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Une brève histoire de la science-fiction belge francophone et autres essais

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Dominique Warfa

Quelques cases de bande dessinée

Des bulles et des aliens, parcours historique dans la bande dessinée de science-fiction française (inédit, 2010)

Texte intégral

1. Limites et archéologie du propos

  • 1 Ou signe iconique. Mais, promis, pas de sémiotique ici !

1Il va être ici question de science-fiction française au sein d’une expression artistique particulière : la bande dessinée. Il convient de situer l’apparition du concept de bande dessinée lorsque des images (représentations graphiques1 jusque là distinctes) commencent à s’enchaîner de manière à former une narration, effaçant les solutions de continuité entre les vignettes. Il est dès lors réducteur, comme certains exégètes persistent à l’affirmer, de refuser le statut de bande dessinée aux récits précédant l’apparition du phylactère, mais disposant de textes placés en “sous-titres”, si leurs vignettes s’inscrivent clairement dans une diégèse. En France, cela conduirait à nier toute “figuration narrative” avant Alain Saint-Ogan ! Nos premières bandes dessinées seront donc formées d’une continuité dessinée accompagnée d’un texte, quelle que soit la forme de ce dernier. Ce malentendu dissipé (ce qui est loin d’être inutile dans les études concernant la bande dessinée !), il convient au plan de la science-fiction, d’établir un résumé de l’évolution des premières œuvres graphiques ayant choisi d’en explorer les mondes, seule approche permettant une mise en situation historique précise du propos. Soit la France (et quelques influences étrangères), la naissance de la bande dessinée et l’apparition d’un intérêt envers ce que nous nommons désormais science-fiction.

  • 2 Versins P., Encyclopédie de l’utopie, des voyages extraordinaires et de la science fiction, Lausann (...)
  • 3 Dans le cadre de cette étude, toute mention d’un nouvel auteur comportera ses dates de naissance et (...)
  • 4 Ibid., p. 94.

2Si l’on suit Pierre Versins et l’entrée “Bandes dessinées” de sa volumineuse encyclopédie2, le Genevois Rodolphe Töpffer (1799–18463) n’est pas uniquement le père fondateur du genre artistique “bande dessinée” tout entier, ainsi que son premier théoricien, mais il y introduit dès l’entame un élément de pure science-fiction. En effet, dans l’album Le docteur Festus (1840), « on trouve le premier engin habité à faire le “bond dans l’espace” »4. Plus tard dans le même siècle, l’imprimeur Pellerin et les images qui ont fait le renom de la ville d’Épinal n’hésitent pas à explorer la thématique de l’anticipation vernienne : sous-marins, voyage dans la Lune, inventions techniques diverses. Si l’on considère ces éléments historiques bruts, on voit que bande dessinée et science-fiction (même si ce terme, rappelons-le, est alors inconnu stricto sensu) cousinent dès leur apparition : c’est bel et bien le xixe siècle technicien qui signe cette dernière.

  • 5 C’est l’opinion argumentée d’Yves Frémion dans son Guide de la Bédé francophone, Paris : Syros/Alte (...)

3Débarque en France le grand précurseur : si Nadar (Gaspard-Félix Tournachon, 1820–1910, l’incroyable touche-à-tout) a inventé d’un seul coup, en 1849, la bande dessinée française5 avec Mossieu Réac (première publication dans la presse, première bande dessinée adulte, première bande dessinée politique !), l’artiste fondateur pour ce qui nous concerne n’est autre que Christophe (Marie-Louis-Georges Colomb, 1856–1945), l’auteur de La Famille Fenouillard, créé dans Le journal de la jeunesse et repris en album en 1893. L’une au moins de ses créations navigue non loin du merveilleux scientifique : L’idée fixe du savant Cosinus (entre 1893 et 1899, modèle des Champignac et Tournesol à venir…) avec cette invention aussi farfelue que lexicalement débridée, l’anémélectroreculpédalicoupeventombrosoparacloucycle, ou bicyclette améliorée… On citera encore, proche de la fantasy animalière, Benjamin Rabier (1864–1939), et bien entendu Albert Robida (1848–1926), autre géant, mais qui demeure dans la tradition de l’illustration et ne franchit jamais le pas vers la jeune narration dessinée : vernien souvent plus audacieux que le maître, Robida est incontestablement un anticipateur-né (Le Vingtième Siècle, 1883, ou La Guerre au xxe siècle, 1887 — tout ouvrage historique sur la science-fiction se devant de citer désormais le téléphonoscope), mais nullement un bédéaste.

4Les “illustrés” qui surgissent en France au tournant du siècle vont précipiter le mouvement et abriter conjointement bande dessinée naissante et proto-science-fiction. La plupart des éditeurs s’en mêlent : chacun veut sa part du marché. Après Louis Hachette (Mon Journal, 1887), ce sera Armand Colin (Le Journal de la Jeunesse au titre explicite, 1889), Taillandier (L’Illustre National, 1898), la Librairie Arthème Fayard (La Jeunesse illustrée, 1903) ou Gauthier-Langereau (La Semaine de Suzette, 1905 — où, pour rappel, Joseph-Porphyre Pinchon publie une première histoire de Bécassine). À peine ont-ils créé leur maison d’édition, les frères Offenstadt s’engouffrent dans ce créneau : si L’Épatant (1908) est sans doute le plus connu de ces magazines (il est le support de la création par Louis Forton des Pieds Nickelés), nombre d’autres titres l’accompagnent (Le Petit Illustré, Fillette, Cri-Cri, L’Intrépide…) qui font des Publications Offenstadt le premier éditeur en matière de “presse enfantine”.

5Si L’Épatant privilégie l’adaptation de textes littéraires (ceux de José Moselli entre autres, comme La Fin d’Illa), on va rapidement trouver ailleurs des œuvres originales telles que Les Aventures extraordinaires de Riquet, Risque-Tout et Rirette de Pierre Joël, entre 1922 et 1927 dans Les Belles images, chez Fayard. Hélas, alors qu’en une dizaine d’années les frères Offenstadt sont en mesure d’offrir à ceux qu’ils publient une fort belle visibilité, cette réussite va pour longtemps cantonner en France la bande dessinée aux supports pour enfants — et au franc mépris des mondes artistique et littéraire. On ne peut que souligner la parenté de ce type de catalogage restrictif avec ce qui survient pour la science-fiction littéraire, qui pâtit en France de sa réduction populaire et des cartonnages typés de la maison Hetzel ! Par ailleurs, techniquement, la bande dessinée française souffre d’un manque chronique d’évolution : tous persistent à montrer des récits dépourvus de ces ballons qui font fureur depuis longtemps outre-Atlantique.

6Néanmoins, malgré ces limites, nombre d’exégètes notent combien les années précédant la première guerre mondiale sont porteuses d’une grande variété tant de styles et de techniques, que de thématiques. Si la plupart des motifs du roman populaire sont repris tels quels (pauvres orphelins, folklore, aventures, récits de cape et d’épée), en s’adjoignant rapidement les formes du western et de l’histoire récente (l’Empire), l’innovation s’installe lentement mais sûrement — et le monde moderne fait son entrée : toute la technique vernienne en premier lieu, de véritables séries de science-fiction par la suite. Maurice Watt (un pseudonyme ?) dessine en 1912 une désastreuse expédition martienne dans Fillette, Le Fils de la Terre, alors que G-Ri (pseudonyme de Victor Mousselet) revient sur la même planète rouge en 1915 dans Les Belles images avec Dans la Planète Mars, longue exploration qui alterne paysages exotiques et ruines antiques. Mousselet ne s’en tient pas là : on citera comme exemples de ses délires techno-futuristes des titres tels que Au Fond de la mer (1906), Dans l’Infini (1906–1907), Dans les Entrailles de la Terre (1907), Le Savant Diplodocus à travers les Siècles (1912) ou Le Tour du monde en Hydroaéroplane (1913), tant dans Les Belles images que dans La Jeunesse illustrée.

  • 6 Il signait effectivement de la sorte, avec une minuscule à Duval. Voir sa notice sur le site web su (...)

7Après la désorganisation et la propagande inhérentes à la première guerre mondiale, peu de talents nouveaux se révèlent, semble-t-il. Il convient pourtant de noter quelques auteurs inventifs et originaux, parmi lesquels Félix-Pol Jobbé duval (1879–19616). S’il commence à dessiner durant son service militaire en 1900, son style fortement influencé par l’Art Nouveau, riche en formes fracturées et en vignettes reliées par des zébrures, se révèle dans nombre de publications, y compris durant la guerre. Dans notre domaine, il donne en 1929 dans Cri-Cri sans doute sa toute grande réussite : À la conquête de la planète Mars (encore elle…), sur un texte de Paul Darcy (Paul Louis Victor Salmon, 1884–1965), auteur de romans populaires.

2. L’entre deux guerres : de Saint-Ogan à Pellos

  • 7 Il est curieux de constater aux USA un mouvement inverse de celui qui mènera en France aux grandes (...)

8Pour acter la naissance de la véritable bande dessinée autonome, nantie de toutes ses caractéristiques, il faut l’année 1925 et Alain Saint-Ogan (1895–1974). Même si le premier album “avec des bulles” fut en réalité la série Sam & Sap de Rose Candide (Edmond Tapissier, 1861–1943), publiée chez Delagrave en 1908, Saint-Ogan innove graphiquement et impose ce qui sera le cadre de la bande dessinée moderne. En effet, après la première guerre mondiale et dans les années vingt, on constate un retour inexplicable aux illustrations d’antan, les vignettes abandonnant parfois jusqu’à la succession narrative, alors que la bande dessinée américaine, dans le même temps, connaît une efflorescence certaine et donne des œuvres matures7. La différence (de taille) tient dans leur mode de production et de diffusion : si les illustrés français se destinent explicitement à la jeunesse et se montrent hésitants face à l’innovation, les funnies, comics et autres family strips américains se développent dans la grande presse, celle de William Randolph Hearst et de Joseph Pullitzer : leur lectorat n’est pas encadré comme en France, il est à la fois adulte et familial.

  • 8 Dans les années soixante, Greg reprend et modernise Zig & Puce, en accord avec Alain Saint-Ogan, et (...)
  • 9 Le Rayon mystérieux sera réédité lorsque l’intérêt critique envers Alain Saint-Ogan en fera dans le (...)

9Zig et Puce apparaissent le 3 mai 1925 dans Le Dimanche illustré, bientôt flanqués d’Alfred, ce pingouin qui semble être un manchot… Saint-Ogan est un artiste complet, très influencé par le cubisme et l’art déco : la future “ligne claire” naît sans doute avec ses personnages. Rayon science-fiction, on notera des titres tels que Zig et Puce au xxiesiècle (1935), Zig et Puce et l’homme invisible (1949) ou encore Zig et Puce sur Vénus8. Mais il ne s’en tiendra pas là : en mars 1938, dans Cadet-Revue (dont Saint-Ogan est rédacteur en chef) commence la publication du Rayon mystérieux, une bande cette fois clairement redevable au genre et tout à fait distincte de Zig et Puce9. C’est que le dessinateur n’est pas un ignorant en matière de littérature et de science-fiction : on l’a vu rendre hommage tant à Verne qu’à Herbert George Wells au travers de certains Zig et Puce, et son Rayon mystérieux doit beaucoup aux auteurs de merveilleux scientifique actifs depuis le début du siècle. Le récit met en scène une figure de journaliste (on n’est pas loin de Gaston Leroux non plus) qui se retrouve impliqué dans les liens d’un groupe de savants avec de belliqueux Vénusiens. C’est évidemment le motif de l’enquête qui prime, presse oblige. L’histoire est située dans la France rurale, la guerre demeure une obsession, les sentiments envers l’autre sexe sont présents, de même que le doute de l’être humain face à l’autre, cette inquiétude de l’altérité héritée de Rosny Aîné (souvenons-nous des Xipéhuz). Les plans d’invasion seront évidemment déjoués, entre Terre, Lune et Vénus. Le Rayon mystérieux possède de plus cette étonnante caractéristique d’être la seule œuvre dépourvue du moindre ressort humoristique dans l’œuvre de Saint-Ogan. On voit ici, alors que les modèles américains vont devenir prégnants, l’une des rares bandes de science-fiction française totalement et uniquement enfantée par les motifs de ses équivalents en littérature romanesque. Comment ne pas songer en effet à Rosny Aîné, Maurice Renard, Gustave Le Rouge et ces romanciers populaires tels que Paul d’Ivoi ?

  • 10 Après la seconde guerre mondiale, René Giffey travaillera avec Maurice Limat — mais sur un Buffalo (...)
  • 11 Frémion Y., Op. cit., p. 36.

10Ailleurs en revanche, la misère science-fictive est grande : René Giffey (1884–1965) et Étienne Le Rallic (1891–1968), auteurs doués et grands chantres du réalisme, s’illustrent plutôt au rayon aventures et séries historiques10. Certes, comme l’avance Yves Frémion, « les grands systèmes narratifs se mettent en place » — mais ailleurs : chez Hergé, à la suite de Saint-Ogan11 ! Il faut attendre Pellos pour voir enfin triompher une bande dessinée de science-fiction.

  • 12 Versins P., Op. cit., p. 666.

