Résumés des articles – Abstracts
p. 233-251
Texte intégral
1Christine Dualé, professeur des universités en littérature et culture noires américaines, université Jean-Monnet Saint-Étienne, ECLLA
2Countering Improper Visual Representations : Aaron Douglas’s Harlem Renaissance Aesthetic
3Abstract: In the 1920s, the position of intellectuals evolved. Philosopher Alain Locke proposed that African Americans created a self-reliant, unique and authentic art based on their relationship with Africa. By the time of the Harlem Renaissance (1924-1928), black people were ensconced in American soil and as works by such artists as Archibald Motley and Aaron Douglas reveal, the attempt to resurrect Africa in America was highly artificial.
4Fine arts black artists thus challenged improper and stereotyped representations of their community by deconstructing classic codes to tackle the norm. They proposed their own representation and by so doing questioned the notion of identity. By “returning to the center” black American artists developed and proposed to the public a black identity, away from stereotypes, which was meant to gain recognition. This is how Aaron Douglas’s artistic works, among others, became propaganda tools to tackle “puzzling paradoxes of America’s so called race problem” (Locke, 98. The Negro in Art. An address before the Tenth Annual Conference of the International Student Service Committee, Mount Holyoke College, 1931).
5Keywords: Aaron Douglas, Harlem Renaissance, Black aesthetic, Black American fine art, African roots, Stereotypes
6Contrer les représentations visuelles inconvenantes : l’esthétique de la Renaissance de Harlem et d’Aaron Douglas
7Résumé : Dans les années 1920, la position des intellectuels américains et noirs américains évolua au point que le philosophe Alain Locke proposa que les Noirs créent un art autonome, unique et authentique en s’appuyant sur leur relation avec l’Afrique. Durant la Renaissance de Harlem (1924-1928), les Noirs étaient installés sur le sol américain depuis plusieurs générations et, comme le révèlent les œuvres d’artistes tels Archibald Motley et Aaron Douglas, la tentative de ressusciter l’Afrique en Amérique était très artificielle. Les artistes noirs remirent alors en question les représentations inappropriées et stéréotypées de leur communauté en déconstruisant les codes classiques pour s’attaquer à la norme établie. Ils proposèrent ainsi leur propre représentation pour s’interroger sur la notion d’identité. Par un retour au centre ces artistes développèrent et proposèrent au public une identité noire américaine, loin des stéréotypes, dans un objectif de reconnaissance. C’est ainsi que les œuvres et représentations picturales d’Aaron Douglas, entre autres, devinrent des outils de propagande pour s’attaquer aux « paradoxes déroutants du soi-disant problème racial de l’Amérique » (Locke, 98. The Negro in Art. An address before the Tenth Annual Conference of the International Student Service Committee, Mount Holyoke College, 1931).
8Mots-clés : Aaron Douglas, Renaissance de Harlem, esthétique, art noir américain, beaux-arts noir américain, racines africaines, stéréotypes
9Amélie Dochy, maîtresse de conférences en littérature anglaise du xixe siècle, université Toulouse I
10Playing with the Invisible in Visible Victorian Pictures: Erskine Nicol’s Caricatures of the Irish (1840-1870s)
11Abstract: Caricatures play with the visible and distortion: they tend to transform what you can see or conventional forms of the human face and body, to suggest the invisible, or rather what you should understand. Indeed, caricatures convey political messages that need to be decoded, depending on the culture of the viewer. In the Victorian era, it is easy to see that anti-Irish caricatures became more and more numerous in the British press as Ireland was struggling for more political autonomy.
12Thus, Victorians could easily understand the meaning of these pictures which echoed the growing importance of political movements
13such as the Catholic Association (1766-1829), Fenianism (1858- 1880s), or the Home-Rule League (1870-1922), whose leaders were often targeted by caricaturists – such as Charles Stuart Parnell. Yet, it was less customary to see such caricatures in the fine arts, so that the caricatured images created by a Scottish artist such as Erskine Nicol (1825-1904), were likely to surprise visitors of art galleries.
14How could such caricatures fuel the Victorian discourse on Irish identity? And what does it reveal about Victorians and their imagination? By focusing on the ways in which the British caricatured the Irish during the Victorian era (1837-1901), this work explores how visual signs were turned into political messages.
15Keywords: caricature, irishness, identity, victorian, imagination, politics
16Jouer avec l’invisible dans les illustrations de l’époque victorienne : la caricature des Irlandais d’Erskine Nicol (1840-1870)
17Résumé : La caricature joue avec le visible et la déformation : elle transforme ce que l’on voit ou les formes conventionnelles du corps pour suggérer l’invisible, ou plutôt ce qui est à comprendre. En effet, les caricatures véhiculent des messages politiques à décoder selon sa culture. Durant l’ère victorienne et alors que l’Irlande luttait pour une plus grande autonomie politique, les caricatures anti-irlandaises se multiplièrent dans la presse.
