Technomedia
|Les cultures jeunes, du rock aux danses électro
Chapitre 3. Les jeunes, producteurs de leurs cultures
Texte intégral
Entre autonomie et opposition
- 1 Sur l’analyse générale des sous-cultures, voir notamment J. Clarke, S. Hall, T. Jefferson, B. Robe (...)
- 2 D. Hebdige, « Système du Mod », Réseaux, no 80, 1996.
- 3 P. Cohen, « La communauté ouvrière et le conflit subculturel », Réseaux, no 80, 1996 et G. Lescop,(...)
- 4 C. O’Hara, La philosophie du punk. Histoire d’une révolte culturelle, Rytrut, 2003, p. 179-193.
- 5 Phil Cohen, « La communauté ouvrière et le conflit subculturel », art. cit.
- 6 D. Hebdige, Subculture. The meaning of style, London/New York, Methuen, 1979.
1À partir du milieu des années 1950, les jeunes conquièrent une autonomie culturelle. On parle de « sous-cultures » (subcultures) pour désigner le développement d’ensembles cohérents de valeurs, d’attitudes, de styles musicaux et vestimentaires, de significations accordées au monde environnant1. Il n’y a là rien de péjoratif ; simplement, ces styles de vie, tout en s’inscrivant dans la société globale, affirment leurs traits distinctifs. Certaines de ces cultures, plus que de simplement s’en distinguer, s’opposent à la société conventionnelle des adultes, ou manifestent des attitudes subversives. L’Angleterre a été le foyer de tels courants musicaux et stylistiques qui se sont ensuite diffusés en France. Ainsi des Teddy Boys, dont on commence à parler dans l’Angleterre des années 1950 et qui se rallient ensuite au rock’n’roll américain, celui d’Elvis Presley et de Bill Halley, développant une culture du juke-box. À la fin des années 1950, la génération suivante prend le relais : c’est l’apparition du phénomène mods, abréviation de modernists. Les mods s’intéressent à la musique noire américaine (modern jazz, r’n’b, soul, puis ska) importée des États-Unis, mais on retrouve aussi l’influence de groupes comme les Who et les Rolling Stones. Les mods adoptent un look dandy : chemises blanches italiennes, pantalons étroits, costumes sur-mesure, mini-jupes à dessins géométriques, cheveux dégradés, raies sur le côté. Ils ont le goût de l’apparence et du style, comme en témoignent leurs scooters Vespa « tunés », avec force rétroviseurs. Cette attitude hédoniste où priment l’esthétique et le vécu intense du moment présent passe aussi par la consommation d’amphétamines2. À l’époque, les mods suscitent l’inquiétude, d’autant que des violences éclatent entre mods et rockers. Le mouvement mods commence à décliner au milieu des années 1960, tandis que le phénomène hippie d’un côté et les mouvements punk et skinhead de l’autre, prennent le relais. Les skinheads écoutent les musiques noires américaines (soul, rhythm’n’blues), mais ils sont aussi influencés par les « rude boys », le milieu immigré jamaïcain et antillais et ses musiques (ska, rocksteady, reggae). Le mouvement skinhead naît dans le milieu populaire ouvrier anglais. Les chansons reggae parlent de leur vie quotidienne : émeutes, condition ouvrière, difficultés du quotidien, contestation, mais aussi sexe, danse et football. Les vêtements des skinheads sont issus des tenues de travail des dockers, comme les Doc Martens coquées, des chaussures de sécurité, les blousons de dockers, les jeans, les bretelles, les