11René Pellarin (1900–1998), dit Pellos, publie Futuropolis dans Junior en 1937 et 1938. Son style est ainsi qualifié par Versins : « étonnant de réalisme, de dynamisme et de souffle épique »12. Graphiquement, l’œuvre conteste les conventions à peine établies : la planche est bousculée, et avec elle vignettes et parfois sens de lecture. Le montage est nerveux. Pour la première fois, une véritable histoire de science-fiction est transmise sous une forme novatrice où fond et forme se confondent. Il s’agit d’un avenir où la civilisation s’est réfugiée sous terre, d’une société robotisée, soumise à un ordre d’acier : confrontation avec une peuplade de la surface, la nature face aux machines, héros et belle héroïne, combat face à la tyrannie et cataclysme — voici des ingrédients devenus classiques. Pour Pellos et son scénariste Martial Cendres, c’est aussi l’influence assumée du Métropolis de Fritz Lang et le reflet d’une angoisse face à la montée en puissance du nazisme. On peut également songer au roman d’André Valérie, Sur l’autre face du monde (1936). Pellos illustre encore des romans (entre autres La Guerre du feu), caricature les coureurs du Tour de France, et revient à la science-fiction avec Electropolis dans Jean-Pierre (1940), interrompu par la guerre. Reprenant également les Pieds Nickelés de Louis Forton entre 1948 et 1981, il y mêle parfois de la SF comme dans Les Pieds Nickelés sur Bêta 2 (1962).

12Si Pellos est incontournable dans notre corpus, il convient de s’arrêter un moment auprès de l’immense Calvo (Edmond-François Calvo, 1892–1958), l’auteur de La Bête est morte ! ou de Moustache et Trottinette : en 1941, ce maître du dessin rond et fouillé, où des forêts profondes aux arbres tordus alternent avec des pantalons rapiécés, adapte Les Voyages de Gulliver.

3. Comics américains et collaboration

13Entretemps, la France connaît en matière de bande dessinée la déferlante américaine qui sera le lot de la science-fiction littéraire dans les années cinquante. L’influence des comics se fait sentir dès le début des années vingt, et se systématise en 1928 avec la création par Paul Winkler de l’agence Opera Mundi, qui devient le représentant du très influent King Features Syndicate. Felix The Cat paraît en 1929 dans La Petite Gironde, et Mickey Mouse dans Le Petit Parisien, avant que Winkler ne lui offre son propre support en 1934 : Le Journal de Mickey, sans la moindre bande française. La SPE des frères Offenstadt réplique en créant Junior en 1936, puis L’As en 1937, qui publient à leur tour des bandes américaines. Cette fois, au travers des séries d’outre-Atlantique, une bande dessinée clairement moderne illustre une science-fiction dégagée du merveilleux scientifique. Parmi les nouveaux héros, en effet, nombre de personnages de science-fiction pure — Dick Calkins crée le premier, Buck Rogers, en 1933. Celui-ci sera bien vite rejoint par les Brick Bradford et autres Flash Gordon. Leur arrivée en France fera l’effet d’une bombe. Outre les trois précédents, apparaissent Mandrake le magicien, le Fantôme ou Tarzan, sans compter les bandes de pure aventure mettant en scène aviateurs ou cow-boys. Leur importation via Opera Mundi ou les publications de Cino Del Duca (qui crée Hurrah ! en 1935 ou L’Aventureux en 1936 et acquiert les droits de Tarzan) ne peut que mettre en évidence la faible originalité de la production locale : commencent les difficultés de renouvellement de la bande dessinée française, décidément trop conforme à la tradition esthétique figée qui l’a vue naître. Dans ce contexte, notons la naissance en 1938, chez un éditeur de Marcinelle, banlieue de Charleroi, en Belgique, de l’hebdomadaire Spirou, lequel se montrera bien plus inventif. Survient alors la seconde guerre mondiale…

  • 13 Lire à propos de la presse d’occupation l’étude de Pascal Ory : Le petit nazi illustré. Vie et surv (...)
  • 14 « À la veille de la guerre pourtant, la frontière entre la science-fiction et le roman d’aventures (...)
  • 15 Moliterni Cl. et Mellot Ph., Chronologie de la bande dessinée, Paris : Flammarion, p. 97.
  • 16 Glénat publiera en 1974 ses souvenirs.

14Ici comme ailleurs, celle-ci s’avère source de diverses fractures. Alors qu’en 1941, aux États-Unis, Walt Kelly crée le réjouissant et rafraîchissant Pogo l’opposum, la France se fige pour des années, tout en perdant l’émulation des concurrents d’outre Atlantique. Les bandes américaines importées massivement depuis six années voient leur continuité interrompue et (comme Jacobs en Belgique) quelques dessinateurs se risquent à terminer les récits, puis à les remplacer : René Brantonne (1903–1979, futur illustrateur du Fleuve Noir) fait du Brick Bradford, Auguste Liquois (1902–1969) s’attaque à Tarzan, avant de créer dans le titre collabo Le Téméraire13 la série Vers des mondes inconnus (1943–1944, terminée par Raymond Poïvet), censée remplacer Flash Gordon. Ces bandes de l’occupation n’innovent en rien : il s’agit de copies d’avant-guerre ou de plagiats américains (pour sa série, Liquois n’hésite pas à “emprunter” des décors à Alex Raymond !). Pourtant la science-fiction est bien à l’ordre du jour (même “nouveau”) : dans son essai consacré au Téméraire, Gilles Ragache note combien domine la croyance dans les vertus du progrès et les pouvoirs illimités de la science14. Outre Liquois, citons pour l’exemple, puisque cette bande du Téméraire entre dans notre domaine, La Légende de l’Atlantide qui montre des Atlantes blonds aux yeux bleus ! Hélas, selon l’auteur, ils se sont mêlés aux sémites et aux négroïdes (sic), excepté en Scandinavie et en Allemagne du Nord où ils préservèrent la pureté de leur race (« avec ses qualités de courage, de génie créateur et d’organisation »15). Sans commentaires. Dans la droite ligne de la moralisation vichyssoise, des éditeurs sont interdits, a fortiori s’ils s’affirment résistants comme Del Duca. Un titre tel que Benjamin de Jean Nohain est forcé à la collaboration, même si son rédacteur en chef, Saint-Ogan, tente de l’infléchir en sous-main. Un sourire dans ce monde de brutes : il pourrait sembler curieux de citer ici Fripounet et Marisette, mais les deux héros de René Bonnet (1905–1998, qui signait Herboné), apparus entre 1943 et 1945, et qui vivront jusqu’à nos jours, connaîtront quelques aventures aux titres fort éloignés de la simple bande humoristique : La Fièvre Z ou La troisième soucoupe… Mais alors que divers auteurs se compromettent, d’autres résistent, comme Marijac (Jacques Dumas, 1908–1994), dessinateur depuis 1928 avant de devenir le scénariste de quasi toute la BD des années 1950, ainsi qu’un éditeur d’importance — et ce dès le maquis16.

4. Des Pionniers de l’espérance à Barbarella : irruption de la science-fiction moderne

  • 17 Quoique, lorsqu’on relit les premiers Buck Danny
  • 18 Sadoul J., Panorama de la bande dessinée, Paris : J’ai Lu, 1976, p. 75.

15Le fondateur de Coq Hardi (créé dès le 20 novembre 1944, à Clermont-Ferrand puis à Paris) récupérera un Le Rallic, un Liquois, ou encore un Poïvet. Avec Liquois, il donnera son incontestable chef d’œuvre : Guerre à la Terre (1947), récit épique dont le sujet est l’éternelle guerre des mondes, les Martiens et leurs troupes stupides et peu résistantes (des soldats craignant le froid !) envahissant la Terre avec l’aide des Japonais ! Une vision peut-être un peu primaire17, mais les vainqueurs de la guerre sortaient de très mauvaises relations avec ces derniers. Dans une suite dessinée par Dut (Pierre Duteurtre, 1911–1989), Marijac réhabilitera d’ailleurs les Japonais et, comme croit pouvoir l’affirmer Jacques Sadoul, « annonce la fraternité des peuples »18. En 1945, le parti communiste lance Vaillant, copie conforme du Téméraire, où après ses débuts discutables, Raymond Poïvet (1910–1999) devient l’archétype du dessinateur communiste. Secondé au scénario par Roger Lécureux (1925–1999, qui sera rédacteur en chef du titre et scénariste de Rahan), il crée Les Pionniers de l’Espérance, chef d’œuvre de l’après-guerre en matière de bande dessinée de science-fiction. Pour l’anecdote, Liquois quant à lui, illustre (1946) une Vie héroïque du Colonel Fabien !

  • 19 Frémion Y., Op. cit., p. 46.

16De 1945 à 1973 (Vaillant deviendra entretemps Pif Gadget), Les Pionniers de l’Espérance marqueront indéniablement l’évolution des motifs de science-fiction dans la bande dessinée française. On ne peut que suivre l’opinion d’Yves Frémion : « Pour la première fois, le héros de l’histoire est collectif (deux hommes, deux femmes), de couleurs de peau différentes, et totalement nouveau quant à l’idéologie : très anar par moments, cette BD unique en son genre est superbement narrée, solidement dessinée et ses couleurs sont magnifiques »19. Suggérée semble-t-il par Alexandre Ananoff (auteur de L’Astronautique et inspirateur de la fusée lunaire de Hergé), cette série est en effet pacifiste, cosmopolite, orientée vers le progrès à la fois technique et humain. Les pionniers sont d’abord six, et l’Espérance, vaisseau conçu pour sauver la Terre d’une menace planétaire, se retrouve bientôt aux prises avec des situations similaires à celles que rencontrera un autre vaisseau, baptisé Enterprise. Les personnages de Maud et Tangha constituent le premier couple du genre, préfigurant Laureline et Valérian. On retrouvera Poïvet aux débuts de Pilote (dès le no 1 !) avec un récit de voyage dans le temps, Mark Trent, et dans les années soixante-dix associé à un représentant de la génération Métal Hurlant, Jean-Pierre Dionnet, aux commandes de Tiriel. N’anticipons pas.

17Il faut se rappeler combien, malgré tout, la bande dessinée française a pris du retard face à l’explosion des comics américains : on l’a vu, hormis chez Saint-Ogan ou Pellos, les innovations graphiques ont été ignorées ou abandonnées. On s’est retrouvé près d’un retour à la simple illustration, alors que les créateurs d’outre-Atlantique inventaient toute la grammaire et la syntaxe de la bande dessinée moderne. Après les premiers comic strips et family strips, l’aventure et la SF ont investi de plein pied les pages des quotidiens, avant de déferler dans les illustrés d’avant-guerre. La maigre bande dessinée française est alors d’un coup démodée. En 1938, Robert Velter (1909–1991) dit Rob-Vel a certes inventé Spirou — mais de l’autre côté de la frontière belge ! On retiendra néanmoins des épisodes farfelus (et totalement inédits en albums de nos jours), parus en 1943 avant l’interdiction du journal Spirou par les Allemands : Spirou sur la planète Zigomus ou L’homme invisible.

  • 20 Aux USA au même moment (1948) le psychiatre Fredric Wertham entreprend de développer sa campagne co (...)
  • 21 Sadoul J., Op. cit., p. 67.
  • 22 Car c’est bel et bien de cela qu’il s’agit, puisque le ministre de l’Intérieur s’y donne tous pouvo (...)

18À la libération, un énorme creux se crée : les Américains ont disparu durant des années, et les dessinateurs français survivants, à l’exception notable de Poïvet, se donnent beaucoup de mal pour les imiter. La loi du 16 juillet 1949 “sur les publications destinées à la jeunesse” va mettre les séries américaines à genoux20 en arguant de tous les prétextes : ceux qui y voient à juste titre l’alliance “de la faucille et du goupillon”, comme Jacques Sadoul, citent des argumentaires délirants (“Mandrake parce que sa magie était irrationnelle, le Fantôme parce qu’il était masqué […], Luc Bradefer parce que sa fiancée avait trop de poitrine, etc.21”). Toujours est-il qu’un texte destiné à protéger la jeunesse des images de la violence agit comme une véritable exécution pour les bandes américaines. Mais la bande dessinée française n’en profite quasi pas : en premier lieu elle est soumise au même diktat et redoute la censure22, ensuite Spirou est désormais bien là et se voit même accompagné désormais dès 1946 (1948 pour l’édition française) d’un autre météore belge dans le ciel de la bande dessinée francophone : Le Journal de Tintin — les belges occupent le terrain… Survivent Le journal de Mickey, Coq hardi de Marijac, et Vaillant (heureux, PC oblige, de la raréfaction des bandes américaines — mais n’hésitant pas à verser dans l’imitation de Disney, de Hal Foster, d’Alex Raymond). Néanmoins, il serait faux d’imaginer un morne désert jusqu’à la création de Pilote : les quotidiens comme France-Soir (dès 1950) publient des bandes dessinées, le public peut suivre, de nouveaux auteurs travailler. Mais à nouveau, elles seront souvent esthétiquement dépassées : les fameuses bandes verticales de France-Soir, copiées par nombre de quotidiens (y compris en Belgique), proposent toujours des vignettes sous-titrées ! (Et des séries historiques très comme il faut, scénarisées par Alain Decaux ou Juliette Benzoni.) C’est enfin et principalement l’âge d’or des agences de presse : relire des pages de quotidien d’alors, c’est tomber sans cesse sur les logos du King Features ou d’Opera Mundi.

19Pour ce qui nous occupe, Mon Journal publie Pellos en 1946 : Atomas, sur un scénario de Robert Charroux ! Un Raymond Cazanave (1893–1961) publie Le Mystère de l’atome 1 en Belgique, dans Wrill en 1946. Ce dernier titre semble d’ailleurs avoir fait office de base de repli pour nombre de dessinateurs français : publié à Liège par l’éditeur Gordinne, il accueillit outre Cazanave (et parmi d’autres) Le Rallic, Pinchon ou Marijac. On ne peut passer sous silence Kaza le Martien de Kline : Roger Chevallier (1921– ) publie cette bande inspirée d’Alex Raymond en Belgique dans OK, l’hebdomadaire de la jeunesse (Albert Uderzo y donne Belloy) entre 1946 et 1948 : un savant terrien, sa fille et son assistant font le voyage de Mars. Ils rencontrent Kaza, prince et souverain légitime de la planète, laquelle est sous la coupe du tyran Agold. On reconquiert, on libère, on rencontre différentes races de Martiens… Il y a quand même un petit air de déjà vu.