18Alors qu’elles relayaient l’importance grandissante de groupes tels que l’Association catholique (1766-1829), le mouvement Fénian (1858-1889), ou la Ligue pour le Home-Rule (1870-1922), ces caricatures destinées au lectorat victorien ciblaient les chefs de ces groupes comme Charles Stuart Parnell, notamment. Il était cependant assez rare de retrouver de telles caricatures dans les beaux-arts, de sorte que les images caricaturales créées par un artiste écossais tel qu’Erskine Nicol (1825-1904) pouvaient surprendre les spectateurs.
19Comment ces caricatures pouvaient-elles nourrir le discours victorien sur l’identité irlandaise ? Et que nous apprennent-elles sur les Victoriens et leur imagination ? En se concentrant sur les caricatures britanniques à l’encontre des Irlandais pendant la période victorienne (1837-1901), ce travail examine comment des signes visuels ont été transformés en messages politiques.
20Mots-clés : caricature, irlandité, identité, victorien, imagination, politique
21Anne Garrait-Bourrier, professeur en études culturelles américaines, littératures américaines des xixe et xxe siècles, université Clermont Auvergne, CELIS
22De l’inconvenant au visage de l’indolence : L’exemple de N. Scott Momaday
23Résumé : Cet article se propose d’étudier les rapports entre les concepts de l’inconvenant et de l’indolence dans le contexte de la littérature amérindienne et plus particulièrement à travers l’écriture de N. Scott Momaday.
24En partant de son œuvre théâtrale The Indolent Boys, il apparaît que l’indolence y est traitée comme l’est l’inconvenant pour les tenants de la morale et du mainstream comme un mal, une tare, une évidence de l’appartenance au monde de la marge.
25Optant pour un langage « minoré » deleuzien, Momaday parvient à faire parler l’ethnicité et à rendre à ses personnages – petits Indiens invisibilisés par le pouvoir blanc – enfin audibles, à défaut d’être convenables.
26Mots-clés : minoration, indolence, ethnicité, invisibilisation, déterritorialisation
27From Inconvenience to Indolence: The Example of N. Scott Momaday
28Abstract: This article aims at studying the relations between the concepts of inconvenience and indolence in the context of Native American literature and more specifically N. Scott Momaday’s works. Starting from his play The Indolent Boys, the author develops the idea that indolence has always been used against Native Americans as an insult and as the expression of evil by the dominant group and the mainstream defenders of “morality” and decency.
29Choosing Deleuze’s approach of the “minorization” and “deterritorialization” of language, Momaday stages ethnicity and makes it speak freely so as to visibilize his little Indian characters. By doing so he makes them be vocal at last and enter the third space of myth to leave the boundaries of the margins.
30Keywords: minoration, indolence, ethnicity, invisibilization, deterritorialization
31Laurence Olivier-Messonnier, agrégée de Lettres modernes à l’université de Lyon 1, docteure en littérature française et comparée et chercheuse associée au CELIS de l’UCA
32Les invisibles de la honte noire ou la visagéité revisitée par Didier Daeninckx et Esi Edugyan dans Galadio et 3 minutes 33 secondes
33Résumé : Cet article entend mettre au jour une illustration méconnue du concept de visagéité et d’inconvenant hors norme lors d’un épisode post bellum méconnu, La honte noire (Die schwarze Schande). Suite à la cinquième condition de la convention d’armistice du 11 novembre 1918 et à l’article 428 du traité de Versailles, 20 000 tirailleurs occupent la Rhénanie pour pacifier la région. Or, l’Allemagne voit dans la présence de ces soldats une souillure et les enfants nés des amours « illicites » des tirailleurs avec les autochtones vont faire l’objet des pires humiliations pour les invisibiliser.
34Nous prendrons appui sur Galadio de Didier Daeninckx et 3 minutes 33 secondes d’Esi Edugyan afin de décrypter ce phénomène de « l’inconvenance idéologique » dans un cadre colonial et raciste où la différence est une injure. Entrant dans le champ des constructions socioculturelles et s’inscrivant dans une approche sociopoétique, cette étude examine également comment l’écrivain français et la romancière canadienne convergent vers une même posture mémorielle pour exhumer les invisibles condamnés à l’oubli.
35Mots-clés : enfant, tirailleur, nazisme, jazz, mémoire, sociopoétique, guerre
36Invisible beings in “Black Shame” or faciality revisited by Didier Daeninckx’s Galadio and Esi Edugyan’s Half-Blood Blues (3 minutes 33 seconds)
37Abstract: The purpose of this article is to highlight the concept of non-standard faciality and radical inconvenience during an unknown post-bellum episode named “Black Shame” (Die schwarze Schande) by Jean-Yves Le Nour (2004). After the fifth condition of the armistice convention of November 11, 1918 and article 428 of the Treaty of Versailles, 20,000 Senegalese riflemen occupied Rhineland to pacify the region. However, Germany saw a stain in the presence of these soldiers. Moreover, the children born from the “illicit” love affairs between these riflemen and the natives were subjected to deep humiliations to the point of making them invisible.
