâtes. J’ai très souvent l’impression de créer « des dérives de continents ».
14MAB : Vous ne réalisez pas seulement des papiers mais également des dessins. L’exposition, « Accompagnements pour poèmes de Robert Marteau », comporte à la fois dix dessins et seize papiers. Faut-il voir entre ces deux types de réalisation, une continuité, une discontinuité pour accompagner les textes, une manière différente de lire ou d’analyser l’œuvre ?
15JLF : C’est un véritable bonheur physique de toucher, de griffonner, de dessiner. C’est une nécessité. Entre le dessin et le papier, je suis absolument conscient de dire que ce sont deux personnes différentes qui travaillent mais que toutes deux me sont nécessaires : c’est la même personne mais ce sont des moments différents, la mise en œuvre compte car je peux dessiner dans le train, pas peindre. J’attribue cependant plus d’importance au papier et à la peinture qu’au dessin. Le dessin est encore en voie de libération : il devient moins anecdotique, moins convenu, moins académique. Je me méfie de l’habileté, celle que l’on acquiert à force de travailler, car en fait elle n’apporte pas grand-chose, il faut s’en défaire, il faut désapprendre pour perturber cet ordre stérilisant. Tout un travail d’apprentissage – ou de désapprentissage – doit être encore réalisé. En ce qui concerne le papier, l’enjeu est beaucoup plus grave : c’est comme quelque chose qui m’échappe, « qui va au-dessus de moi ». Le papier conserve toute une partie d’aléatoire présente déjà dans la cuve par la rencontre ou non des couleurs. Cette part de hasard fait partie, pour moi, du papier même et de ce temps de création. Je lance une arche et il y a un fleuve mais je ne connais pas la largeur du fleuve ni si l’arche va suffire. Mais tout n’est pas aléatoire dans la mesure où je fais le choix de mes couleurs, de mes rouges, de mes verts. Je ne fais pas de la peinture pour raconter ce que je sais, je ne restitue pas, je fais pour voir : le vert qui est sur le papier prend une autre vie. Eh bien, « qu’est-ce que ça donne ? » Expression très intéressante car il faut mettre les mains pour recevoir.
16MAB : Que voyez-vous ?
17JLF : Ce qui est là, une géographie, une géologie. C’est la matière, les mains, la quantité, la colle, les amidons, les formes, c’est « sale » : le côté matière dans l’eau peut être rebutant pour certains : un bleu grisé devient « sale » mais pas un bleu luisant ! Quand la fatigue est là, toute une périphérie tombe, je suis à ce que je fais, je suis ce que je fais. Des moments de grâce me passent parfois – rarement – dans les mains et ils prennent du sens à mon insu.
18MAB : Pourquoi ce phénomène ne se passe-t-il pas dans les dessins ?
19JLF : Dans les papiers, il y a quelque chose de très physique, c’est le liquide. L’aspect liquide me confronte aux lois de la pesanteur alors que dans le dessin, cela est absent. Cette pesanteur permet aux choses de se mettre en place, les coulures sont toujours justes, le liquide constitue le mouvement et là, je peux agir. Ceci demanderait à être développé…
20MAB : La rugosité de vos papiers – rugosité de leur support, rugosité du relief peint – renvoie-t-elle à la vie qui émane des poèmes de Robert Marteau et qui est source d’émerveillement pour lui ?
21JLF : Je retiens le mot « support » que vous employez dans cette question et dans une précédente. Je le retiens car mes papiers sont, dès le départ supports-peintures, dans la rugosité des matières (papier, chiffon) qui les constituent. Je pense au surgissement des oiseaux dans les arbres, des fleurs et des herbes sur le chemin. La rugosité est présente car je me promène sur le papier, je le caresse, j’entends son bruit et le bruit de ma main passant sur lui. J’aimerais m’arrêter sur un autre point. On considère souvent le dessin et la peinture dans une étendue plane alors qu’il s’agit souvent de superposition (glacis et autres). Cette superposition est comparable à des strates, à des couches archéologiques passant par le néolithique, le mérovingien, le carolingien, etc. La peinture contient tout cela. À certains endroits, c’est très très fin, puis le tout devient très épais car je pense moins la planitude que la superposition des couches, des mouvements de la vie : des choses affleurent, les unes sont enfouies, les autres sont toujours là. On a affaire à la simultanéité, cela est compliqué car nous ne nous situons pas dans la diachronie mais dans la synchronie. Pour se reposer, on se réfugie parfois dans la diachronie : à 10 heures, je fais telle activité, à 11 heures, telle autre… Lorsque je peins, je suis confronté à la simultanéité.
