À cette époque-là, c’était toujours la fête. Il suffisait de sortir et de traverser la rue pour devenir comme folles, et tout était si beau, spécialement la nuit, que, lorsqu’on rentrait, mortes de fatigue, on espérait encore que quelque chose allait se passer, qu' ’un incendie allait éclater, qu' ’un enfant allait naître dans la maison ou, même, que le jour allait venir soudain et que tout le monde sortirait dans la rue et que l’on pourrait marcher, marcher jusqu’aux champs et jusque de l’autre côté des collines.1
Cesare Pavese. La bella estate

1Ce texte introductif à la nouvelle de Cesare Pavese, ne parle pas de vêtements. Et l’ensemble de la nouvelle, pas d’avantage non plus, d’ailleurs. L’auteur nous plonge directement dans un état d’être, et tout au long de son récit, il fait vivre un univers sensible, extrêmement touchant. Univers original, plein de la recherche du bonheur, de la beauté, et de l’intelligence des émotions. Riche de mélancolie, d’émois, de surprise. C’est pendant un été, l’existence d’un petit groupe d’amis, de jeunes gens, et tout particulièrement de deux femmes. Leurs découvertes, leurs élans, leurs déconvenues, leurs espoirs. Camarades et amantes des hommes, et seules face à elles-mêmes pour vivre, et comprendre leur vie. L’auteur montre les distances, les rapprochements, la nostalgie, le Blues, la séduction amoureuse, les découvertes de la poésie qu’il y a dans la vie, de l’intimité des sensations, et de la réalité piquante de s’y tenir.

2L’auteur nous emmène tout près des mouvements du cœur, de la gaîté à la tristesse, et à d’autres sentiments encore.

3L’histoire se situe dans une petite ville italienne.

4Un thème de la nouvelle, est celui des relations entre peintre et modèle : artiste masculin et modèles féminins. Et de la découverte par une femme de l’activité artistique. Grâce à la force de son écriture, et la profondeur de son talent, Cesare Pavese a construit par certaines scènes, ce qui peut fonder l’édifice d’un champ affectif.

5Une telle création peut être produite aussi par la manière dont sont présentés les spectacles de la mode de luxe actuellement.

6Les défilés des collections sont présentés à un public, et préparés pour séduire et pour leur diffusion par différents media.

7Les fictions de la mode jouent de l’idéalisation de la femme, et de toutes les qualités d’expression et de signification des styles de vêtements, ainsi que du talent des mannequins, de leur impact. Les défilés de mode racontent des histoires, du jour et de la nuit, et des quatre saisons. Et des histoires de l’art. Car, de même que dans les grandes œuvres littéraires, l’art de la mode ne parle que de l’art, dans la toile des projections de sa création.

8Les défilés de la mode de luxe internationale aujourd’hui, sont un art nouveau. Peinture sans pinceaux, cinéma sans pellicule, poésie sans mots. Théâtre muet, opéra sans chant, gravure sans cuivre, sculpture sans pierre. Femmes habillées, corps vivants en direct. Récits de la séduction, mystère sacré de la beauté et génie du vêtement de style. De ces représentations du corps habillé, mis en valeur, s’exhalent un ton, des sentiments, des états d’âme. Dans la rêverie, par la puissance et la fulgurance, et jusque dans la brutalité de Part, et de sa perfection. Au-delà des manifestations de ces créatures, anges et démons, femmes délicieuses, dangereuses, fatales. On voit décrites parfois dans les défilés certaines particularités de l’environnement et des forces sociales de notre époque, de celles qui nous gouvernent, et de celles qui s’annoncent.

9Avec les vêtements et les modèles en scène, sont réalisés le lyrisme, la spiritualité, le recueillement, le silence, le rythme, l’unité de l’espace et du temps, la beauté des lignes, le mouvement. Les multiples déclinaisons du style de la collection offrent des éventails de formes, des nuanciers de couleurs, des cascades de matières. Les maquillages et les coiffures en sont encore d’autres motifs. Cet univers visuel, poétique et très sensuel réunit des qualités pour la construction d’un champ affectif.