  • 23 Bien entendu cette filiation remonte bien au-delà : il s’agit d’un réalisme virtuose qui doit beauc (...)
  • 24 Pour ce qui est des aventures proches du space opera, avec extraterrestres et ennemis maléfiques, G (...)

20Parmi les auteurs neufs figure Paul Gillon (1926– ). Si l’on relit le Poïvet de Mark Trent, par exemple, on sent chez Gillon une filiation graphique assez évidente, qui se transmettra à quelqu’un tel que Gigi23. Débutant dans Vaillant (1948), passant lui aussi par France-Soir (1959) ou Le journal de Mickey (1961), il sera encore récemment présent chez Dupuis ou chez Glénat. Mais Paul Gillon est surtout l’auteur (avec pour le début Jean-Claude Forest au scénario, un temps sous le pseudonyme de Jean-Claude Valherbe) des Naufragés du temps, gigantesque space-opera tout à la fois réaliste et baroque, aux héros tourmentés. Chris et Valérie sont mis en hibernation dans des capsules confiées au plus profond de l’espace, ultimes recours d’une espèce humaine menacée par la maladie. On les perd, on les retrouve, mais pas ensemble : Chris n’aura de cesse de chercher Valérie, pour inévitablement la reperdre. Entre la scientifique Mara, l’ambiguë et parfois incohérente Quinine, le mafieux Tapir ou le savant déjanté Saravone Léobart, sans compter les Trasses, ces rats aliens intelligents, c’est tout un univers insolite et mortel que peint Gillon. Le parcours de la série est tout aussi heurté : née dans Chouchou en 1964, reprise dans France-Soir en 1974, publiée en albums d’abord par Hachette, puis terminée aux Humanoïdes Associés, sans compter Glénat qui réédite l’intégrale en 2008–2009… Les dix tomes sont devenus l’un des classiques de la science-fiction française en bande dessinée24. La Survivante (1985 à 1991) est un autre cycle de science-fiction de l’auteur, histoire d’héroïne bien mise en valeur par ses formes, y compris aux yeux de certains robots, dans un monde post-cataclysmique. On peut y voir, comme l’affirmait l’éditeur, une parabole sur la déshumanisation du monde.

  • 25 Malgré les atouts de Jane Fonda, il n’est pas indispensable de voir le film de Roger Vadim, même si (...)

21Le compère de Gillon, Jean-Claude Forest (1930–1998), est un autre débutant de l’après-guerre qui donnera une œuvre remarquable. Présent en 1949 dans O.K., il passe lui aussi par Vaillant, dessine un temps Charlot ( !), donne des illustrations à Fiction (dès 1958) et à la collection Le Rayon fantastique. Bien entendu, Forest demeure internationalement connu pour Barbarella (dans V Magazine en 196225), qui exporte la libération sexuelle dans l’univers — y compris chez les anges ! Enfin, le caractère épique qui semblait alors une constante du space-opera se voit dynamité à travers l’esthétique pop et se transforme en une sorte de grand jeu qui n’a de sens qu’au travers des désirs du personnage principal. La peu farouche héroïne sera récurrente chez son auteur (quatre albums en ajoutant Les Colères du mange-minute en 1974, Le Semble Lune en 1977 et Le Miroir aux tempêtes en 1982, repris par Daniel Billon), jusqu’à intervenir dans des récits dont elle n’est pas le personnage principal (Mystérieuse : matin, midi et soir, commencée dans Pif Gadget en 1971 — complexe et originale adaptation planétaire de L’Île mystérieuse de Verne, d’une grande liberté narrative et graphique, peut-être l’œuvre majeure de Forest, qui permet en tout cas des décryptages divers — Barbarella y campe un avatar du Capitaine Nemo). Citons également les aventures d’Hypocrite, Bébé Cyanure, le scénario pour Ici Même de Tardi dans (À Suivre), enfin toujours chez Casterman La Jonque fantôme vue de l’orchestre et Enfants c’est l’Hydragon qui passe, récits à la fois graphiquement remarquables et littérairement très écrits.

  • 26 Moliterni Cl. (sous la direction de), Histoire Mondiale de la Bande Dessinée, Paris : Pierre Horay (...)

22Avec Gillon et Forest, on peut affirmer que la science-fiction moderne a bel et bien pris pied dans la bande dessinée française. Quelques années suffiront pour voir apparaître la série qui tient lieu désormais de référence : Valérian et Laureline. Mais on l’a vu, historiquement jamais la SF ne fut bien loin, y compris dans cette période de l’après-guerre pour laquelle Édouard François, qui signe une partie de l’article consacré à la France dans l’Histoire Mondiale de la Bande Dessinée, affirme avoir « recensé (…) soixante-quatre bandes de S.F. entre 1944 et 1950 uniquement dues à des dessinateurs français »26.

5. Petits formats et rébellion : d’Artima à Pilote

  • 27 Après-guerre, les périodiques grands formats distribués en kiosque se font rares. C’est le début de (...)

23En 1949, Gillon met le pied à l’étrier au jeune Pierre Dupuis (1929–2004) qui entre aux éditions Vaillant et débute peu après avec des séries d’aventure dans 34 Caméra, autre publication du PC. Dupuis va beaucoup travailler dans le créneau de ce que certains nomment la “BD de kiosque”, entendons les petits formats27 : dès 1950 il donne Aigle noir dans Gong, revue des éditions Élan. Il remplace Gillon sur quelques planches de Fils de Chine dans Vaillant en 1952 et donne également des Oncle Paul à Spirou (trente-cinq récits sur scénarios de Charlier ou Goscinny). Mais il mérite d’être signalé ici pour Les Pirates de l’infini (dans Zorro l’invincible à partir de 1952) et particulièrement Titan (ou Commandant Titan) en 1963–1964 dans le fascicule du même nom, bandes que Glénat rééditera vers 1977. En 1970, pour Ventillard, il crée La Sphère noire dans Le Hérisson, et sera également l’adaptateur français sous forme romancée du fumetto italien Diabolik. Enfin, Kronos sort chez Dargaud au début des années quatre-vingt : post-apocalyptique, vaisseaux spatiaux, mutants, survivants — Dupuis s’est peut-être souvenu de Gillon, mais hélas faiblesses de scénario et enchaînement de combats exécutent trop rapidement ce qui aurait pu ici émerger d’original. Pierre Dupuis fut une sorte de mercenaire du dessin, alternant les commandes pour une encyclopédie en bande dessinée, de la publicité médicale pour Roche ou l’histoire des jeux olympiques pour le CIO.

  • 28 On y ajoutera des titres et des héros tels que Atome Kid (série catalane d’origine), Ray Comet, Sid (...)
  • 29 Sur Météor, Alain Dartevelle a donné une étude très fouillée, issue d’un travail universitaire réal (...)

24Il serait injuste, alors que nous venons d’aborder les petits formats, de passer sous silence parmi un certain nombre de titres de pure science-fiction les bandes des Niçois Raoul et Robert Giordan28. Le premier surtout (1926– ), après avoir donné dans l’aventure classique avec son frère (Audax, Ardan), se lance dans le récit épique interstellaire : ce sera Météor, les Conquérants de l’Espace, conçu avec l’aide du scénariste Lortac (Robert Collard, 1884–1973). La maison Artima de Tourcoing, qui inaugure un nouveau format en 1952, accueille dès 1953 le docteur Spencer et ses assistants Spade et Texas : leur vaisseau spatial (la Space Girl) voyage de monde en monde en découvrant de nouvelles formes de vie et d’étranges civilisations, proche des Pionniers de l’Espérance de Poïvet, mais à nouveau tout autant de l’Enterprise de Star Trek ! L’aventure durera jusqu’en 1964, Giordan dessinant encore quelques histoires sans rapport avec son trio favori, jusqu’en 1967. Nombre d’adolescents des années cinquante et soixante ont été nourris par cette série, même si tous ne l’avoueraient pas. Elle était inégale, souvent paternaliste et convenue, quoique ses épisodes tardifs n’hésitent pas à aborder des thématiques plus matures, dénonçant technocratie et vie policée. Mais on se souvient encore de la description souvent baroque des formes de vie exotiques sous le pinceau de Giordan, et tant Druillet que Moebius ou Caza ont exprimé leur dette envers cette série. Il se dit que Raoul Giordan a dû dessiner dans les 5600 planches (rien que pour Météor, à peu près cent-cinquante fascicules de 32 pages !). De nos jours, retiré dans le sud, il peint29 ! On peut pointer un bref retour dans le domaine dessiné avec Space Gordon, publié en 1993 chez Lefrancq, sur scénario d’André-Paul Duchateau. Giordan fut enfin reconnu “institutionnellement” en 1990, lorsque la Maison d’Ailleurs consacra une exposition aux productions de la maison Artima. Quant à celle-ci, après avoir produit plus de vingt publications mensuelles vers 1955, elle devient en 1961 un département des Presses de la Cité, et s’oriente d’une part vers les adaptations maison (Madame Atomos, Coplan, OSS117…) et d’autre part vers les séries américaines (Hallucination, Sidéral…) Parmi les petits formats, signalons enfin chez Impéria la création en 1958 d’un super-héros à la française avec Super Boy (rien à voir avec Superman !) de Félix Molinari (1931– ).

25En 1952, le Français Jacques Martin (1921–2010), immortel créateur d’Alix l’intrépide, crée le journaliste Guy Lefranc (La Grande Menace), personnage très jacobsien dont les aventures comporteront souvent au moins des éléments d’anticipation (on peut effectuer une analyse en parallèle, tant stylistique que scénaristique, des premiers Lefranc et des Blake et Mortimer de Jacobs). Au même moment, à peu de choses près, soit le début des années cinquante, apparaît le petit-fils du créateur des Pieds Nickelés, Louis Forton. Gérald Forton naît à Bruxelles (1931– ), mais accomplit ses études aux Beaux-Arts de Paris. Dès 1950, il signe des récits complets dans 34 Caméra. Il aligne nombre de séries essentiellement d’aventures, mais qui flirtent régulièrement avec des éléments d’anticipation ou de science-fiction (mondes perdus, civilisations disparues…) — tout en illustrant également les aventures de Thierry la Fronde ! S’il est l’un des meilleurs traducteurs visuels, avec son style réaliste et sa patte énergique, de l’univers de Bob Morane (quatorze épisodes à partir de 1962), on ne saurait négliger Kim Devil (1953–1956 dans Spirou, avec Charlier) ou Alain Cardan, “citoyen de l’espace” (1957–1960 dans Risque-Tout puis Spirou, avec Yvan Delporte).

  • 30 Dayez H., « Les aventures d’un journal : no 866, 18 novembre 1954, 17e année », in Spirou, 3761, 12 (...)
  • 31 Par Dupuis.
  • 32 Fondateur de l’agence World Press, qui fut un temps le principal fournisseur de bandes réalistes po (...)

26À ce stade de notre histoire, où publient les auteurs français ? Hormis l’école Vaillant, on voit les petits formats d’Artima et consorts tenir le haut du pavé, si l’on excepte les bandes des quotidiens, et beaucoup de dessinateurs travaillent en Belgique : dans Spirou, Wrill ou Tintin. Mais, au moins par le principal pourvoyeur de ce début des années cinquante, à savoir Dupuis, ils ne sont pas toujours très bien traités — à tel point qu’on peut sans trop s’avancer voir les prémices du renouveau de la bande dessinée française dans une querelle syndicale entre auteurs et éditeur. Le critique belge Hugues Dayez a récemment résumé cet épisode (dans nul autre endroit que… Spirou !30) : « Fatigués de se faire traiter comme des larbins31, Goscinny, Uderzo et Jean-Michel Charlier réuniront en 1955 de nombreux auteurs de BD pour élaborer une charte pour défendre leurs droits d’auteur face aux éditeurs alors tout-puissants. Mais deux signataires de la charte vendront la mèche à Troisfontaines32, qui vire Goscinny sur le champ. Uderzo se souvient : “Troisfontaines adressera à René textuellement cette phrase que je n’oublierai jamais : « Alors qu’Uderzo trouvera toujours du travail, pour toi ce sera fini ! »” On connaît la suite : Goscinny et Uderzo créeront Astérix dans Pilote. Et les frères Dupuis ont manqué de flair comme jamais face à cet illustre tandem de la bande dessinée ! ». Pilote, 1959 : une naissance due à un conflit syndical… Pour notre corpus, Pilote marque le début de l’emballement — tant au sens d’un intérêt manifeste et parfois débridé envers la science-fiction, qu’au sens de l’accélération et du volume qui caractériseront parfois l’apparition des séries.

6. Années soixante : bédéphilie, yéyé et surréalisme

  • 33 Strinati P., « Bandes dessinées et science-fiction. L’âge d’or en France (1934–1940) », in Fiction, (...)