38I will, thus, focus on Galadio by Didier Daeninckx (Paris, Gallimard, Folio, 2010) and Half-Blood Blues by Esi Edugyan
39(2011), entitled 3 minutes 33 seconds by the French translator in 2013, in order to decipher this phenomenon of “ideological impropriety” in a colonial and racist context where difference was an insult. In connection with socio-cultural constructions and a sociopoetic approach, this study also investigates how the French writer and the Canadian novelist take up a similar culture of remembrance in order to exhume invisible beings and/or what is invisible and doomed to oblivion.
40Keywords: children, Senegalese rifleman, Nazism, jazz, memory, sociopoetics, war
41Claudie Servian, maître de conférences HDR en civilisation nord-américaine, université Grenoble, ILCEA 4 et LISCA
42Le décentrement dans la danse postmoderne étatsunienne : une mise en crise de la danse moderne
43Résumé : Le postmodernisme de la danse étatsunienne, moment de crise de la représentation dans les années 1970, réagit contre les anciens codes, contre les normes mises en place dès le xviie siècle, se détache de la tradition, des conceptions jugées passéistes des modernes et prône le changement en sortant de la normalité, du cadre. Yvonne Rainer, dans son Manifeste du non, dit « non » aux notions de spectacle, de représentations remplacées par celles de performance. Le show art est abandonné au profit du performing art. Les performeurs ont recours aux gestes copiés sur les animaux, déforment leur visage par des grimaces exagérées, utilisent des accessoires surprenants.
44Les travaux d’Yvonne Rainer et de Simone Forti sont, à ce titre, intéressants pour mettre en lumière cette notion de décentrement. Des collectifs d’artistes naissent comme le Grand Union où Yvonne Rainer et Douglas Dunn proposent des pièces modifiées quotidiennement. Un sens de la collectivité du travail permet d’établir des connexions : Lucinda Childs collabore avec Phil Glass et Sol LeWitt pour une intersection de trois langages minimalistes. Les chorégraphes nord-américains sont ouverts à la multiplication des pratiques de leurs contaminations et de leurs échanges. Ils se détournent de toute contrainte de la normalité pour devenir, selon certains, inconvenants. L’inconvenant permet ainsi de se soustraire à la tradition pour une plus grande créativité donnant naissance à des créations totalement originales.
45Mots-clés : modernisme, postmodernisme, décentrement, hors-norme.
46Decentering in North American postmodern dance: Crisis in modern dance
47Abstract: Postmodernism in North American dance, which coincides with a period of representation crisis in the seventies, was a reaction against the codes and norms dating back to the 17th century. It broke away from tradition, and strongly advocated change by rejecting normality and changing the rules of modern historical dance. Yvonne Rainer’s No Manifesto contributed to the transformation of dance from show art into performing art. Performers observed animals which helped them create new and natural movements. They also did not hesitate to make faces to transform the traditional language of dance, to reject normalcy.
48The study of Yvonne Rainer’s and Simone Forti’s works highlights the notion of decentering. As members of collective multidisciplinary artistic groups, these artists created collective works and changed their creations daily. Connections appeared between dancers, choreographers, musicians, painters, writers who intertwined their aesthetic minimalist language. The reaction against normality, considered by some as indecent and improper, thus gave birth to completely original works.
49Keywords: modernism, postmodernism, decentering, the improper
50Anne-Lise Marin-Lamellet, maître de conférences en civilisation et cinéma britanniques contemporains, université Jean-Monnet Saint-Étienne
51« Why don’t he just tell’em we like hittin’ people? » (The Firm, 1988) : le film de hooligans, un genre inconvenant du cinéma britannique
52Résumé : Le hooliganisme, cette « maladie anglaise » véritable phénomène de société des années 1970 et 1980, a généré un sous-genre du cinéma britannique à partir de 1988 (The Firm, Alan Clarke) qui montre que cette subculture, défi à la loi et à l’ordre moral de la bonne société, est source de réflexion mais aussi de fascination chez les réalisateurs. Ces films font à la fois écho aux nombreuses réactions politico-médiatiques outrées et aux études sociologiques qui ont cherché à comprendre le phénomène, quitte à invalider parfois certaines théories. Ils rendent compte de son évolution à travers les décennies dans un processus d’adaptation à une législation répressive conduisant paradoxalement cette subculture extrêmement médiatisée à rechercher une forme de marginalisation de plus en plus clandestine et violente. Ils montrent aussi les différentes approches esthétiques adoptées par les réalisateurs pour filmer l’inconvenant, entre rigueur quasi documentaire et ballet plus chorégraphié, même si l’hybridité est grande. Souvent perçue comme inconvenante, cette représentation est généralement mal reçue par la critique. Si l’attrait du hors-norme fascine à la fois spectateurs et producteurs, le discours de ces films est pourtant loin d’être toujours aussi subversif que présumé. La multiplication des ersatz utilisant le terme et l’imagerie associée au hooliganisme pour vendre des films qui n’ont finalement que peu de liens avec cette subculture trahit également le caractère mercantile de l’inconvenant.