22MAB : La lumière habite les poèmes de Robert Marteau : l’aube vue, le soleil qui brille… Malgré l’utilisation d’une palette plutôt foncée pour les toiles de l’exposition, la lumière ne cesse de s’immiscer, de transparaître, de jaillir dans vos papiers par la conception même de l’œuvre qui accueille et recueille le faisceau lumineux au sein de sa fibre et par la lumière que vous installez vous-même en la choisissant comme élément à part entière. Quel est, pour vous, le rôle de la lumière ? Quelle place accordez-vous à cette lumière si difficile à capter, à saisir dans sa fulgurance, dans son instantanéité, à peindre mais à voir également ?
23JLF : Vous me faites très plaisir d’aborder la question de la lumière. Je fais une différence entre l’éclairage et la lumière. L’éclairage est extérieur et vient se poser sur la peau des choses alors que la lumière palpite dans la peau des choses, elle transparaît. Chez Bonnard, on a affaire à de la lumière ; chez Caravage, on a affaire à de l’éclairage mais bien évidemment aussi à de la lumière ! Bonnard propose une physique de la lumière qu’il spiritualise.
24MAB : Et chez vous, la lumière ?
25JLF : La lumière est pour moi liée au passage, cet aspect fuyant et pourtant prégnant d’un avant, d’un présent et d’un après. Je cherche une voie ouverte. Je n’aime pas les lumières crues, explicites, j’aime beaucoup la lumière sourde qui n’est pas donnée de suite car la lumière vient de loin. Si c’est une lumière d’épiderme, je vais dire que c’est bien éclairé. J’ai retenu depuis longtemps une phrase de Rodchentko qui me semble essentielle : « la vérité de l’objet dépend de l’angle de vision ». On peut se poser alors une autre question : est-ce que je peux voir l’intérieur de la peinture, elle qui se donne comme une peau de l’extérieur ?
26MAB : Dans cette exposition « Accompagnements pour poèmes de Robert Marteau », figurent également des livres d’artistes. Pourriez-vous nous parler de cet autre versant de votre travail ?
27JLF : Les livres d’artistes sont présentés dans une vitrine. C’est quelque chose qui se donne à voir comme clos a priori alors que le tableau est là, présenté dans son entier. C’est quelque chose qui s’ouvre, et qui invite, sous plusieurs formes, à l’ouverture car il incite le toucher, il demande soin et attention. La surprise est également présente : je vois la couverture mais quand je l’ouvre, il y a à l’intérieur, un autre monde : un papier de soie, une plaque de zinc destinée à faire des tirages, des papiers eux-mêmes imprimés et peints. Et la plaque de zinc est primordiale car elle est ici unique et réduite à une fonction unique alors qu’en principe, elle sert à faire plusieurs exemplaires. Une fois que j’ai terminé un livre d’artiste, une fois que je l’ai regardé, je le ferme, je le range et je sais que je peux revenir le voir, le visiter en retrouvant les mêmes émotions du temps de création et en en connaissant de nouvelles.
28MAB : Les retrouvailles se produisent-elles à chaque fois ?
29JLF : Oui, oui, c’est exactement cela, il y a retrouvailles mais celles-ci sont plus ou moins intenses.
Sur le travail vivant du peintre
30MAB : Une fois le texte écrit, ce dernier n’appartient plus à son auteur et encore moins quand il est soumis à la lecture d’autrui. Est-ce le même phénomène d’appartenance ou de désappartenance pour l’œuvre picturale ? Vous assistez – au moins le temps du vernissage – à l’exposition de votre œuvre, à la lecture visuelle de vos tableaux. De quelle manière vivez-vous cet instant ? De quelle manière recevez-vous la réaction émotionnelle du public, réaction spontanée, parfois limitée à une simple appréciation évaluative, subjective, amicale du Beau ?