27L’articulation des années cinquante et soixante ainsi que la période postérieure offrent une certaine difficulté lorsqu’il s’agit de travailler dans l’esprit d’une mise en perspective historique : le recul critique n’apparaît que peu à peu — et la masse d’œuvres à analyser tendrait à faire de l’essai en cours une simple liste de références bibliographiques. On ne prétendra donc pas ici à l’exhaustivité. Outre l’importance de l’apparition de l’hebdomadaire d’Astérix, la multiplication des approches enfin réfléchies de l’objet artistique “bande dessinée” (groupes, clubs, revues critiques — on y reviendra…) offrent au genre un début de respectabilité, et un article important, quoique succinct, du critique suisse Pierre Strinati vient signer dans Fiction en 1961 les noces officielles de la science-fiction et de la bande dessinée33, en même temps sans doute que les débuts de la “bédéphilie”.

28Toujours est-il qu’il semble on ne peut plus cohérent de situer en 1959 l’acte de naissance de la bande dessinée moderne : des titres de la mouvance novatrice tels que Chouchou ou V Magazine, déjà cités, naîtront après Pilote, leurs œuvres phares datant de 1962 pour Barbarella et 1964 pour Les Naufragés du temps. Par ailleurs, l’union du dessin et de l’espace-temps qui vient d’être évoquée affiche son évidence au moment où la science-fiction américaine romanesque déferle grâce à la génération des Vian et Pilotin. Ce n’est évidemment pas un hasard si de grands dessinateurs (on songe à Forest, mais également à Druillet, puis à Auclair) seront tout à la fois partie prenante de la nouvelle bande dessinée et illustrateurs des revues et éditeurs de la jeune science-fiction littéraire.

  • 34 En bande dessinée du moins : L’homme du xxie siècle — car ce pseudonyme signe déjà des illustration (...)

29Pilote et Hara-Kiri sont pratiquement contemporains (le second naît en 1960 autour de François Cavanna, Georges Bernier — alias le Professeur Choron — et Fred), et la presse de bande dessinée (on commence à ne plus parler d’“illustrés”) se transforme. Hara-Kiri se montre dès le départ le plus satirique, voire cynique : il sera de suite, en partie pour ces raisons, le support d’une bande dessinée aux préoccupations résolument “adultes”, ainsi que l’un des chaudrons de la pensée dite “de 1968”. Fred (Frédéric Othon Théodore Aristidès, 1931– ) y produit son génial Petit cirque ainsi que le Manu-Manu, Jean Giraud y fait débuter en mai 1963 son avatar Moebius34.

30Les petits formats se standardisent et vont très rapidement s’assécher pour ce qui est de leur qualité : les créateurs français laissent la place, majoritairement, à des bandes italiennes et espagnoles. En 1968, Vaillant devient Pif-Gadget, annonçant le lent déclin du titre et de son contenu. Pour autant, les tentatives de donner un support à la bande dessinée adulte ne sont pas toutes couronnées de succès : grand précurseur, Chouchou ne dure que quelques mois (novembre 1964 à mai 1965), sous la houlette conjointe de Jean-Claude Forest et de Rémo Forlani. Daniel Filipacchi, son éditeur (rappelons que Chouchou est la mascotte de Salut les Copains), le délaisse rapidement, occupé alors par SLC, Les Cahiers du Cinéma ou Jazz-Magazine. Quant à V Magazine, il est plutôt axé “charme”, mêlant récits en images, photos ou romans-feuilletons. L’époque voit aussi, rappelons-le, se structurer l’intérêt alors épars ou mitigé envers la bande dessinée : Forest (encore lui) et ses amis du Club des Bandes Dessinées (CBD) éditent la revue Giff-Wiff, première tentative de publier des études consacrées aux petits mickeys ! Encore très proches du fandom, ces premiers essayistes en connaissent les disputes et les scissions : du CBD naît la SOCERLID, qui édite Phénix et organise en 1967 l’exposition du Musée des Arts Décoratifs, Bande dessinée et figuration narrative. Si ces tentatives demeurent en définitive bien trop proches de la simple hagiographie et bien trop éloignées d’une approche réellement critique et scientifique, elles n’en demeurent pas moins des témoignages évidents du tournant de ces années, qui voient naître une perception différente de la bande dessinée. Celle-ci a délaissé les illustrés d’avant-guerre et commence à se publier directement en albums : Éric Losfeld révèle Philippe Druillet (Lone Sloane : Le Mystère des Abîmes, 1966), publie la Saga de Xam de Nicolas Devil (1967) ou les albums pop art du Belge Guy Pellaert, Les Aventures de Jodelle (1967) et Pravda la survireuse (1968) — tous titres liés à la science-fiction, qui persiste à partager le sort et l’évolution de la bande dessinée. Les congrès, enfin, vont apparaître : Lucca en Italie (1965), puis Toulouse et Angoulême en France. La science-fiction romanesque attendra les années 70 pour voir apparaître ses conventions.

31On quittera Chouchou en signalant que c’est ce titre qui offre en 1964–1965 ce qui est sans doute la première œuvre majeure d’un dessinateur jouissif mais controversé, Georges Pichard (1920–2003). Avec Jacques Lob (1932–1990), il crée une histoire de candidat-dictateur graphiquement fort influencée par l’Art Nouveau : Ténébrax. Il rêve comme tous les apprentis maîtres du monde de dominer la Terre, mais commence petit : on dominera d’abord le sous-sol parisien à l’aide d’une armée de rats mutants… En 1967, c’est V Magazine qui accueille Blanche Épiphanie, l’un des plus beaux hommages au roman populaire du siècle précédent, dont la science-fiction est également issue : la jeune orpheline, le banquier véreux, et surtout le justicier Défendar équipé de son vélocipède. Toujours avec Lob, Pichard donne Submerman, son “homme de l’Atlantide” sans Patrick Duffy (mais avec le Commandant Goujon !) dans Pilote en 1967–1970, et surtout son Ulysse, immense relecture science-fictionnesque de l’Odyssée respectant Homère quasi à la lettre tout en privilégiant bien entendu les héroïnes bien en formes. Cette belle adaptation est parue tout d’abord en Italie dans Linus, puis en France dans Charlie Mensuel, en 1969–1971. Toute l’œuvre de Pichard est farcie d’éléments de science-fiction, même les bandes de sa part plus spécifiquement érotique, comme la Paulette qu’il crée entre 1970 et 1976 avec un autre Georges, Wolinski (1934– ).

32Quant à V Magazine, on ne saurait le quitter sans mentionner Robert Gigi (1926–2007), élève de Poïvet, qui en 1965 y lance avec Claude Moliterni (1932–2009) Scarlett Dream, digne émule des héroïnes de l’époque, James Bond Girl plutôt sexy qui évolue dans un univers référencé science-fiction, affrontant savant machiavélique et femme cruelle. La série paraîtra en albums chez Dargaud, et c’est dans Pilote que Gigi donne l’une de ses grandes œuvres sur des scénarios de Lob : la série documentaire sur les OVNI, entre 1969 et 1973 (trois albums : Le dossier des soucoupes volantes, 1972, Ceux venus d’ailleurs, 1973, et OVNI, dimension autre, 1975). Gigi et Moliterni travaillent plusieurs fois ensemble, publiant d’abord en Italie (dans le Corriere dei Piccoli) puis en France (dans Phénix, en albums chez Dargaud) Orion, le laveur de planètes ou Agar, qui connut trois volumes dans un univers plus onirique que technique, malgré ses combats face à un savant fou et ses robots (on songe parfois au Little Nemo de McCay). Le sens de la composition et du décor de Gigi y font merveille, même si le récit ne surprend guère par son originalité. L’œuvre maîtresse de Gigi, hors du domaine ici abordé, demeure Ugaki, aventures d’un ronîn dans un Japon médiéval remarquablement documenté et rendu.

33Le 28 mars 1965, Vaillant ouvre ses pages à l’absurde et au surréalisme en accueillant Les Aventures potagères du concombre masqué de Nikita Mandryka (1940– ), qui signe alors Kalkus, entre autres pseudonymes. Nous sommes à la frontière du monde, là où on regarde pousser les cailloux et où TNT, l’un des compagnons du cucurbitacé philosophe, se fiance à une nommée Glycérine ! Si les élucubrations langagières du Concombre relèvent d’une tradition bien française, Mandryka ne peut nier combien son délire graphique doit à l’influence de Herriman (Krazy Kat). Symbole peut-être du passage du témoin dans l’univers des supports de bande dessinée, les aventures zen du Concombre passeront de Vaillant à Pilote avec leur auteur, en 1967. Fred, que nous avons croisé dans Hara-Kiri, rejoint également Pilote avec Philémon, dont les premières errances débutent en juillet 1965, dans un univers parallèle, onirique et merveilleux, qui n’est autre que celui des lettres formant sur un atlas les mots “Océan Atlantique” ! Avec l’âne Anatole, Philémon passe d’île en île (de lettre en lettre) au gré de planches inventives qui forment autant de jeux sur les codes visuels et narratifs de la bande dessinée : les quinze albums au long desquels Philémon dérive sont devenus autant de classiques. De Fred, on devrait tout lire — retenons encore Le petit cirque, Magic palace hôtel ou ses scénarios pour Alexis (Dominique Vallet, 1946–1977) comme Timoléon et Stanislas.

  • 35 Lequel a déjà dessiné le héros de Henri Vernes dans Femmes d’aujourd’hui, entre autres Bob Morane e (...)

34Sans doute Pilote ne célèbre-t-il pas de suite l’importance de la science-fiction moderne : ses premières années seront celles d’Astérix, de Tanguy et Laverdure, de Barbe-Rouge, d’Achille Talon ou de Blueberry, sans oublier les Dingodossiers de Marcel Gotlib et René Goscinny (plus tard, dans La Rubrique-à-Brac, Gotlib offrira de délicieuses planches consacrées aux poncifs de la SF classique). Pourtant, en 1965, voici Bob Morane dessiné par Forton35 — et d’office une pincée de voyage dans le temps, puisqu’il s’agit des Chasseurs de dinosaures, rebaptisé La chasse aux dinosaures. Dans Pilote, Forton donnera encore La malédiction de Nosférat en 1967, avant de laisser la main à William Vance. Parmi les auteurs déjà abordés, revenons un instant à ce classique que constitue Raymond Poïvet et à ce Guy Lebleu que lui scénarise Charlier de 1961 à 1966 — on annexera au moins La Cité de la mort, paru en 1965.

7. Time-opera, contestation, apocalypse : de Valérian à Simon du Fleuve

351967 constitue évidemment une année charnière : une série de Pilote va exploser le vieux space opera et dynamiter une bande dessinée de science-fiction française au fond très sage (si l’on ne retient que ses éléments science-fictifs, même une bande telle que Barbarella demeure fort classique) ! Les deux auteurs signent d’abord Linus et Mézi. Leur personnage est agent spatio-temporel. Sa base de repli se nomme Galaxity, elle domine la Terre du xxviiie siècle. Son nom est Valérian. De suite, il est doté d’une copine énergique et contestataire du nom de Laureline. Et il combat toutes les tyrannies, fussent-elles psychiques. La bande dessinée de science-fiction française possède là sa série de référence, enfin créée par deux connaisseurs du genre (particulièrement de la science-fiction romanesque chez le scénariste) qui ne vont pas refaire Buck Rogers ou Flash Gordon. Au dessin : Jean-Claude Mézières. À la plume : Pierre Christin. On ne le sait pas le 9 novembre 1967, mais un mythe est né, qui influencera jusqu’au cinéma.

36Jean-Claude Mézières est né en 1938. Ami de Jean Giraud (1938 également), le jeune Mézières s’inspire aussi de Jijé (les cowboys, axe fondamental de son histoire personnelle). Valérian, agent spatio-temporel (série devenue depuis 2007 Valérian et Laureline) est son unique série : s’il est actif à plus d’un titre, ce sera en dehors de son œuvre phare. Pierre Christin (1938 encore), ami d’enfance, est docteur en littérature comparée. Outre Valérian, il a scénarisé pour Enki Bilal, Annie Goetzinger, Jacques Tardi, François Boucq ou Vern. Également nouvelliste et romancier, il a enseigné le journalisme à Bordeaux. Ces deux compères se sont remarquablement rencontrés, l’inventivité graphique de Mézières venant admirablement illustrer les préoccupations sociales de Christin : si ce dernier met en avant ici une facette plutôt optimiste, voire utopiste, alors qu’il se montre d’une grande noirceur au travers des récits réalisés avec Bilal, Valérian n’est pas pour autant une série simpliste. Elle ne l’est certainement pas au plan narratif (et ce dès le premier épisode, Les mauvais rêves, qui plonge hardiment au cœur de la translation temporelle — jusqu’à la récente conclusion de la série dans L’Ouvre-temps qui manipule franchement la texture de l’espace-temps), et elle ne l’est pas non plus lorsqu’elle aborde les motifs du pouvoir et de son abus, du statut de la femme, du primat (supposé) de l’économie de marché, de la guerre ou de l’écologie. Toutes choses qui paraissent aller de soi dans une bande dessinée contemporaine responsable, mais qui ne couraient pas les vignettes en 1967…

  • 36 Et on ne peut s’empêcher de songer qu’ils l’ont fait, grâce à la bande dessinée, bien avant la créa (...)

37En outre, Mézières et Christin sont ceux qui, avec un succès permanent et malgré une production limitée (trente récits en vingt-trois albums, ceci sur une durée de quarante-trois ans en 2010), ont popularisé la SF, même chez “ceux qui ne l’aiment pas”. Ils ont également modifié les valeurs du space-opera de base : le héros est très peu héroïque, et la narration se montre critique de la société techno-militariste, mais aussi franchement féministe ou écologiste36. Les récits sont partis d’un acquis classique (on songe à Catherine Moore, entre autres pour L’Empire des mille planètes) pour évoluer vers une remise en cause du réel (voir Sur les terres truquées) façon Philip K. Dick, remise en cause qui culmine lorsque les actions des héros précipitent la disparition de leur propre univers de référence. Valérian et Laureline constitue la série mature que la bande dessinée de science-fiction française attendait, et le lecteur ne s’y trompe pas, qui lui assure un véritable triomphe : il y a décidément un avant et un après Valérian !