53Mots-clés : hooligan(isme), subculture, masculinité, classe, violence, cinéma britannique
54“Why don’t he just tell’em we like hittin’ people?” (The Firm, 1988) : The hooligan film, a non-canonical genre in British cinema Abstract: Hooliganism, the infamous “English disease” that peaked in the 1970s and 1980s, has generated a subgenre in British cinema since 1988 (The Firm, Alan Clarke) which shows that this subculture challenging the law and the etiquette of polite society is a source of reflection and fascination for filmmakers. These films echo the numerous morally outraged comments from political and media circles as well as the sociological studies that have sought to understand the phenomenon, sometimes even disproving certain theories. They show how hooliganism has evolved over the decades in a process of adaptation to repressive legislation, paradoxically leading this sensationally publicized subculture to seek an increasingly underground and violent form of marginalization. They also show the different aesthetic approaches adopted by directors to shoot these boys behaving badly, between quasi-documentary rigor and more choreographed ballet, even though films tend to mix different styles. Often perceived as inappropriate and indecent, this kind of representation is generally poorly received by critics. While the appeal of the deviant fascinates both viewers and producers, the discourse of these films turns out to be not as subversive as could be expected. The proliferation of low-budget films using the term and imagery associated with hooliganism to sell films that ultimately have little to do with this subculture also betrays the commercial nature of the disreputable.
55Keywords: hooligan(ism), subculture, masculinity, class, violence, british cinema
56Karine Chevalier, maîtresse de conférences en cinéma, université de Roehampton
57Les masques dans le cinéma de Bertrand Bonello : envisager l’inconvenant
58Résumé : Nous nous proposons d’analyser comment les masques inscrivent un hors-norme dans des contextes de mise en scène réalistes pour dénoncer une normalisation des violences qui déshumanisent : les maisons closes et la violence sur les corps féminins (L’Apollonide, 2011), les grands magasins et le terrorisme de la consommation (Nocturama, 2016), Haïti et les enjeux postcoloniaux français (Zombi Child, 2019), les villes individualistes et les violences du capitalisme (De la guerre, 2008). Le réalisateur décline pour chaque contexte un nouveau masque : le visage féminin défiguré et la prostitution moderne, le masque en or du bling-bling et des médias, le masque des effets spéciaux comme nouvelle forme de vaudou, les masques d’animaux d’un animisme collectif refoulé.
59Les masques, accessoires ou personnages codifiés, inscrivent généralement les motifs traditionnels des films de genre (film d’horreur, de zombie, de guerre, teenpics, biopics). Dans les contextes réalistes des films de Bonello, ils deviennent les accessoires indispensables d’une mise en scène pour interroger non seulement les idéologies (capitalisme, mondialisation, et post-colonisation) mais aussi le cinéma de genre et de normes. Le pacte de réception est ainsi perturbé. Les masques ont finalement pour fonction d’envisager un autre cinéma politique pour une réception hybride, intermédiale et décolonisée.
60Mots-clés : masques, intermédialité, cinéma, Bertrand Bonello, décolonisation, réception
61Bertrand Bonello’s cinematic masks: Giving a face to the improper
62Abstract: The aim of this research is to discuss how Bonello’s cinematic masks disturb realistic mise-en-scene in his films to denounce dehumanizing violence in many contexts: violence against women in brothels (L’Apollonide, 2011), terrorism and mass consumption in shopping malls (Nocturama, 2016), French postcolonial guilt and Haïti (Zombi Child, 2019), urban capitalist individualism confusions (De la guerre, 2008). For each context, Bonello creates a new metaphorical mask such as disfigured female faces and contemporary prostitution, golden bling-bling masks and the media, animal masks of a repressed collective animism. The main function of masks and codified characters in cinema is to reinforce cinematic genre (horror and zombie films, teen pics, war cinema) codes. In contrast, Bonello’s realist mise-en-scene relies on masks to deconstruct norms and ideologies (capitalism, globalisation, postcolonialism), as well cinematic genres. The simple identification with characters is challenged. Masks create holes within the realistic screen usually perceived as “face-identification”. Moreover, realistic narrative plots prevent the audience’s typical reception associated with cinematic genres and its “mask-dehumanisation”. Bonello thus offers an alternative to mainstream consumption with his new “face-mask” devices to give a face to the improper, allowing a more hybrid, intermedial, decolonized, and critical film’s reception.