tatouages. Ce n’est que dans les années 1980 que se fait une association entre le mouvement skinhead, les attitudes racistes et le hooliganisme3. Cette tradition alternative se poursuit également avec le punk, avec des groupes emblématiques comme les Ramones aux États-Unis et les Sex Pistols en Angleterre. En Angleterre, le punk émerge sur fond de crise économique et de contestation sociale. Une marque contestataire que l’on retrouve aussi bien dans la musique que dans les attitudes et les codes vestimentaires. Se distinguant du mouvement hippie et du rock devenu trop sage, le punk soutient les attitudes extrêmes, la musique violente, mais aussi le faire par soi-même. Valorisant la prise en main des guitares et du micro par quiconque le souhaite, même s’il n’a pas les compétences musicales, l’essor du punk doit beaucoup à l’activité de tous ces amateurs qui jouent de la musique, produisent des disques et créent des fanzines, dans les marges de l’industrie du disque4. Beaucoup de ces cultures jeunes émanent des milieux populaires. Elles peuvent alors apparaître comme une manière de réagir aux difficultés voire de se révolter contre l’ordre social qui leur réserve une position subalterne. Les mods répondent aux difficultés de la classe ouvrière en s’en échappant symboliquement pas l’hédonisme et un style de vie plus aisé. Les skinheads au contraire réaffirment les valeurs et le style de vie populaires5. Les punks transgressent quant à eux les codes et normes établis : les épingles à nourrice des ménagères transpercent les visages, le maquillage est appliqué volontairement de manière outrancière, les tenues mélangent uniformes d’écolier et tee-shirts déchirés. La musique punk s’oppose à la virtuosité technique, valorise le bruit contre la musicalité, et donne lieu à une danse bien éloignée de la bienséance, le pogo6.
- 7 J.-P. Bouyxou et P. Delannoy, L’aventure hippie, Paris, Éditions du Lézard, 2000 ; à lire aussi : (...)
2D’autres sous-cultures proviennent de milieux sociaux plus aisés, mais portent aussi des valeurs critiques vis-à-vis de la société conventionnelle des parents, ou sont à la recherche de modes de vie alternatifs. Les mouvements beat et hippie, s’ils se sont vite diffusés en Grande-Bretagne et en France, ont pris leur essor aux États-Unis. Dans les années 1950 et 1960, les beatniks sont rassemblés autour d’écrivains atypiques tels que Jack Kerouac, Allen Ginsberg ou encore Williams Burroughs, et des musiciens folk, au premier rang desquels on peut citer Bob Dylan. Dans les années 1960 et 1970, les hippies sont à la recherche d’une vie plus spirituelle inspirée des cultures orientales, d’un mode de vie en rupture avec la société des adultes perçue comme individualiste et sclérosée. À ces modèles de vie, les hippies opposent la vie communautaire et le voyage, l’expérimentation des drogues comme moyen d’atteindre de nouvelles dimensions spirituelles. Côté musique, les hippies se retrouvent autour de Jimi Hendrix, de Janis Joplin et du rock psychédélique des Doors, de Grateful Dead ou encore de Jefferson Airplane. C’est aussi l’époque des gigantesques festivals : Woodstock, en 1969, marque l’apogée du phénomène hippie7.
- 8 L. Pourtau, Techno. Voyage au cœur des nouvelles communautés festives, Paris, CNRS Éditions, 2009, (...)