38Il y a également un avant et un après 1968. Pour Pilote, cette période se traduit par la constitution d’une véritable équipe, aux dépens d’un rédacteur en chef (Goscinny) quelque peu dépassé. Son noyau se constitue autour de créateurs dotés d’une stature solide — et auteurs de science-fiction : Moebius et Druillet. Le début de années soixante-dix voit se cristalliser autour d’eux de nombreuses expériences et de nouvelles directions à choisir pour renouveler les codes de la figuration narrative : le plus souvent, les œuvres qui en surgissent sont des œuvres de science-fiction. Aux côtés de Valérian et des OVNI de Lob et Gigi, Claude Auclair décrit un monde post-apocalyptique, Druillet dresse ses baroques architectures cosmiques, l’heroïc fantasy apparaît dans Thorkaël de Loro et de Beketch, on voit passer l’Hypocrite de Forest, Comès débute avec Ergün l’errant, Solé et Dionnet font vivre Jean Cyriaque, Christin initie ses Légendes d’aujourd’hui avec Jacques Tardi, qui revient très vite en offrant l’univers steampunk avant la lettre de Brindavoine, et propose son étonnante variation du style des illustrations Hetzel avec l’album Le Démon des glaces (1974). Apothéose avant l’éclatement : un numéro spécial “science-fiction”, en juin 1975, sous une couverture “monstrueuse” de Bilal. Au sommaire, des récits complets et quelques nouvelles, sous les signatures de Bilal, Solé, Caza, Lesueur, Druillet, Ribera ou Remohi. Bon nombre de ceux-là seront de l’aventure Métal Hurlant. Un autre numéro hors-série “science-fiction” de Pilote paraîtra en avril 1977, rassemblant à peu près les mêmes signatures, ainsi que Lauzier, Puig, Loro ou Fred.

  • 37 Frémion Y., Op. cit., p. 113.

39Claude Auclair (1943–1990), comme naguère Jean-Claude Forest, Moebius ou Druillet, est passé par les illustrations données aux éditions Opta (entre autres pour Fiction). Giraud/Moebius le remarque et lui ouvre les pages de l’hebdomadaire de Dargaud en 1970 : c’est Jason Muller, dont Giraud assure le scénario avant de passer la main à Christin. Auclair vole bientôt seul aux commandes, mais la série ne convainc guère Goscinny (un album paraîtra aux Humanoïdes Associés). Après quelques autres travaux avec Greg ou Jacques Acar, c’est dans Tintin que se déploie le talent d’Auclair, avec une autre série post-apocalyptique dont le premier volume démarque Jean Giono : Simon du Fleuve. Alors que Jason Muller hésitait à restaurer la civilisation défunte, les aventures de Simon se dirigent plus clairement vers un autre choix, celui de construire autre chose sur les ruines du monde qui a failli. Auclair marche ici dans les mêmes traces qu’un écrivain tel que Jean-Pierre Andrevon. Même si on a pu lire chez lui de très nettes tendances au mysticisme plutôt qu’une réflexion réaliste, cette propension à l’utopie demeure présente dans l’œuvre ultérieure du dessinateur, que ce soit son approche du monde celte ou sa vision de l’esclavagisme : Claude Auclair fut un pur enfant de 1968 ! On notera enfin chez lui la place particulière offerte à la femme, complexe et originale pour la période d’édition, si on excepte Laureline. Yves Frémion a résumé Claude Auclair en quelques mots : « Une œuvre peu abondante, réfléchie, informée, au graphisme lent et pesé, un auteur discret, paisible, mais important »37.

8. Druillet le baroque, Caza le maître des couleurs

40Philippe Druillet (1944– ) déboule dans la bande dessinée directement par un album : le premier Lone Sloane, Le Mystère des abîmes, paraît dès 1966 chez Éric Losfeld. Vagabond du cosmos, Sloane recherche la Terre, motif assez bateau en science-fiction romanesque. Druillet va en faire un archétype qui n’hésite pas à mélanger les genres (sorcières, démons, dieux déchus : nous ne sommes pas loin de Howard Phillips Lovecraft, que le dessinateur a illustré, non plus que de la Shambleau de Catherine Moore ou du multivers de Michael Moorcock — que Druillet illustrera également, jusqu’à l’intégrer à son propre univers). C’est en 1970, lors de la parution des Six Voyages de Lone Sloane dans Pilote, que l’on perçoit toute l’ambition des œuvres de Philippe Druillet : à travers lui, la bande dessinée est découpée et restructurée, offrant une profusion de planches dont les vignettes elles-mêmes participent des architectures cosmiques qu’elles illustrent. La narration, son style comme ses ressorts, éclate pareillement et l’ensemble verse dans la démesure d’un monde visuel organisé en une vaste mise en scène (Druillet tâtera de la scénographie — voir la série télévisée Les Rois maudits, version 2005). Il ne s’agit plus uniquement de science-fiction, de fantasy, de space-opera. Druillet devient du jour au lendemain l’un des plus grands illustrateurs, certaines de ses planches renonçant totalement à la grille des vignettes familières, comme l’un des grands créateurs d’univers mélangeant les genres. En 1972, Délirius (sur scénario de Lob) sera la dernière histoire un peu classique de Lone Sloane. Désormais, Druillet mise tout le visuel, mélange habilement les genres littéraires (sa version de Salammbô qui lorgne vers Elric le Nécromancien — héros de Moorcock qu’il a illustré en 1971) et, ce qui est sans doute moins artistique et plus commercial, intègre résolument le marché de l’art, à l’image future d’un Bilal. Il faut tout connaître de ses œuvres : on citera encore Vuzz, Yragaël ou la fin des temps (avec Michel Demuth), La Nuit, Gail ou Nosferatu. Il est revenu à Lone Sloane pour un tome intitulé Chaos, en juillet 2000.

41En feuilletant Pilote, il serait impardonnable de ne pas citer l’étonnant Sergent Laterreur de Touys et Gérald Frydman (belge, né en 1942), au graphisme plutôt pop qui fourmille d’onomatopées et de hurlements semblant prendre vie. Est-ce un hasard ? Tant le dessinateur (Vivian Miessen pour l’état-civil, né en 1940) que le scénariste ont travaillé pour le cinéma d’animation. Miessen travaillera sur des Astérix ainsi que pour Picha, alors que Frydman enchaîne les courts métrages personnels (Scarabus, Agulana) dont l’un, Le cheval de fer, recevra une Palme d’Or en 1984. En 1969, Christian Godard (1932– ), dessinateur et scénariste (La Jungle en folie pour Mic Delinx, Martin Milan, Le Vagabond des limbes pour Ribera), offre dans l’un de ses Norbert & Kari un récit d’enfants organisés en une micro-société excluant les adultes, qui fait immanquablement songer au Seigneur des mouches de William Golding (Le Royaume d’Astap).

42Gébé (Georges Blondeaux, 1929–2004) a été dessinateur industriel avant de rejoindre les amuseurs décalés de Hara-Kiri puis de Charlie-Hebdo. Auteur de nombreux albums, de romans-photo, de sketches, de chansons, de nouvelles et de romans, il mérite une place ici pour L’an 01, pamphlet post-soixante-huitard radical paru en 1970 (écologie, vie en communauté et amour libre, refus de l’autorité, de la propriété, du travail…) : c’est une utopie par rejet et abandon — le productivisme effréné laissant la place à la maxime « on arrête tout ! » (et c’est pas triste). Il s’agit d’une petite merveille de vie et de drôlerie. En 1973, l’album de Gébé voit émerger une version filmée, co-réalisée par Alain Resnais, Jacques Doillon, Jean Rouch et Gébé lui-même, et qui rassemble l’équipe de Hara-Kiri, mais aussi toute la bande du Splendid et des comédiens bien barrés tels que Daniel Prévost.

43En 1970, Philippe Cazaumayou, dit Caza (1941– ) publie chez Losfeld une bande très influencée par le psychédélisme et le pop art, au travers d’auteurs tels que Guy Pellaert : Kris Kool. Très rapidement, Caza deviendra une référence en matière d’illustration, surtout pour les lecteurs qui suivent les publications de la maison Opta, et plus tard de J’ai Lu. Ses couvertures pour Abraham Merritt, Catherine Moore ou Leigh Brackett ont marqué les lecteurs de science-fiction. Dans Pilote, il crée ses Scènes de la vie de banlieue, satire de la vie moderne et du décalage des réalités qui dépassent l’entendement du français moyen. Dargaud et les Humanoïdes Associés l’accueillent tout à tour, pour des titres tels que Arkhè, Zodiaque, Mémoire des écumes ou Laïlah. À partir de 1989, les « Humanos » publient Le monde d’Arkadi, sa plus longue série à ce jour, qui décrit une Terre qui ne tourne plus. Arkadi y mène une quête à mi-chemin de la science et de la mythologie. Caza est devenu un maître de la couleur, et le propriétaire d’un style à nul autre pareil. Il a collaboré avec René Laloux pour Gandahar, d’après le roman de Jean-Pierre Andrevon, et a été le concepteur graphique de l’adaptation par Philippe Leclerc d’un roman de Serge Brussolo, sous le titre Les Enfants de la pluie. Son style s’est remarquablement coulé dans cette histoire de lutte entre les peuples de l’eau et du feu, Les Pyross et les Hydross. Un de ses recueils d’illustrations (1994, La Sirène) s’intitule De métal et de chair, et ce titre résume à merveille ses préoccupations.

9. Giraud/Moebius, Métal Hurlant, la crise des périodiques

  • 38 Voir l’essai/entretien de Numa Sadoul, Mister Moebius et docteur Gir, Paris : Albin Michel, 1976.
  • 39 Finet N., « Les Maîtres des autres mondes », in Groensteen Th . (sous la direction de), Maîtres de (...)

44Lorsque l’on aborde la part science-fiction de Jean Henri Gaston Giraud (1938– ) qui s’abrite ici sous le pseudonyme de Moebius, on ne peut éviter une courte évocation de son autre incarnation, Gir, le dessinateur de l’ouest américain, ancien élève de Jijé et co-créateur de Blueberry. Car c’est bien ce travail (déjà remarquable) qui a offert à Moebius l’extraordinaire virtuosité faisant de lui un auteur tout aussi particulier qu’un Druillet, un Bilal ou un Tardi. Giraud/Moebius voit son talent et son inspiration éclater avec cette nouvelle bande dessinée des années soixante-dix, que nous sommes occupé à évoquer38. Maître du trait, il se révèle adepte du récit décalé — Moebius n’est pas né pour rien au sein de Hara-Kiri — et offre une suite de petits chefs-d’œuvre avec Le Bandard fou (Éditons du Fromage, 1974), Arzach (1976), John Watercolor et sa redingote qui tue ! (1976), Cauchemar blanc (1977), L’Homme est-il bon ? (1977) ou Les yeux du chat (1978, avec Alejandro Jodorowsky). Peut-être pourrait-on situer le passage du témoin entre Gir et Moebius dans un récit complet de sept planches : La Déviation, une histoire délirante d’un immense baroque graphique, parue dans Pilote en janvier 1973. C’est l’avis de Nicolas Finet : « C’est avec cette histoire que Jean Giraud (…) accomplit sa mue et devient Moebius. Il inaugure un style radicalement différent, caractérisé par la finesse du trait de plume et le jeu entre les hachures et les points, qui semble hérité des graveurs anciens. Cette histoire qui commence dans le quotidien (Les Giraud partent pour l’île de Ré) et dérape dans le fantastique est emblématique aussi de l’ouverture à un nouvel imaginaire »39.

  • 40 Frémion Y., Op. cit., p. 83

45Le premier grand choc signé Moebius n’est autre que Arzach, bande sans le moindre dialogue dont le titre même ne cesse de varier. Selon Yves Frémion40, « (Arzach) a été construit au fur et à mesure (…) c’est la narration pure, l’enchaînement des histoires créant l’histoire et non le contraire. Cette manière de placer au premier rang, dans la pratique, la narration, avant le graphisme (comme c’était devenu la manie alors) ou le scénario (comme avant 68) va changer la façon de concevoir les BD. » Moebius rencontre alors Alejandro Jodorowsky (né en 1929) pour une première tentative d’adaptation cinématographique du chef-d’œuvre de Frank Herbert, Dune, tentative qui échouera tout en laissant de somptueux dessins préparatoires. Avec l’écrivain et cinéaste, il crée alors John Difool et la saga de l’Incal (à partir de 1981). L’univers de Jodorowsky est un univers mystique, pas très éloigné de celui qu’ont diffusé les anthropologues tels que Carlos Castaneda. Mais il s’agit aussi d’un univers laïc. Moebius y adhère et va très clairement évoluer vers la méditation, la recherche de la sérénité : il épure encore son trait, travaille des couleurs douces, mais dans le même temps envahit l’affiche, les écrans (Dune, Alien et d’autres), la publicité. Depuis la fin des années quatre-vingt-dix, il enchaîne les expositions, ainsi que les récompenses, tant dans le milieu de la bande dessinée que dans la société civile : il est décoré de l’Ordre des Arts et des Lettres par François Mitterrand dès 1985, et octobre 2010 voit l’inauguration de Moebius-Transe-Forme, rétrospective à la Fondation Cartier.