63Keywords: masks, intermediality, cinema, Bertrand Bonello, decolonisation, reception
64Claude Dikégué, doctorant, université Jean-Monnet Saint-Étienne, ECLLA
65De l’invisibilité à la visibilité des Pygmées par l’inconvenant : le cas du personnage Gonaba dans Le silence de la forêt d’Étienne Goyémidé
66Résumé : Cet article propose une réflexion sur l’invisibilité et la visibilité des Pygmées au prisme de l’inconvenant. À cet effet, comment le personnage principal Gonaba (Bantou) utilise-t-il l’inconvenant pour visibiliser la minorité Pygmée ?
67Nous traiterons, en premier lieu, du dialogue interculturel. En effet, dans une société bantoue dominée par les préjugés selon lesquels les Pygmées seraient des primitifs et des animaux, il s’agira de montrer le dialogue entre Gonaba (Bantou) et Manga (Pygmée). À l’issue de ce dialogue naîtra un décentrement chez le Bantou Gonaba. Un décentrement qui laissera place à une marche vers l’inconvenant. Pris de curiosité, Gonaba ira à l’encontre des normes de la société bantoue dont il est issu pour aboutir au rejet des préjugés vis-à-vis des Pygmées.
68Nous analyserons également la marche initiatique de Gonaba. Cette marche, qui prend appui sur la notion d’inconvenant, et dont l’objectif est la connaissance des Pygmées, permettra à Gonaba de se défaire des préjugés et d’aller à contre-courant des normes dans l’objectif de visibiliser les Pygmées.
69Mots-clés : visibilité, invisibilité, inconvenant, décentrement, Pygmées, Bantou
70From Pygmies’ invisibility to visibility through the prism of inconvenience: The Example of the Gonaba character in Étienne Goyémidé’s Le silence de la forêt
71Abstract: This article addresses the invisibility and visibility of Pygmies through the prism of inconvenience and raises the question: how does the main character Gonaba (a Bantu) use inconvenience to make the Pygmy minority visible?
72I will focus on the intercultural dialogue between the main character and the minority group. In the Bantu society, Pygmies are considered as primitive tribes and animals. Thus, we will base our demonstration on the dialogue between Gonaba (a Bantu) and Manga (a Pygmy) which leads to the decentering of Gonaba. My analysis will show that this decentering process gradually moves towards inconvenience as Gonaba is gripped by curiosity and goes against the Bantu society’s norms to end up rejecting prejudices against Pygmies. I will also analyze Gonaba’s journey by basing my study on the notion of inconvenience. This initiatory journey, undertaken in the aim of learning about Pygmies, will enable Gonaba to get rid of prejudices and to go against the norm in order to make Pygmies more visible.
73Keywords: Bantu, decentering, invisibility, Pygmies, visibility
74Tamara Figueroa Ferrière, docteure en littérature et civilisation hispano-américaine, université Paris-Est Créteil Val-de-Marne (UPEC, Paris 12)
75Représenter la diversité : minorités sexuelles et de genre Enjeux et conflits dans l’œuvre de Pedro Lemebel et Carmen Berenguer
76Résumé : « S’il n’y a pas de justice, il y a une funa » : ce cri viscéral se répète tout au long du recueil de chroniques Háblame de amores de l’écrivain chilien Pedro Lemebel (1956-2015). Ici, la déconstruction des stéréotypes sexuels et de genre est clé pour com- prendre l’œuvre. L’auteur propose une réflexion autour de l’idée de travestir les lieux militarisés, hétéronormatifs et répressifs, en pleine dictature de Pinochet au Chili (1973-1989). Il s’agit d’une militance pour la liberté, la justice et les droits humains. Chez Lemebel, il existe une déclinaison de formes et de contenus à travers un regard transgénérique des personnages qui font une irruption carnavalesque malgré le danger de cette époque. Des homosexuels manifestent entourés de plumes, de coloris et de paillettes, dont les corps représentent un acte de sédition contre l’oppression.
77Dans cette même idée, Carmen Berenguer fait apparaître dans Plaza de la Dignidad toutes ces voix qui descendent dans les rues pour crier leur mécontentement et les inégalités qui persistent après le retour à la démocratie au Chili. En se convertissant en un lieu de rassemblements et de revendications sociales, la place est devenue le centre d’une deuxième révolution au Chili le 18 octobre 2019.
78Mots-clés : Carmen Berenguer, Pedro Lemebel, minorités sexuelles, stéréotypes sexuels, dictature/démocratie chilienne, oppression
79Representing Diversity : Sexual and Gender minorities Issues and conflicts in the works of Pedro Lemebel and Carmen Berenguer
80Abstract: “If there is no justice, there is a “funa” (which means “rotten” in the Mapuche language): this visceral cry is repeatedly heard throughout the collection of chronicles Háblame de amores by the Chilean writer Pedro Lemebel (1956-2015). Here, the deconstruction of sexual and gender stereotypes allows understanding his work. Through a campaign for freedom, justice and human rights, the author offers a reflection around the idea of disguising militarized, heteronormative and repressive places in the midst of the military dictatorship of Pinochet in Chile (1973-1989). In Lemebel, the transgeneric gaze of the characters, who make a carnivalesque irruption despite the danger of this era, reveals a variation of forms and contents. Homosexuals demonstrate, wrapped in feathers, colors and sequins. Their bodies represent an act of sedition against oppression.