10Comme dans les récits littéraires et les fictions du cinéma les vêtements de style et les costumes, les vêtements de luxe de la mode, ne sont pas choisis et montrés pour « décorer ». Ils ont un potentiel de significations. Ils peuvent laisser apparaître des archétypes2. Le vêtement est le sceau de la création d’une période et d’un artiste, et des changements, des marques des représentations de la pudeur, de l’impudeur, des différences des sexes. Le style prend déjà le vent des forces nouvelles, anticipe des voies d’action des individus, où bien conserve le distillat des archétypes. Couturiers, et créateurs de prêt-à-porter, captent l’air du temps, et possèdent l’art de le mettre en forme. Ils associent leur art avec le métier, l’art des mannequins, leur personnalité. L’art de la couture et des défilés de collections, crée un trésor de sensations, des couleurs de sentiments. Et il se produit un échange puissant entre le public de la mode, professionnel ou non, et ces messages, ces images, cette beauté. Cela tend à renforcer cette construction, à lui donner toute existence authentique.

11Les couturiers et les créateurs de prêt-à-porter de luxe, savent trouver, ou retrouver, moyens et outils pour parvenir à tant de qualités. Ils inventent, et ils diversifient les effets de séduction. En utilisant des techniques manuelles, artisanales, de traitement du tissu : teinture, découpage, cuissons, brûlages, collages, broderies, tissages, dessins réalisés au pinceau, etc. Ils redonnent valeur au temps de l’exécution. Et cette valeur du temps et de l’artisanat se retrouve aussi dans des détails infimes, cachés, en haute couture, que seules les utilisatrices des vêtements peuvent découvrir, et apprécier. Des matières habituellement non destinées aux habits, sont traduites en tissus et utilisées comme tels. Le goût, et le luxe, sont les conditions de cette construction d’un monde d’émotions et de sensations. Aujourd’hui l’art du vêtement de luxe s’expense dans des directions nouvelles. Pour les femmes, il existe une très grande variété de modèles de séduction vestimentaire, contrairement à il y a trente ans environ. Le vêtement de luxe ne possède plus le même rôle de représentation du pouvoir. Mais il n’a pas perdu sa qualité d’image et de motif, bien au contraire, ni sa qualité de ressort dramatique et lyrique.

12Toute intention de récit, toute création de fiction, peuvent se trouver réalisées dans un langage visuel ou littéraire. Les narrations où apparaissent des personnages et des héros, doivent forger leurs instruments, des moyens d’expression. Les vêtements portraitisent et caractérisent des héros, des héroïnes, à merveille.

13Des personnages de drames fameux, qui sont passés à la postérité sont devenus indissociables de leur habit. Car une personnalité c’est une âme avec son enveloppe et son allure. Certaines œuvres sont devenues mémorables, grâce à la justesse, la force, de l’image vestimentaire qu’elles contiennent. Des œuvres littéraires, cinématographiques, théâtrales, ou lyriques, musicales. Le vêtement dit le ton d’une époque, le type de société, l’humeur, et le goût et l’esprit des individus. Le style c’est l’âme.

14Les mots sont en relation avec l’âme, mais ne l’expriment pas – ce que fait le style. Marcel Proust.

15Dans de nombreux récits, littéraires ou cinématographiques, les vêtements habillent l’histoire, et font l’évènement.

16À l’écran, les œuvres acquièrent une force particulière grâce à certains vêtements des personnages. Quand bien même le thème du film n’aurait pas été la séduction, l’élégance, ou la puissance sociale. Renoir, Ophüls, L’herbier, Sternberg, Cocteau, Feder, Camé, Vadim, Visconti, Litvak, Polak, Rossellini, Antonioni, Fellini, Stanley Donen, Blake Edwards, Billy Wilder, Minelli, John Huston, Kurosawa, Ozu, Mizoguchi, ont trouvé dans l’habit et les parures, l’écriture et les images. La mode fait son cinéma. Le cinéma accomplit sa fiction avec des costumes. L’année dernière à Marienbad de Resnais, c’était Delphine Seyrig dans sa robe en lamé de Chanel. Solaris, de Andrej Tarkowski, c’est la robe en daim beige de l’héroïne. Lola Montès, de Max Ophuls, c’est Martine Carole dans sa robe grandiose. Les vêtements exaltent les sentiments, ils font vivre la dramaturgie : « Le vêtement, c’est la création optique du personnage », dit Max Ophüls.

17Dans les défilés de mode, il pourrait paraître invraisemblable d’y lire des états du cœur. Mais cela est seulement extraordinaire d’y trouver une atmosphère spirituelle, avec de nombreuses qualités : lyrisme, érotisme, sensualité, onirisme. La gravité, ou la frivolité, la paix, la fièvre.