46Petite pause avec un auteur assez peu cité car il ne connut guère d’édition en album. Robert Bressy (1924– ) qui a débuté dans l’animation en 1946 avec Paul Grimaud, entre chez Opera Mundi, pour y rester jusqu’en 1983. En 1974 et 1975, il illustre Les Navigateurs de l’infini (et leur suite Les Astronautes) de Rosny Aîné, dans L’Humanité. Il illustrera également La Mort de la Terre du même auteur.

  • 41 Fondateur de la maison Futuropolis (un petit bonjour à Pellos !), Robial apposera sa marque tant su (...)

47En 1975, après un nombre conséquent, en quantité et en qualité, d’œuvres majeures — et nombre d’essais sous forme de feux d’artifices visuels et narratifs dans Pilote –, la bande dessinée de science-fiction française se dote enfin d’un support totalement consacré à son objet. La “fuite des cerveaux” de Pilote a débuté en mai 1972 avec le trio Brétécher, Gotlib et Mandryka, partis créer L’Écho des Savanes. Cette fois, Moebius et Druillet s’associent en décembre 1974 à Jean-Pierre Dionnet (critique, scénariste, co-créateur des “Enfants du Rock” avec Philippe Manœuvre) et Bernard Farkas pour offrir Métal Hurlant à l’amateur de science-fiction qui n’en espérait pas tant ! Sous le label des Humanoïdes Associés, le magazine et ses créateurs bouleversent d’entrée de jeu les aspects les plus familiers du genre — ou plutôt des genres : à la fois de la bande dessinée et de la science-fiction. Impeccablement maquetté par les soins d’Étienne Robial41, résolument axé sur les meilleurs avatars de la modernité, Métal Hurlant allie à son ancrage science-fictif un humour qui révélera nombre de créateurs, ainsi qu’une violence assumée dans sa représentation et un érotisme qui n’est pas encore perçu uniquement comme un argument commercial. Ce qui naît alors dépasse le simple support de bande dessinée : c’est un univers propre, qui enfonce ses fondations dans les œuvres de ses principaux créateurs, mais qui accueillera directement les jeunes dessinateurs parmi les plus inventifs. La présence de Jean-Pierre Dionnet (et très vite de Philippe Manœuvre comme chroniqueur) provoquera bien entendu l’apparition rapide d’un autre axe déterminant, outre la science-fiction : le rock. Le rapprochement n’est pas inédit : voilà des années, en science-fiction, que les revues littéraires d’Opta chroniquent Pink Floyd, David Bowie ou le rock allemand au même titre que le dernier Asimov. Aujourd’hui encore, mais c’est un autre débat, les destinées du rock et de la science-fiction demeurent souvent sinon liées du moins parallèles : pour la période moderne, les racines, les références, voire les systèmes de production symbolique sont comparables. Et les artistes passent sans heurt d’un univers à l’autre.

  • 42 Lire une belle analyse de l’émergence et de l’importance de Métal Hurlant sur le blog Phylacterium, (...)

48Métal Hurlant rassemble un bouquet de talents que seul, sans doute, (À Suivre) pourra concurrencer. Anciens et jeunes auteurs se mêlent et se répondent inextricablement : Alexis, Lob, Gillon, Forest, Pichard, Mézières, Caza, Mandryka, Bilal ou Tardi, mais également Yves Chaland, Serge Clerc, Luc Cornillon, Frank Margerin, Tramber et Jano. Parmi les chroniqueurs, on relève Daniel Riche, Jean-Luc Fromental, Stan Barets, Philippe Manœuvre ou Jacques Goimard. Un écrivain tel que Jodorowsky impose indéniablement son style, avec Moebius puis d’autres dessinateurs (Juan Gimenez pour La Caste des Métas-Barons, Zoran Janjetov pour Les Technopères, Cadelo pour La Saga d’Alandor, Arno et Covial pour Les Aventures d’Alef-Thau, Georges Bess pour Juan Solo, François Boucq pour Face de Lune (chez Casterman) ou, plus loin de notre sujet, Bouncer… — on recense plus d’une vingtaine de séries signées de son nom, sans compter des albums isolés) : s’il a eu tendance à tirer à la ligne, si son propos mystico-magique n’est pas toujours très clair — voire, dirons certains, semble parfois hésiter entre affabulation et manipulation –, la qualité d’écriture de Jodorowsky offre en général de beaux récits à ses dessinateurs. On ne saurait citer tous les noms qui charpentèrent Métal Hurlant : Ted Benoît, Jean-Claude Denis, Denis Sire, Jéronaton, Jean-Michel Nicollet, Chantal Montellier, Francis Masse, François Schuiten, Daniel Ceppi ou encore Jean-Claude Pertuzé. Et les autres. Pour tous, il s’agit d’une vision de la science-fiction qui renvoie définitivement aux oubliettes tant le space-opera à la Flash Gordon que l’aventure scientifique vernienne, qui avaient si durablement corseté la bande dessinée de science-fiction française depuis sa naissance. Les nombreux artistes qui passèrent par les espaces ouverts grâce à Métal Hurlant furent la source d’intenses renouvellement et d’innombrables variations narratives, ils furent également ceux qui surent ouvrir leur production sur l’ailleurs : non seulement un ailleurs de la science-fiction elle-même, mais également un ailleurs de la bande dessinée, en l’ouvrant vers toutes les expressions, de la musique rock au cinéma en passant par les grandes références littéraires. Ces années-là sont manifestement celles d’une fusion, d’une symbiose entre différents moyens et choix artistiques42.

49Les « Humanos » dédoublent leur revue phare avec Ah ! Nana en 1976, puis Métal Aventure dans les années quatre-vingt, sans omettre Casablanca (numéro unique en 1982), Rigolo (1983–1984) ou plus récemment Shogun Mag (2006–2007) pour le manga. Mais on sait désormais que paradoxalement cette période efflorescente en matière de supports constitue une sorte de chant du cygne pour les revues de bande dessinée. La période courant du milieu des années soixante-dix à la fin des années quatre-vingt-dix est riche, mais cette richesse ne résistera pas au remembrement du milieu de l’édition : non seulement les jeunes titres ne vivront parfois que quelques printemps (Ah ! Nana disparaît en 1978), non seulement la plupart ne passent pas le siècle ((À Suivre), Circus), mais les glorieux prédécesseurs (Pilote, Charlie) subissent le même sort. Hormis l’ancêtre Spirou ou l’exception censée confirmer la règle (Fluide Glacial), la plupart des revues de bande dessinée contemporaines ne survivent qu’adossées à des séries événements (Lanfeust Mag) ou ciblées de manière très pointue. Bien entendu, la réorganisation du secteur de l’édition de bande dessinée privilégie depuis longtemps la parution directe en albums, dont l’inflation fut et persiste à être remarquable. Les lois conjointes de Clarke et de Sturgeon s’appliquent ici de manière particulièrement adéquate : la remarque de l’un quant au volume de pulps qu’il était jadis impossible de faire lire à un être humain normalement constitué est parfaite comme description de l’état de l’offre en albums, et l’évidence du postulat énoncé par le second ne peut être mise en doute : 99 % de n’importe quoi est de la…

10. Années soixante-dix : Enki Bilal, (À Suivre) et Cyann

50Ce constat ne doit pas faire oublier combien les vingt-cinq dernières années du xxe siècle auront été remarquablement fécondes. Au moment où naît Métal Hurlant, Régis Loisel (1951– ) et Serge Le Tendre (1946– ) au scénario offrent en 1975 ce qui sera l’une des plus belles réussites de la fantasy française : La Quête de l’oiseau du temps. Même si on a choisi dans le cadre de cette étude de ne pas développer outre mesure la fantasy, la bande de Loisel (tout comme le Peter Pan qu’il donnera de 1990 à 2004) est un chef-d’œuvre incontestable. Elle aurait pu mieux démarrer : Imagine, magazine luxueux dirigé par le scénariste Rodolphe (Rodolphe Daniel Jacquette, 1948– ), tire sa révérence après tout juste trois numéros ! Mais ce n’est qu’un faux départ. Reprise (et redessinée), la série inaugure la nouvelle série de Charlie Mensuel en 1982 : sorcière, humanoïdes, lutins ou animaux étranges, quête au travers d’un pays fantastique, tous les ingrédients du genre sont présents. Invention scénaristique, dynamisme et humour du graphisme : voici un sommet jamais égalé.

511975 est évidemment l’année d’Arzach, mais aussi d’une bande atypique signée Max Cabanes (1947– ), Dans les villages, récit de la vie au sein d’un univers parallèle peuplé de géants idiots qu’il faut combattre, les Jôles. À nouveau une quête, celle de la Corniflure suprême, et une théorie de personnages étranges, comme le Réveur de réalité. Une petite merveille. Cabanes donnera encore, outre un superbe Roman de Renard (hélas inachevé) sur un texte de Forest, ses hilarantes Rencontres du 3esale type. Grand retour au space-opera débridé avec Le vagabond des limbes de Julio Ribera (1927– ) et Christian Godard, qui sort en album chez Hachette : Axle Munshine a voulu rêver, ce qui est interdit sur Xylos. Le voilà devenu vagabond des étoiles à bord de son Dauphin d’Argent. Œuvre chevauchant les mythes, dont l’analyse ne peut que convoquer les relents psychanalytiques, cette série grandiose vaut particulièrement pour le personnage de Musky, cet “éternaute” au sexe non défini qui a le pouvoir de ne choisir de vieillir que si quelqu’un lui en donne l’envie.

  • 43 Voir, outre les titres cités, la série L’État des stocks, publiée de 1986 à 2006.

52C’est encore en 1975 que paraît chez Dargaud La croisière des oubliés, première des “Légendes d’aujourd’hui” de Pierre Christin dessinée par Enki Bilal. Bilal (né à Belgrade en 1951 d’un père bosniaque et d’une mère slovaque) publie dans Pilote dès 1972, une série de récits courts fortement influencés par l’atmosphère des contes de Howard Phillips Lovecraft. La rencontre de Pierre Christin va révéler toutes les potentialités créatrices du dessinateur, véritable surdoué de sa génération. Seul ou œuvrant avec un scénariste, Bilal est l’homme d’une patte artistique et d’une thématique propres : de L’appel des étoiles (1975) à Animal’z (2009), une évidente unité court au travers de toute l’œuvre, unité qui n’a rien d’artificiel mais résulte d’une étonnante puissance visuelle nourrie d’obsessions récurrentes. Que ce soit dans ses collaborations ou ses grandes fresques personnelles (la trilogie Nikopol, la tétralogie du Monstre), chaque dessin d’Enki Bilal, vignette de bande dessinée, lithographie, travail pour le cinéma (ses propres films ou d’autres) ou illustration pour l’édition, le moindre fragment est mystérieusement relié à tout le reste de cette totalité angoissante que constitue son œuvre. Sa vision de la science-fiction, politique ou mythologique, se nourrit sans trêve de fusions froides et violentes entre la chair, le sang, le métal et la machine. Déshumanisante, cette plongée dans un avenir où l’être humain a définitivement cessé d’être sacré peut glacer et terrifier. Elle est en parfaite adéquation tant avec les meilleures créations littéraires d’une fiction fusionnelle, à laquelle elle ne s’inféode par aucune hiérarchie artistique, qu’avec les réalités multiples et angoissantes qui sont le lot de l’actualité de ce début de xxie siècle. Après dix ans dans ce siècle, on ne peut être certain que d’une chose : Enki Bilal est celui qui en transmet au mieux, par son art, les tendances profondes et morbides43.

  • 44 Mougin, qui a débuté à la télévision et est à l’origine proche du milieu artistique, a aussi travai (...)
  • 45 Finet N., (À Suivre) 1978–1997. Une aventure en bandes dessinées, Tournai : Casterman, 2004, p. 130
  • 46 Et il est regrettable qu’il ait failli subir un coup d’arrêt pour des questions de disputes éditori (...)