81This same idea is brought to light in Plaza de la Dignidad (2020) by Carmen Berenguer where all these voices take to the streets to shout their discontent and denounce the inequalities which persisted after the return to democracy in Chile. By becoming a place of gatherings and social demands, the Chilean Square became the center of a second revolution on October 18, 2019.
82Keywords: Carmen Berenguer, Pedro Lemebel, sexual minorities, sexual stereotypes, Chilean dictatorship/democracy, oppression
83Souleymane Cisskho, doctorant, université Clermont Auvergne et université Assane Seck de Ziguinchor (Sénégal)
84Les inconvenances et les stratégies occidentales de remise à l’ordre dans les relations interculturelles Afrique-Occident : du colonialisme à l’ère postcoloniale
85Résumé : Dans les relations entre l’Afrique et l’Occident, marquées par les différences culturelles, la notion « d’inconvenant » est un point particulièrement présent. Cela apparaît dans les conséquences du colonialisme notamment à travers les distorsions culturelles liées aux sources et l’ordre des valeurs entre administrateurs coloniaux et administrés. Ces distorsions ont bien souvent suscité des stratégies de « remise à l’ordre » particulièrement de la part des administrateurs qui, au xixe siècle par le biais des missionnaires occidentaux, ont endossé le devoir de construire une société africaine aux coutumes et croyances magico-religieuses obsolètes, au prisme de la culture « moderne » occidentale. Cette démarche s’est poursuivie en période postcoloniale avec les missions occidentales entreprises par les Organisations non gouvernementales de développement et avec les entreprises multinationales occidentales, par l’intronisation des théories évolutionnistes et de l’économisme occidental à des sociétés africaines qui auraient un modèle traditionaliste « non favorable » au développement économique et entrepreneurial.
86Par conséquent, l’objet de cet article consistera à analyser les stratégies occidentales de remise à l’ordre déployées dans l’histoire des relations interculturelles entre l’Afrique et l’Occident de la période coloniale à l’ère postcoloniale.
87Mots-clés : Afrique, Europe, différences culturelles, inconvenant, postcolonialisme
88The Improper and Western Strategies to Restore Norms in African-Western Intercultural Relations: From Colonialism to the Postcolonial Era
89Abstract: Relations between Africa and the West are marked by cultural differences where “improperness” is particularly prominent. This is evidenced by the cultural distortions related to the sources and order of values between colonial administrators and the administered. These distortions have often prompted strategies to “restore the norms”, particularly on the part of colonial administrators who, in the 19th century, with the help of Western missionaries, took on the duty of constructing an African society through the lens of “modern” Western culture. To that end, obsolete magical-religious customs and beliefs were banned as they were considered “primitive”
90and outdated. This approach continued in the postcolonial period with Western missions undertaken by Non-Governmental Development Organizations and multinational corporations, which impose/ imposed evolutionary theories and Western-based economism on African societies that supposedly have a “non-favorable” traditionalist models deemed inhospitable to economic and entrepreneurial advancement.
91This paper thus aims at analyzing the Western strategies of “returning to the center”, deployed throughout the history of intercultural relations between Africa and the West from the colonial period to the postcolonial era.
92Keywords: Africa, Europe, cultural differences, improperness, postcolonialism
93Isabelle Hervouet, maîtresse de conférences en littérature britannique, université Clermont Auvergne
94The Tenant of Wildfell Hall, roman scandaleux d’Anne Brontë traduit en français
95Résumé : À partir, notamment, du curieux La Recluse de Haworth (1947), nous proposons de considérer la traduction en français du second roman d’Anne Brontë, jugé inconvenant et « désagréable », selon les premières critiques publiées en 1848, au point de conduire l’exécutrice littéraire de l’autrice (sa sœur Charlotte) à en refuser la réédition. Cette analyse fera dans un premier temps la part de la mythification du biographique qui s’est attachée, à la mort des trois sœurs, à occulter une production romanesque jugée embarrassante dans son ensemble. Cette première stratégie de retour au convenable laisse des traces dans la traduction du second roman d’Anne, sommée (personnellement et dans sa production) de correspondre à un idéal féminin de discrétion et de retenue. Mais dès lors que Jane Eyre et Wuthering Heights sont reconnus comme des œuvres puissantes, quelques décennies plus tard, la réception des romans d’Anne Brontë se construit par le prisme de l’œuvre de ses sœurs, et le retour vers une norme « brontëenne » consiste à faire passer The Tenant of Wildfell Hall pour un texte romantique, ce à quoi s’emploient activement les traducteurs. Les malentendus qui portent sur les intentions de l’écrivaine sont ainsi inscrits par strates dans les traductions du roman publiées encore aujourd’hui.