18Aujourd’hui, et tout dernièrement, les défilés de mode expriment une grande variété d’ambiances. Pour mettre en scène les femmes habillées, ils progressent dans la subtilité, en créant différents niveaux de représentation. Le résultat produit est un ton où l’élégance, le charme, s’imposent dans un contexte original grâce à des décors, le style des vêtements, les maquillages, les coiffures. À Paris, de très nombreux créateurs et couturiers présentent leurs collections féminines, deux fois par an3. Il y a une grande variété d’influences et de styles. Plusieurs parmi ces créateurs, introduisent des éléments originaux de leur culture et de leur environnement. On assiste à une mise en scène de modèles de vêtements, mais aussi à celle des références à un contexte social ou naturel. Alors que certains autres créateurs, cadrent, ou ont cadré leurs défilés dans des évocations mythologiques et archétypales du féminin, ou féminin « éternel », et ne produisent pas des ambiances qui communiquent une impression d’intimité. Comme celle que l’on peut ressentir aujourd’hui. Koji Tatsuno, créateur japonais, à son dernier défilé, intitulé : Trace, présente des vêtements faits avec des tissus récupérés. Il s’agit de recyclage, et d’une couture de patchworks, de pièces de crochet en coton, de morceaux de nylon, de ruches, de smokes, une couture pleine d’astuces, qui offre des teintes et des formes douces et exquises. Ce créateur fait apparaître beau ce qui est récupéré. Le podium pour le défilé de la collection Trace, est planté d’arbustes à branches nues, comme givrées, et jonché de feuilles mortes. Il est éclairé par des lumières froides de matins frais, roses et bleues. Les femmes de Trace sont dehors, elles se promènent dans cette nature. Tandis que Véronique Branquinho, créatrice belge, à la même saison : printemps-été 2000, montrait des femmes dans un décor noir et or, défilant selon un parcours décrivant un carré, lentement, sous une multitude de grands rubans qui tombaient du ciel, comme de la pluie. Maquillées au teint pâle, les yeux sombres, cheveux lisses, raides, longs ou courts, portant une gravité fermée. Les vêtements de cette collection sont très féminins, et leur style présente une élégance actuelle et classique tout à la fois. On voit des jeunes femmes, très coquettes, femmes de goût, qui passent du temps chez elles, mais sortent le soir et dansent au son d’une excellente musique de Rock’n Roll. Les vêtements, de nombreuses robes et jupes, sont noirs, blancs, beiges, gris, marron, rose pâle. Certaines jupes sont assorties de jupons larges. Les mannequins portent des bottines à talons fins et des sortes de jambières ou guêtres courtes. C’est un défilé brillant. On peut le comprendre comme un reflet du social. Il présente un autre contexte et point de vue que celui de Koji Tatsuno. Il peut s’agir d’une valorisation des ambiances cosy, et d’une mise en retrait de l’agitation, de certaines activités, mais en même temps d’une vie de femmes qui connaissent le monde.

19Dans son défilé de prêt-à-porter printemps été 2000, Jean-Paul Gaultier a imaginé une mise en scène pour un séjour exotique. En croisière, sur la plage, sous des palmiers, au soleil, de très jolies femmes peuvent se délasser, se faire belles, soigner leur corps, et s’amuser. Sur le mur du fond de scène à la naissance du podium, est projetée l’image d’un grand paquebot. Une succession de tableaux montre ces femmes qui prennent leur temps, habillées de vêtements aux détails raffinés et variés, et pleins de fantaisie : des plissés, des fronces, des volants, des pompons. Tissus aux teintes chaudes ou vives, monochromes et imprimés, et tissus imprimés de photos. Avec des coiffures gracieuses très féminines, et quelques perruques courtes aux couleurs fluo : rouges, bleu.

20Isabelle Ballu, créatrice de prêt-à-porter, dans un défilé de collection récent : printemps-été 1999, elle, a cherché le chemin d’une intimité. Comme pour rendre la vie plus douce. Des jeunes filles sortent de leur maison. Maquillées avec des petites bouches peintes en rouge, rétrécies en forme de cerises. Il y en a qui ont des fichus sur la tête, d’autres portent des petits sacs à mains. Elles vont quelque part. Les ourlets de leurs jupes, les bords des manches ne sont pas coupés droit. Elles ont fait leurs robes elles-mêmes. Certaines se connaissent, elles sont voisines. C’est dimanche. On va à l’église, après on ira rendre visite à notre tante qui a un chat blanc. Le soir, on va au rendez-vous avec notre fiancé, pour aller danser au ballroom. Le lendemain matin, on va à la gare à pieds. On doit prendre le train pour aller à un premier travail dans la grande ville. Plus tard on va à la fête du village, et à l’anniversaire de notre meilleure amie. On est contente. On y va. Dans ce défilé, il y a une sensation de modestie, de vie à l’écart du bruit. On prend son temps. La séduction de ces femmes, l’intérêt qu’elles suscitent, tiennent beaucoup aux détails de la coupe des vêtements, à la forme des jupes bombées, aux coiffures, au rythme de la marche, à leurs expressions. C’est une féminité délicate, originale, dans ce défilé qui affirme l’autorité de la sensibilité et la vision d’un espace de vie, fermé sur lui-même, auto-suffisant.