3Comme les autres cultures jeunes, ces expressions alternatives font la part belle à la musique. Mais elles portent aussi des valeurs alternatives au conformisme ambiant, ou en développent une critique (on parle alors de contre-culture). Cette tradition se retrouve dans une partie du rap, puis dans la musique électronique des free parties. Bien des traits du mouvement free party empruntent à la culture punk. Comme le punk, la musique des free parties valorise le bruit contre la musicalité. On y retrouve la même valorisation de la liberté, les thèmes anarchistes, une critique de la toute-puissance de l’argent dans la société capitaliste, mais aussi de la toute puissance de l’État. Les free parties sont organisées par des groupes de jeunes, appelés « tribus » ou « sound systems ». Organiser des fêtes non payantes et tenter un autre mode de vie est vécu comme un engagement militant. Mais c’est surtout la philosophie du Do It Yourself – fais-le par toi-même – qui est commune aux deux courants. Le punk valorisait en effet la formation d’un groupe, la prise en main des guitares et du micro par quiconque en manifeste le désir, même et surtout s’il n’en a pas les compétences techniques, ainsi que la prise en charge autonome des activités de production et de diffusion musicale : autoproduction, organisation de concerts, création de fanzines, etc. Un principe que l’on retrouve dans le mouvement alternatif des musiques électroniques, qui valorisent l’organisation autonome de fêtes et l’autoproduction musicale, et prennent en charge eux-mêmes l’information sur leurs événements. D’autres traits se situent davantage dans la continuité du mouvement hippie. Certains groupes possèdent collectivement le matériel de sonorisation pour produire la musique et organiser des fêtes. Certains groupes expérimentent aussi des modes de vie alternatifs : ils vivent en communauté, défendent l’idée de la propriété collective, pratiquent ensemble le voyage8. L’imaginaire hippie se retrouve aussi dans un autre courant d’ampleur des musiques électroniques, celui de la trance. La musique trance, qui se divise encore en de nombreux sous-genres (psychédélique et progressive notamment), est un style de musique électronique à la fois rythmique et invitant au voyage, par la présence de sons psychédéliques ou « planants ». Ce qui caractérise ce mouvement est sa dissémination aux quatre coins du monde. Les fêtes et grands festivals, organisés par des acteurs locaux ou des promoteurs occidentaux, se tiennent un peu partout dans le monde au rythme des périodes estivales : de juin à août en Europe (Allemagne, France, Portugal, Suisse, etc.), puis dans l’hémisphère sud pendant la période hivernale (Goa en Inde, mais aussi Thaïlande, Indonésie, Afrique du Sud, Australie, Amérique du Sud, etc.). Les fêtes plantent un décor inspiré des cultures orientales, de la spiritualité indienne et du psychédélisme des années 1960 : couleurs vives, fluorescentes et phosphorescentes, images fractales, motifs psychédéliques, représentations de divinités hindoues, etc. Au-delà de l’esthétique, on y retrouve les modèles culturels du mouvement psychédélique, tels que l’attrait pour la vie communautaire, l’intérêt pour les médecines douces et les spiritualités orientales.
- 9 G. Guibert, La production de la culture, op. cit., p. 234-250. Sur les courants underground et l’i (...)
4Les cultures alternatives se développent en partie en marge des grands réseaux professionnels de la musique et du spectacle. Elles sont en partie animées par des jeunes gens qui mènent des activités musicales, font de la musique, produisent des disques, organisent des concerts, de manière relativement autonome par rapport aux réseaux institutionnels et professionnels. Ce dynamisme a été introduit par le punk. C’est en effet à partir de cette époque (fin 1970, début 1980), que les groupes amateurs se multiplient. Les instruments et le matériel de musique se démocratisent et deviennent donc plus accessibles économiquement. Dans les années 1980, avec l’essor des radios libres et l’apparition de distributeurs indépendants, de nouveaux réseaux de diffusion se structurent. Des labels indépendants éclosent. Ce dynamisme est porté par la philosophie du Do It Yourself9. On retrouve cet état d’esprit dans toutes les cultures alternatives suivantes. C’est là une grande source de dynamisme des courants musicaux de la jeunesse. Dans ces milieux, être « anti-commercial » est une valeur. Ceux qui adhèrent à ces courants critiquent souvent les grandes entreprises de l’industrie culturelle, leur reprochant d’être moins animées par l’intérêt artistique que par la recherche du profit. Malgré tout, les relations entre les deux ne sont pas aussi tranchées. Car certains musiciens se professionnalisent, et parce que l’industrie culturelle se nourrit aussi de ces cultures underground : initiées dans des réseaux amateurs ou des scènes locales, ces expressions viennent irriguer la production de la culture, s’insèrent en partie dans son secteur économiquement intégré. Les maisons de disques indépendantes – dont on a vu le rôle dans le dynamisme des courants culturels populaires – sont d’ailleurs bien souvent issues de ce vivier de créativité, à la faveur de la professionnalisation d’une partie des amateurs qui développent des activités.