96Mots-clés : traduction, Anne Brontë, approche biographique, normes, romantisme, roman social
97French translations of an “unpleasant” novel: The Tenant of Wildfell Hall (Anne Brontë)
98Abstract: This paper considers the history of the translation into French of Anne Brontë’s The Tenant of Wildfell Hall (1848). Brontë’s second novel was considered coarse and “unpleasant” by its initial reviewers, which led to the author’s literary executor’s attempt to consign the book to oblivion, and the publication, after the sisters’ deaths, of a mutilated version of the novel. The analysis addresses first the mystification of the Brontës’lives, which succeeded in concealing a body of work deemed embarrassing. This initial strategy of a return to propriety left its mark on the translation of Anne’s novel, the author being called upon (both personally and in her writing) to live up to a feminine ideal of discretion and restraint. Once Jane Eyre and Wuthering Heights were recognized as powerful novels, towards the end of the nineteenth century, the reception of The Tenant of Wildfell Hall was shaped by Anne’s sisters’ work. The emergence of a “Brontëan” norm (a blend of romance and biographical data) led both critics and readers to consider the novel Romantic and autobiographical, a misrepresentation to which the French translators actively contributed. Such falsification of the writer’s true intentions can still be traced in most French translations of the novel published today.
99Keywords: translation, Anne Brontë, biographical approach, norms, romanticism, social novel
100Hélène Fromen, artiste et autrice
101Tordre l’identité et partir ailleurs
102Résumé : Plutôt qu’aux convenances sociales, ce travail s’attachera au principe d’autodétermination et à l’esprit de communauté. L’émancipation passe par l’expérience personnelle et la prise de risque : ce que j’appelle « Tordre l’identité jusqu’à l’essorer ». Elle se fonde sur mon expérience personnelle d’artiste et autrice, en particulier à travers mes performances. Avec celle intitulée « Monstre-moi », j’impulse des instructions aux dessinateur.rice.s ou a minima une autorisation explicite à déformer, interpréter, jouer avec mes poses corporelles comme autant de propositions. Par ma pratique d’ateliers de dessin d’après modèle, j’explore les multiples possibilités de partager cette expérience, en la rendant accessible à toutes et à tous comme en documentant les ateliers et en ouvrant le dialogue. Ma recherche vise ainsi à mettre au jour la tension entre l’affirmation de la singularité de chacun.e et sa dissolution dans le collectif, les phénomènes de désidentification et de contamination, le désir persistant d’étrange. La multiplicité des points de vue comme celle des poses et des ateliers eux-mêmes contribuent à leur matérialisation. Nudité, pudeur, impudeur, vulnérabilité, détermination s’entremêlent pour déjouer les normes du convenable, sortir de l’aporie du jugement de ce qui est inconvenant et ce qui ne l’est pas, trouver une voie au-delà, ou plusieurs, pour partir ailleurs.
103Mots-clés : dessin(s), performance(s) artistique(s), convenances sociales, inconvenant, nudité, pudeur, impudeur, vulnérabilité, jugement(s)
104Twisting identity and moving elsewhere
105Abstract: This work will focus on the principle of self-determination and the sense of community, rather than social conventions. Emancipation comes through personal experience and risk taking: in other words, what I call “twisting identity” to the point of wringing it out. This is based on my personal experience as an artist and author, particularly through my performances. In the performance entitled “Monstre-moi” (“Monstration”), artists are prompted drawing instructions, or at the very least are given an explicit authorization, to distort, interpret and play with my corporeal poses which function as propositions. By running life drawing workshops, making them accessible to everyone, documenting them and opening up a dialogue, I explore the many ways in which this experience can be shared.
106My research aims at shedding light on the tension between the affirmation of individual singularity and its dissolution into the collective, the phenomena of misidentification and contamination, and the persistent desire for the bizarre. The multiplicity of viewpoints, as well as the poses and the workshops themselves, all contribute to their materialization. Nakedness, modesty, shamelessness, vulnerability and determination are intertwined to defy the norms of appropriateness, to break out the aporia of the judgment of what is inappropriate and what is not, to find a way beyond, or several ways beyond, and to move elsewhere.
107Keywords: drawing, artistic performance, social norms, non-canonical phenomena, nakedness, modesty, immodesty, vulnerability, judgment
108Éric Agbessi, professeur des universités en sciences de l’information et de la communication, université Clermont Auvergne, laboratoire Communication et Sociétés ; Christine Saez, directrice administrative adjointe de l’IUT Clermont Auvergne
109Une université sous des traits forains pour réécrire les marges de la ruralité
110Résumé : Le concept de « rhizome » proposé par Gilles Deleuze et Félix Guattari a trouvé une illustration particulière lors de la création, en 2022, de l’université foraine au sein de l’IUT Clermont Auvergne. Selon le principe initié dans ce cadre, il s’agit de donner une cohérence universitaire territoriale en travaillant sur des territoires ruraux émergents aux yeux de l’université, c’est-à-dire n’ayant pas de liens conventionnels avec l’établissement. Le travail entrepris ici consiste à connecter des points en ayant la certitude que les traits ainsi tracés ne sont pas de même nature puisqu’ils relient des environnements publics de nature différente, en l’occurrence une collectivité territoriale et un établissement universitaire. Cette relation additionnelle, dans le sens où elle permet de construire de nouveaux partenariats, ne consiste pas à multiplier le nombre de campus, mais plutôt à proposer une géométrie variable qui offre de nombreuses possibilités tant sur le plan de la formation notamment à travers les matières d’application de chaque département de l’IUT que sur celui de la recherche-action – un projet ANR a été déposé dans un cadre pluridisciplinaire.