21Claude Montana, lui, n’avait jamais suggéré un tel univers. Plutôt il avait montré des femmes très distantes, hautaines, héroïnes de drames grandioses, femmes solennelles toujours préparées pour des cérémonies. La force de tels défilés était autre que celle de figurer un espace de vie intime. Plutôt, le pouvoir absolu était laissé aux poses et aux lignes pures et dures. Femmes très graves, elles savent tout sur la beauté. Regards, ports de tête, voiles, épaules nues. Elles sont captivantes. On ne sait pas où elles habitent. L’espace est grand ouvert.

22Dans la mode de luxe, de tels cas exemplaires ne sont pas rares4. Tous les couturiers et les créateurs se distinguent chacun par des mises en scène et des figurations originales. Ici, dans cet écrit, on ne peut donner qu’un extrait de la matière remarquable qui est présentée à chaque saison des collections de mode, à Paris. Ces artistes, les couturiers, les créateurs de prêt-à-porter, dessinent des voies de figuration du corps féminin habillé, dans un espace qu’ils créent pour un théâtre de la sensualité et de la sensibilité. Ils écrivent en images la vie et certains aspects des forces sociales actuelles. Ils montrent des voies de grâce, de bonheur, et d’humanité, grâce à des détails et des subtilités vestimentaires, et des éléments de la mise en scène.

23C’est parce que le vêtement et le modèle de séduction, la femme habillée, mis en scène, peuvent atteindre une telle profondeur et tant d’éclat, que des récits, des fictions, en littérature, certains adaptés au cinéma ou au théâtre, ne seraient rien sans les vêtements. Grâce à ces vêtements, certaines œuvres atteignent leur pleine expression.

24Illustrons ce phénomène par trois films : Le Temps Retrouvé, de Raoul Ruiz, 1999, France. Gone To Earth, de Michael Powel, 1950, États-Unis. La Chanteuse de Pansori, 1993, de Im Kwon Taek, Corée.

25Dans : Le Temps Retrouvé -adaptation de l’œuvre de Proust- le vêtement s’insère dans la densité et la puissance artistique de Ruiz. Ce génie s’agence avec la problématique du temps, et la technique du filmage. Raoul Ruiz a commenté ainsi son œuvre lorsqu’il évoque une des scènes de son film :

« Un foisonnement gigantesque réduit à l’échelle atomique. Pendant le tournage j’avais mis la fille de Gilberte en scène avec beaucoup de soins, plusieurs figurants, décors, et pour moi c’était une chose énorme ; lorsque j’ai relu le passage en question, cela tenait en une phrase. Or toutes ces narrations sans importance, brèves, fugaces, finissent par donner une image sans mouvement. Et c’est plutôt dans les descriptions proustiennes -certains éléments du paysage, les costumes, les personnages- que l’on retrouve, pour ainsi dire, l’action. »5

26Dans les deux films : La Chanteuse de Pansori, et Gone to Earth, la progression du drame est signifiée par les vêtements des héroïnes6.