31JLF : Une fois qu’un dessin, qu’un papier ou qu’une peinture est terminé et que je propose l’œuvre au regard d’autrui, je m’en dessaisis d’une certaine façon. Quand je ne suis pas prêt à vendre un de mes tableaux, quand je ne suis pas prêt à m’en séparer, parce qu’un bonheur, une sorte de grâce m’a débordé, je lui mets un prix inaccessible. Je prête donc au regard mais je ne suis pas prêt à m’en séparer. J’attends également que les regardeurs prennent leur responsabilité durant une exposition, qu’ils fassent un effort de parler de leur regard posé sur l’œuvre. Il faut que l’on s’échange les regards. C’est en somme une éthique. Cet échange peut se passer dans le silence – parfois on ne peut pas parler, les mots ne viennent pas –, ou dans la parole, dans la justesse de la parole. Si, moi, j’utilise le mot lumière, certains vont comprendre éclairage. Il faut donc faire face à cette cohorte des mots par l’échange. Pour en revenir à Robert Marteau et encore plus à Philippe Jaccottet, ce sont des familles. Je me sens en famille et ces familles-là restent pendant que d’autres se défont. Philippe Jaccottet est définitivement de la famille.
32MAB : Certains poètes sont de passage, d’autres de permanence ?
33JLF : Oui, c’est tout à fait cela. Encore une fois, c’est le fait d’y revenir par des lectures incessantes, chaque fois la même et pourtant chaque fois différente car elle se trouve enrichie d’un autre sens, d’une autre émotion de lecture, d’interprétation, de compréhension. C’est donc grâce à ces lectures répétées que je sens l’importance, la nécessité de tel ou tel texte ; je sais, ensuite, que je pourrais encore et encore faire appel à lui parce qu’il continuera à me nourrir, à « intensifier » ma vie (comme me le disait, il y a quelques années lors d’un entretien, Antonio Gamoneda) Il est là, je suis avec lui, c’est une évidence.
34Les dix dessins et les seize papiers de l’exposition « Accompagnements pour poèmes de Robert Marteau » réalisés par Jean-Louis Fauthoux forment une continuité dans ces deux modes d’expression artistique différents et pourtant si complémentaires entre la représentation plus figurative du réel inspiré des textes du poète et le jaillissement émotionnel du peintre, vécu et ressenti tout d’abord lors de sa propre lecture de l’œuvre. Se décèle aussi tout un cheminement dans l’approche de la matière picturale et du monde réel. Les papiers disent en effet l’épanouissement, l’accomplissement du geste créateur, une libération sensible de l’être intérieur. Si le dessin se laisse guider par le flux du crayon tenu par la main du peintre, le papier est lui soumis au hasard de la création des couleurs et de leur adhésion, de leur place prise sur le papier. Ces papiers et ces dessins sont donc bien une œuvre d’accompagnement née de la rencontre d’un poète et d’un peintre, de la rencontre de mots et de papiers, d’une rencontre poétique entre deux êtres aimant le monde vivant, le nommant et le célébrant chacun à leur manière mais aussi se retrouvant liés dans les fibres d’un même tissu universel, celui de la Poésie.
Auteur
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Marie-Antoinette Bissay
Docteur es lettres à l’université de Pau et des Pays de l’Adour, Centre de recherche de poétique, histoire littéraire, linguistique (CRPHLL)). Elle travaille sur la poésie moderne et contemporaine autour de questions de poétique, du rapport science-poésie, de l’intertextualité, de la rencontre poésie et arts, de la traduction. Elle a publié plusieurs articles sur différents poètes : Lorand Gaspar, Philippe Jaccottet, Gustave Roud, Jacques Ancet, Pierre-Jean Jouve, Charles Juliet, Robert Marteau, Yves Bonnefoy… En mars 2013 est paru, aux éditions L’Harmattan dans la collection « Critiques littéraires », Lorand Gaspar ou la « force d’exister en tant que corps et pensée » : l’écriture d’un cheminement de vie.
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