111Pour le dire autrement, en rendant visible ce qui était invisible jusqu’à présent aux yeux de l’université, l’établissement se recentre politiquement sur ses missions exploratoires en sollicitant ses agents différemment pour s’inscrire dans de nouvelles organisations visant un développement structurel conjoint.
112Mots-clés : démarche innovante, université, université foraine, convention, ruralité, territoire/territorialité
113A Fairground University to rewrite the margins of rurality
114Abstract: The creation of the Fairground University project in 2022 within the Institute of Technology, a faculty of the University of Clermont Auvergne, is a particular illustration of the “rhizome”concept proposed by Gilles Deleuze and Félix Guattari. According to this principle, the aim is to give complete coherence to a territorial university. This is done by working on rural territories that are emerging in the eyes of the university, in other words, that have no conventional links with the institution. The work carried out here consists in connecting points, in the certainty that the lines drawn are not of the same nature. They connect public environments of a
115different nature, in this case a local authority and a university institution. This additional relationship, in the sense that it makes it possible to create new partnerships, does not consist in multiplying the number of sites, but rather in proposing a variable geometry that offers numerous possibilities both in terms of training, in particular through the applied subjects of each of the technological institutes, and in terms of action research – a national project has been submitted within a multidisciplinary framework.
116In other words, by making visible what was previously invisible to the university, the academics are now politically refocusing on their exploratory missions and calling on their communities to join new organizations in a different way for a common structural development.
117Keywords: innovative approach, university, fairground university, convention, rurality, territory/territoriality
118Orielle Belin, enseignante certifiée en lettres modernes et doctorante du CELIS
119Visages et corps chez Virginie Despentes
120Résumé : Année 2000 : l’adaptation cinématographique du roman Baise moi de Virginie Despentes est censurée. Suivant les concepts deleuziens, on peut considérer qu’un gradient d’intensité se définit : celui d’un décentrement de l’œuvre qui la place à la marge d’une « ordination des normalités ». Ainsi, les corps et leur sexe, en gros plan littéraire ou cinématographique, désorganisent leur référent. Virginie Despentes s’en désolidarise même par la représentation de corps, d’organes fouillés, creusés, rapprochés à l’excès de notre œil. Ceux-là montrent non seulement leurs orifices, leurs « trous noirs » mais aussi leur visage comme autant de seuils à franchir. Ils sont alors « spatium » de circulation. Non seulement on y circule, mais encore ils y sont tension circulante puisqu’ils s’échappent d’eux-mêmes. Ainsi lit-on les procédés de stylisation des déchets corporels et autres morceaux.
121Le visage corporel chez Despentes est extensif car il produit sa propre transgression de laquelle l’autrice extrait des intensités et des forces – des vis, des violences – qui défont et refont les corps, donc les visages. Nous nous demanderons donc si ces représentations des corps parviennent à faire route vers l’« asignifiant » et l’« asubjectif » ou si elles ne font qu’atteindre une nouvelle strate signifiante.
122Mots-clés : représentation des corps et de leur sexualité, corps et sacralité, limites, violences et transgressions
123Faces and bodies in Virginie Despentes’s work
124Abstract: 2000: The film adaptation of the novel Baise moi written by Virginie Despentes was censored. According to Deleuze’s concept, we can consider that an intensity gradient is defined and caused by the decentering of the work that places it on the margin of an “ordination des normalités”. Thus, the bodies and their sexes, shown in a close-up both in the novel and in the film, disrupt their referent. Virginie Despentes even breaks away from this reference by representing excavated and hollowed out bodies or organs and by bringing them excessively close to our eyes. Those not only show their orifices, their “trous noirs” but also their faces as thresholds to be crossed. They, therefore, become “spatium” of movement. Not only do we travel there but they are circulating tensions as they escape from themselves. Ergo, we read the stylization processes as bodily waste and such.
125In Virginie Despentes’s work, the facial embodiment is extensive because it produces its own transgression from which the author deconstructs and reconstructs bodies and, therefore, faces. Consequently, we will ask ourselves if these body representations manage to head towards the “non-significant” and the “non subjective” or if they only reach a new layer of meaning.
126Keywords: Body representations and their sexuality, body and sacredness, limits, boundaries, violence and transgressions
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