53Si Métal Hurlant fut incontestablement l’un des principaux chaudrons de la recherche artistique et de la quête d’un sens narratif renouvelé, il est tout aussi évident que le choix de la vénérable maison Casterman de se lancer dans l’aventure de l’édition d’un périodique en février 1978 est tout aussi crucial lorsque paraît le premier numéro de (À Suivre). Si le choix de Jean-Paul Mougin, son rédacteur en chef44, de mettre en avant la notion de “roman graphique” possède alors autant de potentiel commercial que de sens artistique, on ne peut nier la qualité d’une très grande part des œuvres qu’il contribuera ainsi à accoucher. « (À Suivre) sera l’irruption sauvage de la bande dessinée dans la littérature (…) », pouvait-on lire dans un premier éditorial demeuré fameux. Dans la pratique, le résultat de ce postulat sera que les récits dureront ce qu’ils devront durer, sans format préétabli. Le ton est donné avec Ici Même de Tardi et Forest, qui ponctuera toute l’année 1978. Bien entendu, il n’est plus question d’une revue de science-fiction : l’aventure, le polar, l’évocation historique, l’onirisme marqueront durablement le nouveau périodique. Néanmoins, Mougin a recruté parmi ses chroniqueurs des têtes pensantes de la science-fiction française, tels que Rodolphe, Jacques Chambon, Bernard Blanc. Plus tard, Joëlle Wintrebert y assurera des critiques régulières de parutions dans le domaine. Même s’il ne fut qu’un compagnon de route, Philippe Druillet est présent dès avril 1978 (Comédie en un acte : Les Fous). Moebius sera un habitué : il commence par donner en novembre de la même année une illustration aisément identifiable au cahier humoristique de Franquin et Delporte, “Pendant ce temps à Landerneau”. Ted Benoit (1947– ) offre avec son Ray Banana une esthétique héritée des années cinquante et du design de Raymond Loewy, et ses urbanismes d’une Amérique de rêve lorgnent vers une temporalité uchronique (Berceuse électrique paraît en 1980). On ne peut traverser les années (À Suivre) sans évoquer la naissance d’un grand dessinateur, même s’il s’agit dès lors de faire fi des limites françaises : François Schuiten (1956– ) et son frère Luc découvrent les “terres creuses”. Plus tard, avec Benoît Peeters (1956– ), Schuiten pénètre avec l’univers d’Urbicande ce qui sera une œuvre majeure : les Cités Obscures. Soulignons également l’importance d’une bande telle que Le Transperceneige (1983 dans (À Suivre)), épopée ferroviaire et post-atomique en noir et blanc, monde glacé scénarisé par Lob et mis en images par Jean-Marc Rochette (1956– ) après la mort d’Alexis. Les aliens débarquent au cœur du quotidien de la Jehanne d’Arque du délirant F’Murrr (1946– ). Jean-Claude Forest en solo donne l’un de ses derniers grands récits : Enfants, c’est l’Hydragon qui passe. Une belle tranche de mystique messianique dans le Chninkel du Polonais Rosinski (1941– ) scénarisé par Jean Van Hamme à la sauce fantasy (avec un gros souvenir d’un énorme monolithe noir !). On croise Adèle Blanc-Sec dont l’univers plein de savants fous prolonge (et finira par se confondre avec) celui de Brindavoine. L’Espagnol Daniel Torrès (1958– ) rejoint l’équipe en 1983 avec Les aventures sidérales de Roco Vargas, vaste melting-pot d’influences assumées allant de la tradition dite franco-belge aux comics américains. Moebius s’installe plus franchement en 1988 avec Les jardins d’Edena et les narrations ramifiées mettant en scène Stel le spationaute. En 1989, un supplément au format comics dévoile au lecteur la version moebiusienne du Surfer d’argent de Stan Lee. Octobre 1991, le Belge Christian Lamquet (1954– ) explore L’Amour hologramme, ambitieuse histoire de contact cosmique vécu par un cosmonaute russe pour lequel la première conséquence est de se retrouver illico au goulag ! Il est dommage que ce récit ait été la seule apparition de Lamquet dans la revue, et qu’il se soit quelque peu dispersé par la suite : selon Nicolas Finet, on tenait là « un style graphique (qui) n’est pas sans évoquer le Paul Gillon des Naufragés du temps »45. François Bourgeon est de retour en mars 1993 sur un scénario de Lacroix (1944– ) : après les architectures navales et le commerce triangulaire, après une version fantasmatique du Moyen-âge, La sOurce et la sOnde est le premier épisode de ce grand cycle ambitieux de science-fiction moderne qu’est le cycle de Cyann, qui traversera jusqu’à aujourd’hui tous les aléas éditoriaux… Bourgeon est au mieux de sa virtuosité graphique et la narration est complexe à souhait. Sur Ohl, où les fièvres pourpres déciment les hommes, ce sont des personnages féminins qui occupent la meilleur part du récit, autour de Cyann Olsimar, héritière d’une grande famille, seule capable de partir en quête du remède au mal. Jonglant avec les codes du space-opera, de l’exploration planétaire à la Jack Vance, tout autant qu’avec les tours et détours des chemins de l’espace-temps, le dessinateur et son scénariste créent une fresque dans laquelle rien n’est gratuit, ni les caractères des héroïnes, ni les plus petits détails des sociétés dépeintes, ni les idéologies ou les superstitions des mondes traversés. Entre exploitation de la crédulité des peuples et société où tout se paie (Marcade), Cyann découvre un univers dangereux et planté d’apparences qui sont autant de faux-semblants. Le cycle de Bourgeon et Lacroix constitue sans doute l’un des derniers grands cycles de science-fiction en bande dessinée française46. Claude Lacroix n’est pas un novice en matière de science-fiction : comme dessinateur, il a donné de petits bijoux tels que Yann, le migrateur, L’Homme au chapeau mou ou Fariboles sidérales. Le tangage entre œuvres inspirées ou non qui mène lentement (À Suivre) vers sa fin vaudra encore de très grandes rencontres, dont celle du génie de Nicolas de Crécy (1966– ), de la collaboration entre Boucq et Jodorowsky, ou encore (mais nous voilà à l’extrême bord de notre sujet) le Peplum (1996) de Blutch (1967– ), récit de longue haleine qui évoque le Satyricon de Pétrone. En décembre 1997, l’ultime numéro se dénomme Arrêt sur images. Une belle histoire se termine dans les bouleversements de l’édition de bande dessinée contemporaine.

11. Généralisation de la science-fiction

54Si le nom d’Alex Varenne (1939– ) est désormais essentiellement lié aux idées ainsi qu’à l’expression troublante du libertinage et de l’érotisme, on ne saurait oublier qu’il est apparu en bande dessinée, avec son frère Daniel (1937– ) au scénario, par le biais d’un sombre récit post-atomique paru dans Charlie mensuel en 1979 : Ardeur. Cette entrée sera d’emblée non seulement remarquée mais très largement saluée pour sa qualité et son originalité graphique. On a pu dire que les traits du dessin d’Alex Varenne étaient proches de la dureté, entre ombres et formes anguleuse, de l’expressionisme allemand — particulièrement sa forme cinématographique. L’analyse est juste si elle veut mettre en avant la déchirure et l’angoisse de cet univers dans lequel on erre après une troisième guerre mondiale, en suivant un personnage sans visage, du côté d’un endroit qui s’est appelé Varsovie (Warschau, 1981 en album Le Square — Albin Michel) ou Berlin (Berlin Strasse, 1981, Albin Michel).

55Philippe Adamov (1956– ) a travaillé comme décorateur avec le cinéaste d’animation René Laloux, entre autres sur des adaptations de Caza. Il apparaît rapidement comme l’un des grands illustrateurs pour l’édition, avant d’être remarqué par Henri Filippini, qui le présente à Patrick Cothias (1948– ) chez Glénat. Le résultat de cette rencontre se nomme Les Eaux de Mortelune (1985) et constitue l’une des séries les plus atypiques de son époque. La scène se situe à Paris, mais un Paris totalement dévasté, l’homme ayant une fois de trop abusé de la nature. C’est à nouveau une histoire d’après le grand cataclysme, un récit dont le graphisme admirable montre un avenir sans eau, où ceux qui savent encore en traiter les réserves détiennent le pouvoir. Dans cette cité déserte, on ne fait que survivre, sous la férule du prince de Mortelune, un despote jouisseur aux tendances barbares, une sorte de baron Harkonnen immortel qui ne songe qu’à posséder la fille du seul boucher de Paris ! Mais un autre puissant contrôle les réserves de pétrole nécessaires au traitement de l’eau. Histoire d’un avenir abominable traitée sur un mode quasi mythologique, la série d’Adamov et Cothias est incontestablement un choc visuel au trait et aux couleurs d’une rare virtuosité.

56En 1989, paraît dans Pilote ce qui est peut-être la première transcription en bande dessinée, sur le mode de l’anticipation, de la pandémie du SIDA. Béhé (Joseph Griesmar, 1962– ) et son scénariste Toff donnent avec Péché mortel une classique histoire totalitaire (camps, ghettos, traque des malades, milice, intolérance…) qui montrent sous l’optique du drame sidéen les caractéristiques les moins reluisantes de l’être humain : lâche, délateur, adepte forcené du bouc émissaire. Cette France dans laquelle toute allusion à l’activité et au plaisir sexuels est proscrite est une métaphore très claire des tendances répressives de notre propre société. C’est définitivement la fin du xxe siècle et de l’insouciance.

57On notera quelques autres grandes réussites. 1991 voit une nouvelle adaptation d’un scénario de Jodorowsky, due cette fois à François Boucq (1955– ) : Face de Lune. Dans le genre paranoïaque (le héros est pourchassé mais connaît une vérité que nul ne peut croire), Le lièvre de Mars d’Antonio Parras (1929–2010) et Patrick Cothias (1948– ) est une belle réussite, entre polar et politique-fiction. On ne peut évidemment pas omettre l’immense Chantal Montellier (1947– ), active depuis 1978 et auteur, dans un noir et blanc massif, de plusieurs récits proches en esprit de la “nouvelle science-fiction française” alors triomphante. On épinglera Shelter (1979–1980), concentré des indignations de l’auteur, sans doute le plus politique des dessinateurs français contemporains, au sens militant. Francis Masse (1948– ) possède un style à nul autre pareil, tant dans la technique graphique (aplats, hachures) que dans la typologie de ses personnages, gros nez enveloppés dans d’immenses manteaux. Dès le trait, le nonsense est présent : jamais peut-être personne n’aura si bien joué avec la traduction apparemment logique (voire scientifique) des délires les plus absurdes, poussés jusqu’à l’humour noir. Le monde de Masse est en soi un monde parallèle, il n’a nul besoin d’en rajouter. Didier Eberoni (1958– ) fut une sorte d’étoile filante dans le monde de la bande dessinée, mais il serait injuste de ne pas citer son Centaure mécanique (1982, avec Rodolphe), histoire étrange de mélange de chairs et de métal. De Rodolphe, notons les très belles (mais uniques) Légendes de l’éclatée avec le dessinateur Michel Rouge (1950– ), excellent artiste réaliste qui donne ici une vision originale de la science-fiction “planétaire”, où des fragments du globe terrestre sont reliés par des voiliers traversant l’espace. Michel Crespin (1955–2001) fut également, comme Auclair dans un sens et Montellier dans un autre, un compagnon des auteurs de la “nouvelle science-fiction française”. Sa science-fiction est politique et rurale à la fois, pleine de violence et de tendresse, promenant son lecteur dans un futur indéfini des Alpes provençales, sans doute après une catastrophe, de toute évidence sous une dictature que certaines combattent le fusil à la main (Marseil, 1979 ou Armalite 16, 1980). Très douces couleurs, très belles figures féminines très féministes.

58Citons encore quelques éléments. Qui se souvient du fait que la couverture du premier Pilote mensuel, en juin 1974, était un photomontage dû à Mézières ? Qui redira la percolation de la science-fiction dans toute la presse parallèle, les fanzines, des titres comme le Canard Sauvage, avant d’aboutir à Métal Hurlant ? Se rappelle-t-on les séries scénarisées par René Durand (1948– ) : La Terre de la bombe avec Georges Ramaïoli (1945– ), Les dirigeables de l’Amazone avec Patrice Sanahujas (1952–1996), bande qui voyait apparaître le romancier Michel Jeury en personnage de fiction ?

12. Le futur : science-fiction au quotidien

  • 47 On pourrait sans doute oser des comparaisons qui ne sont évidemment pas raison. Si Bragelonne et so (...)

59Nous pouvons opérer un saut, lequel, au vu de l’objet de cette étude, ne saurait être que quantique ! Et maintenant ? La science-fiction a partout essaimé au sein de la bande dessinée française, même si désormais (comme dans l’édition littéraire47 ?) la fantasy semble lui tailler de larges croupières. Dès lors, la production a gonflé : que retenir de nos auteurs et de leurs œuvres les plus contemporaines ? Il est quasi impossible de tout citer : ne vaut-il pas mieux abandonner la production strictement contemporaine à ses lecteurs avides, tout en sachant qu’elle comporte de belles pépites ? S’il est évident ici que l’on a décidé de demeurer en terre de science-fiction, il faudrait pourtant signaler les œuvres aux marges. Non pas tellement les œuvres de fantasy qui intègrent des moments ou des motifs de SF (Lanfeust des étoiles) que des créateurs singuliers et exigeants qui de toute évidence, sans pour autant céder au genre, se jouent des codes de la représentation sous son aspect purement réaliste : des auteurs majeurs tels que Marcelé, de Crécy…

60Parmi une pléiade d’auteurs uniques (dans tous les sens du terme : auteurs dont l’imaginaire n’est guère réductible à des schémas anciens, mais également créateurs parfois éphémères), quelques noms : Beb-Deum (1960– ) et ses images décalées, Fred Beltran (1963– ), musicien féru de pin-ups et illustrateur doué (encore un !) des rouages narratifs jodorowskyens (Mégalex), ou encore Lidwine (Dominique Legeard, 1960– ) qui signe avec Le dernier loup d’Oz une histoire graphiquement superbe quoique quelque peu “dense” (hermétique selon certains commentaires). On ne peut non plus éviter de citer Vortex, la série de Stan et Vince (Stanislas Manoukian et Vincent Roucher, nés en 1969) débutée en 1993 chez Delcourt. Cette histoire de voyage temporel qui part dans tous les sens est par ailleurs une bonne occasion de citer le travail d’édition de Guy Delcourt (1958– ) qui fonda sa maison en 1986, après un passage comme rédacteur en chef chez Pilote en 1985. L’histoire de Delcourt, c’est d’abord Cailleteau et Vatine, puis un recueil de chansons de Renaud adaptées en bande dessinée. C’est surtout Le Chant des Stryges (Corbeyran et Guérineau), Sillage (Morvan et Buchet) ou Carmen McCallum (Duval et Gess). C’est la collection “Néopolis”. C’est Jour J, la récente série uchronique. C’est Golden City, La Mandiguerre, Ether Glister ou Travis.