27Dans chacun des deux films, l’héroïne est orpheline de sa mère. Dans les deux récits, ces femmes ont hérité de dons maternels exceptionnels. Toutes deux vivent depuis l’enfance avec leur père, ou leur tuteur. Dans Gone to Earth, le drame se passe au Pays de Galles, loin des villes, au début du XX^e siècle. L’héroïne, Hazel, nous apparaît tout d’abord, jeune sauvageonne, va-nu-pieds dans la lande, aux cheveux défaits, vêtue d’une longue jupe, d’un corsage, et d’un fichu. Lorsqu’elle a des chaussures, c’est à la main qu’elle les porte. Elle a domestiqué une renarde qu’elle chérit. On la voit plus tard, fiancée au pasteur du village, contre son sentiment profond. Transformée, vêtue d’une robe verte, longue, cintrée, à col montant, à manches longues et poignets serrés, achetée à la ville voisine. Et sur sa tête, un petit chapeau, attaché sous le menton par un ruban. Mariée au pasteur, elle s’enfuira pour rejoindre chez lui le châtelain Reddin, et devenir sa maîtresse. On la retrouve au château, parmi une multitude de robes que cet homme possède, séducteur arrogant et égoïste. Ce jour là, Hazel part en promenade dans le domaine, seule, pieds nus, vêtue d’une robe longue, à volants, et bustier décolleté sans bretelles, couleur rouge capucine, qui lui sied à ravir. En chemin, elle se débarrasse du jupon à crinoline, le jette sur le sol et l’abandonne. Mais, la scène du film, de la plus belle poésie, est celle où Hazel part pour invoquer l’esprit de la montagne : Little God’s Mountain. Seule dans la lande, elle se tient au crépuscule, dans une longue jupe rouge marron, et un corsage violet, ses cheveux longs défaits, les épaules couvertes d’un châle en soie imprimée à dessins géométriques, de couleurs vives : turquoise-vert, frangé de noir. Au vent du soir, le châle s’agite et reste seul dans le cadre, posé sur un rocher, alors qu’Hazel attend une réponse de la montagne, pour suivre ou non son désir d’aller rejoindre le châtelain Reddin. À ce moment, le châle à lui seul, représente la force, le mystère, la passion qui défie toute prudence, toute raison. Pendant qu’un chant de harpe cristallin s’élève pour répondre à la jeune fille dans le lointain. Plus tard, vers la fin du film, Hazel, de retour chez son père, puis chez son mari, porte une robe très austère, dans un style opposé au genre de celles qui rehaussent sa beauté, son éclat : une robe de couleur marron, qui contrarie son élégance naturelle, son charme. La suite et la fin, il ne faut pas les raconter, pour laisser le futur spectateur en apprécier l’intrigue. C’est une fin tragique. Hazel a revêtu une tenue de sauvageonne. La boucle se boucle, et relève encore la qualité de mystère et de sacré de ce récit.

La Chanteuse de Pansori

28Au début du film La Chanteuse de Pansori, l’héroïne est une enfant, puis adolescente. Elle vit avec son frère et son père adoptif. Elle est orpheline de sa mère, chanteuse de Pansori, une mélopée poignante, en solo, accompagnée au tambour. Frère et sœur sont tenus par le père passionné par ce chant, de s’exercer sans trêve à devenir de grands interprètes de Pansori, au mépris de leur santé. Le jeune frère accompagne sa sœur au tambour. Les vêtements de la chanteuse concourent tout au long du film à rythmer la fiction et à la colorer, à lui donner toute sa gravité. À chaque séquence importante, la chanteuse porte des tenues différentes. Pantalon bleu, veste parme pâle- veste blanche. Jupe bleue, jupe noire, et plus tard veste abricot et prune, jupe longue, partie inférieure de la robe prune, violet clair à ruban violet. Toute jeune, l’héroïne a les cheveux raides, courts et frangés. Plus tard, elle porte une longue natte tressée dans le dos. Vêtue d’une jupe à gros plis en godets, à taille haute. Plus d’une robe de ce film est inspirée du costume traditionnel coréen7. C’est Seulement vers la fin du film, lorsque la chanteuse commence à chanter merveilleusement bien, épuisée par sa pratique, qu’elle porte des vêtements modernes : un pantalon marron, un pull-over en tricot de laine blanche au motif torsadé, à col roulé. Il neige. Elle portera aussi plus tard un gilet en laine vert-kaki à gros boutons, et un pantalon écossais vert-brun. Un jour son frère s’enfuit qui ne supporte plus l’autorité du père. Restent seuls ensemble le père et la fille. Le destin suit son cour. L’héroïne qui se retrouve à vivre seule, chante dans une auberge. Elle porte une veste bleu nuit, avec un col blanc fermé par une broche, accompagnée d’une jupe longue violette. Elle a perdu la vue par épuisement. Elle a donné sa vie pour son art, sa voix, parcourant les routes à pieds sous tous les climats. Elle est pauvre. Elle a atteint l’art le plus parfait. Elle va, invincible, dans la plus grande joie, avec le feu mis à sa vie. La vie ne m’effraie pas. Et : Regardez Shianshung, s ’enveloppant dans sa robe elle ferme les yeux, elle tombe dans l’eau, comme une oie sauvage.

29Les couleurs, les formes, la soie ont enveloppé la vie dramatique de l’héroïne. Ce récit est représenté sous la forme d’un film opéra.