  • 48 Lire, à l’envers et phonétiquement, le patronyme du "héros"…

61Delcourt, c’est encore une œuvre étrange sans doute plus proche d’un vertige fantastique ou d’un Franz Kafka48 traduit graphiquement, un univers dessiné dont les règles changent perpétuellement en influant sur le destin des personnages : Julius Corentin Acquefaques, prisonnier des rêves (cinq tomes, 1990–2004) de Marc-Antoine Mathieu (1959– ). On a également pu voir au travers de Julius, employé du ministère de l’Humour, une évocation du Brazil de Terry Gilliam. Ici, comme dans de grandes œuvres littéraires (Philip K. Dick) ou cinématographiques (Dark City d’Alex Proyas, 1998), les choses ne sont pas ce qu’elles semblent être. Mathieu est un expérimentateur dans l’âme et a réussi avec cette série à tordre le medium bande dessinée lui-même, en jouant de ses codes et de ses limites (la vignette vide, l’album à double-sens, le jeu entre deux et trois dimensions…).

62La bande dessinée de science-fiction française a suivi le même chemin que l’avatar romanesque du genre, a mûri, s’est débarrassée de ses tics de jeunesse et trace son chemin, confiante et mature. Alors, rendez-vous en terres d’exotisme, de faux-semblants, d’anticipation ou de métaphores politiques : retrouvons-nous en compagnie d’Étienne Le Roux (Aménophis IV), d’Olivier Vatine (Aquablue), de Li-An et Jean-David Morvan (Le Cycle de TschaÏ), de Richard Gérineau (Le Chant des Stryges), de Philippe Buchet (Nomad, Sillage), de Denis Bajram (Cryozone, Universal War one), de Ralph Meyer (IAN), de Serge Pellé (Orbital), de Gess (Carmen McCallum, La Brigade chimérique), de Christophe Quet (Travis), de Leo (oui, Brésilien, mais bon… — Les mondes d’Aldébaran, Kénya) et de beaucoup d’autres…

Et en français

Et un blog remarquable :

Bibliographie

Articles

Dayez, Hugues. 12 mai 2010. « Les aventures d’un journal. no 866, 18 novembre 1954, 17e année ». In Spirou. 3761. Marcinelle : Dupuis. Page 31.

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Ouvrages

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Revue d’histoire moderne et contemporaine. 2000, 4/2000 (no 47–4). Paris : Belin.

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http://www.bdgest.com/

http://www.bdparadisio.com/index2.htm

http://wikipf.net/wiki/index.php/Accueil

http://phylacterium.wordpress.com/

Notes

1 Ou signe iconique. Mais, promis, pas de sémiotique ici !

2 Versins P., Encyclopédie de l’utopie, des voyages extraordinaires et de la science fiction, Lausanne : L’Âge d’Homme, 1972, p. 93–98.

3 Dans le cadre de cette étude, toute mention d’un nouvel auteur comportera ses dates de naissance et (s’il échet) de décès. Leur absence sera le signe d’un déficit de données disponibles.

4 Ibid., p. 94.

5 C’est l’opinion argumentée d’Yves Frémion dans son Guide de la Bédé francophone, Paris : Syros/Alternatives, 1990, p. 17.

6 Il signait effectivement de la sorte, avec une minuscule à Duval. Voir sa notice sur le site web suivant : http://www.bd-nostalgie.org/Divers/02_auteurs_Jobb%E9-Duval.htm [Consulté le 26 juillet 2010].

7 Il est curieux de constater aux USA un mouvement inverse de celui qui mènera en France aux grandes œuvres modernes : celles-ci, outre-Atlantique, apparaissent d’emblée, avant que le genre ne soit cantonné aux comics. Songeons aux Katzenjammer Kids de Dirks, à Winsor McCay, au Krazy Kat de George Herriman…

8 Dans les années soixante, Greg reprend et modernise Zig & Puce, en accord avec Alain Saint-Ogan, et donne quelques récits pleins d’inventions vaguement science-fictives, comme Le voleur fantôme (1965) ou Prototype Zéro-Zéro (1967).

9 Le Rayon mystérieux sera réédité lorsque l’intérêt critique envers Alain Saint-Ogan en fera dans les années 1960 l’auteur emblématique des années d’avant-guerre : on trouve ainsi cette bande dans Phénix en 1969. Plus récemment encore, la Cité de la Bande Dessinée la réédite à nouveau en 2004.

10 Après la seconde guerre mondiale, René Giffey travaillera avec Maurice Limat — mais sur un Buffalo Bill — et donnera son adaptation des Aventuriers du Ciel (1935) de Nizerolles en 1955 !

11 Frémion Y., Op. cit., p. 36.

12 Versins P., Op. cit., p. 666.

13 Lire à propos de la presse d’occupation l’étude de Pascal Ory : Le petit nazi illustré. Vie et survie du Téméraire (1943–1944), Paris : Nautilus / Vertige Graphic, 2002.

14 « À la veille de la guerre pourtant, la frontière entre la science-fiction et le roman d’aventures demeurait floue. Sous l’Occupation, quelques récits se situèrent dans des civilisations imaginaires. Ils reposaient sur des éléments de référence dont un essentiel : la croyance en une possibilité quasi illimitée de “la science” à résoudre tous les problèmes des hommes. Dans cet esprit, Le Téméraire publia régulièrement des rubriques consacrées à la science. Le thème de l’an 2000 y fut abordé et la rédaction prédit que des “automates valets de chambre” aideraient les hommes dans leurs travaux domestiques ou que “le livre parlant” remplacerait les “bouquins poussiéreux” : “Pressez le bouton, il ne vous reste plus qu’à écouter !”, étonnante anticipation de la cassette audio. Un autre ingrédient fréquent est le voyage dans le temps et dans l’espace, qui permet aux héros de s’affranchir du déroulement linéaire de l’Histoire auquel est assujetti le commun des mortels, donc le lecteur. » (Ragache G., « Un illustré sous l’occupation : le téméraire », Revue d’histoire moderne et contemporaine 4/2000 [no 47–4], p. 747–767.)

15 Moliterni Cl. et Mellot Ph., Chronologie de la bande dessinée, Paris : Flammarion, p. 97.

16 Glénat publiera en 1974 ses souvenirs.

17 Quoique, lorsqu’on relit les premiers Buck Danny

18 Sadoul J., Panorama de la bande dessinée, Paris : J’ai Lu, 1976, p. 75.

19 Frémion Y., Op. cit., p. 46.

20 Aux USA au même moment (1948) le psychiatre Fredric Wertham entreprend de développer sa campagne contre les comics : après Dark Legend en 1941 (le cas d’un jeune meurtrier obsédé par le cinéma, la radio et la bande dessinée), il multiplie les interventions publiques et publie The Psychopathology of Comic Books dans l’American Journal of Psychotherapy. Le sommet sera atteint en 1954 avec The Seduction of the Innocents, dénonciation orientée et sans la moindre rigueur scientifique de la violence dans les comics et de leur supposée influence néfaste (“pousse au crime”, comme dans le cas du cinéma), premier pas vers le Comics Code Authority (26/10/1954). Voir à ce sujet Jennequin J.-P., Histoire du comic book. 1. Des origines à 1954, Paris : Vertige Graphic, 2002, p. 147–158.

21 Sadoul J., Op. cit., p. 67.

22 Car c’est bel et bien de cela qu’il s’agit, puisque le ministre de l’Intérieur s’y donne tous pouvoirs d’interdiction et de destruction ! On aurait tort d’y voir le signe d’une époque révolue : la loi existe toujours. On peut trouver facilement le texte législatif consolidé au 11 juillet 2010, qui énonce notamment en son article 2 : « Les publications visées à l’article 1er ne doivent comporter aucune illustration, aucun récit, aucune chronique, aucune rubrique, aucune insertion présentant sous un jour favorable le banditisme, le mensonge, le vol, la paresse, la lâcheté, la haine, la débauche ou tous actes qualifiés crimes ou délits ou de nature à démoraliser l’enfance ou la jeunesse, ou à inspirer ou entretenir des préjugés ethniques ou sexistes. Elles ne doivent comporter aucune publicité ou annonce pour des publications de nature à démoraliser l’enfance ou la jeunesse ». Sic. Voir : http://www.legifrance.gouv.fr/affichTexte.do;jsessionid=82C8dd2ae0acd07adb06C2560ed74877.tpdjo07v_1?cidTexte=Jorftext000000878175&idArticle=&dateTexte=20101022 [consulté le 22 octobre 2010].

23 Bien entendu cette filiation remonte bien au-delà : il s’agit d’un réalisme virtuose qui doit beaucoup à Alex Raymond, Harold Foster ou Milton Caniff.

24 Pour ce qui est des aventures proches du space opera, avec extraterrestres et ennemis maléfiques, Gillon se situe juste après Les Pionniers…, et juste avant Valérian !

25 Malgré les atouts de Jane Fonda, il n’est pas indispensable de voir le film de Roger Vadim, même si Forest a lui-même dessiné ses décors.

26 Moliterni Cl. (sous la direction de), Histoire Mondiale de la Bande Dessinée, Paris : Pierre Horay Éditeur, 1989, p. 40.

27 Après-guerre, les périodiques grands formats distribués en kiosque se font rares. C’est le début des petits récits complets parmi lesquels une maison telle qu’Artima/Arédit imposera son style. On citera également parmi ces éditeurs Lug, Sagédition, Elvifrance, Elan, Eurédif, SEPP. Voir à ce sujet le site http://wikipf.net/wiki/index.php/Accueil [consulté le 28 juillet 2010].

28 On y ajoutera des titres et des héros tels que Atome Kid (série catalane d’origine), Ray Comet, Sidéral ou Superboy.

29 Sur Météor, Alain Dartevelle a donné une étude très fouillée, issue d’un travail universitaire réalisé à l’Université Libre de Bruxelles en 1975, et parue peu après en épisodes dans la revue grand format Science fiction Magazine (édition française du britannique Science Fiction Monthly). Une version en est accessible à l’adresse http://meteor.proftnj.com/specific.htm [consulté le 28 juillet 2010].

30 Dayez H., « Les aventures d’un journal : no 866, 18 novembre 1954, 17e année », in Spirou, 3761, 12 mai 2010, p. 31.

31 Par Dupuis.

32 Fondateur de l’agence World Press, qui fut un temps le principal fournisseur de bandes réalistes pour Spirou. Georges Troisfontaines fut également le co-créateur de Buck Danny avec Victor Hubinon, avant de laisser le scénario à Charlier !

33 Strinati P., « Bandes dessinées et science-fiction. L’âge d’or en France (1934–1940) », in Fiction, 92, juillet 1961, p. 121–125.

34 En bande dessinée du moins : L’homme du xxie siècle — car ce pseudonyme signe déjà des illustrations de science-fiction.

35 Lequel a déjà dessiné le héros de Henri Vernes dans Femmes d’aujourd’hui, entre autres Bob Morane et l’épée du paladin. Ces autres adaptations paraîtront en albums chez Dargaud.

36 Et on ne peut s’empêcher de songer qu’ils l’ont fait, grâce à la bande dessinée, bien avant la création de la Culture par le romancier britannique Iain M. Banks.

37 Frémion Y., Op. cit., p. 113.

38 Voir l’essai/entretien de Numa Sadoul, Mister Moebius et docteur Gir, Paris : Albin Michel, 1976.

39 Finet N., « Les Maîtres des autres mondes », in Groensteen Th . (sous la direction de), Maîtres de la bande dessinée européenne, Paris : Bibliothèque Nationale de France / Seuil, 2000, p. 138.

40 Frémion Y., Op. cit., p. 83

41 Fondateur de la maison Futuropolis (un petit bonjour à Pellos !), Robial apposera sa marque tant sur ses propres éditions que sur Métal Hurlant et plus tard (À Suivre). Son génie graphique ne se limitera pas à la bande dessinée, puisqu’il habillera Canal+ en 1984, mais aussi La Sept (ancêtre d’Arte) ou… le PSG !

42 Lire une belle analyse de l’émergence et de l’importance de Métal Hurlant sur le blog Phylacterium, à l’adresse http://phylacterium.wordpress.com/2010/07/10/science-fiction-et-bande-dessinee-annees-1970/ [consulté le 26 juillet 2010].

43 Voir, outre les titres cités, la série L’État des stocks, publiée de 1986 à 2006.

44 Mougin, qui a débuté à la télévision et est à l’origine proche du milieu artistique, a aussi travaillé pour Pif-Gadget, à l’époque où Forest y donne Mystérieuse…, où Mandryka y anime le Concombre, et où apparaît le “marin élégant” d’un auteur italien complètement inconnu en France : Corto Maltese et Pratt — qui migreront ensuite vers Casterman ! Mougin travaille à L’Écho des Savanes lorsque Pratt le recommande à Casterman pour le poste de rédacteur en chef du projet qui deviendra (À Suivre).

45 Finet N., (À Suivre) 1978–1997. Une aventure en bandes dessinées, Tournai : Casterman, 2004, p. 130.

46 Et il est regrettable qu’il ait failli subir un coup d’arrêt pour des questions de disputes éditoriales…

47 On pourrait sans doute oser des comparaisons qui ne sont évidemment pas raison. Si Bragelonne et son avatar Milady tendent à épuiser (dans tous les sens du terme) le marché de la fantasy (et plus récemment de la “bit-lit”) en langue française, ce qui ne peut que provoquer un glissement de la qualité vers la seule quantité et noyer les perles indéniables parmi les vagues de “grosse fantasy commerciale”, il semble possible de constater qu’en matière de bande dessinée de fantasy, un éditeur toulonnais fier de sa réussite se situe plus ou moins dans la même position, dominante et inondante… Bien entendu, le soleil luit pour tout le monde !

48 Lire, à l’envers et phonétiquement, le patronyme du "héros"…

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