30Cela n’est pas par l’exemple de comédies que nous avons choisi de montrer la présence et le rôle des vêtements, mais cela eût pu être. Des comédies musicales où le visuel et le verbe se marient si bien : Les Parapluies de Cherbourg, My Fair Lady. Nous resterons dans le drame, car c’est là que l’habit parfume, relève la fiction de façon magnifique.

31Ce n’est pas uniquement au cinéma que les habits enveloppent des femmes idéalisées, extraordinaires, et content le drame. L’art de l’opéra est aussi l’art du costume et du maquillage. Nous allons parler des mises en scène de Luchino Visconti, pour La Callas, à La Scala de Milan : de La Traviata8.

32Acte premier : Violetta, mondaine, se trouve dans son salon noir, or et rouge sombre, qui évoque le luxe et la mort. Callas portait une robe en satin noir, à traîne, de longs gants blancs ; elle avait un bouquet de violettes à la main.

33Au deuxième acte, on voit le jardin de la maison de campagne d’Alfredo et Violetta, non loin de Paris. Sérénité. Bleus et verts exquis peints de la main même de Lila de Nobili, la décoratrice. Ici l’ambiance de vie domestique contraste de façon frappante avec le premier acte9. Callas porte une robe blanc-crême, ornée de dentelles et de rubans verts pâles, inspirée d’une robe de scène de Sarah Bernhardt. Coiffée d’un bonnet enrubanné. Elle tient une ombrelle. Violetta est radieuse, heureuse.

34Le troisième acte met en scène Violetta qui a perdu l’amour et son bonheur. Elle porte une robe de satin rouge avec un collier et des bracelets sertis de rubis, et des gants blancs. Elle se trouve dans le jardin d’une amie courtisane, de naguère. Elle a une beauté artistique10.

35Acte Quatrième. Violetta est malade. Dans sa chambre vidée des meubles qu’elle a vendus. Elle essaye d’enfiler des habits qui furent autrefois si essentiels pour elle. Son manteau ne tombe pas droit, et elle ne parvient pas à saisir les rubans de son bonnet. Puis elle meurt. C’est la fin.

36En 1967, Visconti mit en scène une nouvelle fois La Traviata, à Covent Garden. Costumes et décors inspirés de Beardsley. Blancs et noirs semés de taches de couleurs avec des guirlandes de roses. Écharpe claire, gants écarlates posés sur une table.

37Dans ses mises en scène d’opéra, de cinéma, Visconti a démontré combien l’habit et les parures font partie intégrante de la vérité et de la fiction, combien ils fondent sa valeur et sa profondeur.

38Il est rapporté que lors de la mise en scène du film Le Guépard, Visconti avait exigé que les costumes des Garibaldiens soient fermés impérativement avec des boutons d’époque. Pour Visconti, comme pour les couturiers de haute-couture, des éléments très peu visibles, et même complètement cachés, doivent être le plus soigneusement cousus, choisis. Ainsi, Visconti, dans une de ses mises en scène, disposa dans le décor un coffre à bijoux qui n’était pas destiné à être ouvert pendant les représentations. Mais le metteur en scène exigea que le coffre fût rempli de bijoux véritables. Cela montre bien la force du contact, de la communication entre l’artiste et son œuvre et chaque élément du spectacle, ainsi que l’attention extrême portée aux décors, aux costumes, car ils sont partie du langage dramatique.

39Le vêtement en haute couture et prêt-à-porter, présente des modèles de séduction et des images de femmes assez variés. Aujourd’hui il suggère, dans certaines de ses mises en scène, les formes d’un espace de vie et d’un univers de sentiments. Cela est un phénomène très récent dans la mode. Comme en leur temps, de grands écrivains avaient su présenter un univers de relations, de sentiments, de manière inédite : Proust, Pavese, Sagan, Tchékhov, créant les moyens littéraires pour son expression, et sa construction. Les couturiers et les créateurs de mode aujourd’hui, pour présenter leurs collections, tendent à présenter une mise en scène faite avec des suggestions, des références au social, mais aussi à offrir la vision d’un lieu de vie, d’un état d’être. Et pour cela les vêtements et leurs détails, ont autant d’importance que cette mise en scène, et que le jeu des mannequins. La communication par l’habit, dans le cadre de ces spectacles, possède la qualité de véhiculer la vision d’un monde particulier. Tout cela contribue à former un champ affectif, comme ont pu le faire les grandes œuvres en littérature.