Cultures jeunes et pratiques amateurs
- 10 O. Donnat, Les pratiques culturelles des Français à l’ère numérique. Enquête 2008, op. cit., p. 66 (...)
5Les cultures jeunes sont aussi animées par les pratiques artistiques et culturelles amateurs, c’est-à-dire celles pratiquées pour le plaisir, et non de manière professionnelle (elles ne sont pas la base d’une identité professionnelle ni des revenus principaux) ou scolaire. Les 15-19 ans sont ceux qui pratiquent le plus de telles activités. Elles restent encore très répandues chez les 20-24 ans, décroissent durant la vie adulte avec ses responsabilités, pour remonter après la cinquantaine, soit au moment où se relâche ou s’achève la vie professionnelle. Une partie de ces activités sont découvertes durant l’enfance, encouragées par les parents. Mais, à l’adolescence, les jeunes s’engagent dans des activités qu’ils choisissent plus librement. La musique, mais aussi aujourd’hui la photo et la vidéo avec l’arrivée des téléphones portables multimédias, sont des pratiques largement répandues chez les adolescents. Ils sont aussi très nombreux – deux tiers des 15-19 ans et plus de la moitié des 20-24 ans – à créer sur leur ordinateur, qu’il s’agisse d’écrits, de sons ou d’images10. Écriture, musique, danse, plus récemment pratiques liées à l’informatique et au numérique… sont des moyen d’expression, d’affirmation et d’affiliation. Au moment de la construction identitaire, les jeunes y trouvent un moyen d’exprimer leur intériorité. Elles répondent aussi à une quête d’indépendance, les jeunes affirmant leurs propres goûts. Elles peuvent aussi être un moyen d’affirmer une identité « jeune », en s’affiliant à des communautés de goûts propres à leur génération. Souvent pratiquées avec les amis, elles sont aussi un support des relations amicales, qui prennent beaucoup d’importance à cet âge de la vie.
« Généralement on ramène la caméra, on a notre réalisateur qui nous prend la tête pour prendre des plans, après on les met sur le blog. »
Krymo, 17 ans, team Hooliteck
- 11 H. Bazin, « Jeunesses messianiques et espaces populaires de création culturelle », Agora, no 29, P (...)
6Les courants culturels sont rarement vécus comme un simple goût par les jeunes. Ils sont plutôt synonymes d’adoption d’un groupe, d’un look, d’un style de vie. Ils prennent corps dans le quotidien des jeunes. Le moment de la découverte est parfois décrit comme une « claque » ou une « révélation » qui signe le désir de s’y engager plus avant. Danser à son tour est une manière de participer pleinement au courant culturel, d’y tenir un rôle actif, de s’y sentir intégré. La danse est une modalité, tandis que d’autres vont investir Internet pour la création d’un blog personnel ou d’une page web dédiée à la team, d’autres encore se lancent dans la vidéo ou le montage pour la réalisation de petits films sur les danseurs. La facilité à s’engager dans une activité est un ressort important de l’engouement suscité par ces courants auprès des jeunes. D’une certaine manière, les jeunes inventent là des « espaces interstitiels » dans lesquels ils peuvent s’investir, participer à la création culturelle, expérimenter des rapports à soi et aux autres11. Il est en effet plus aisé de s’investir dans un courant culturel animé par des amateurs que dans un monde professionnalisé, dans un courant naissant que dans des styles bien constitués.
« J’ai une passion pour l’audiovisuel, c’est moi qui m’occupe des montages, des plans, des scénarios, des scripts. »
Picolo, Team Hooliteck
« C’était du jamais vu, et c’était une danse relativement récente, je savais qu’on pouvait encore innover, qu’on pouvait encore inventer nos propres mouvements, qu’on pouvait avoir notre marque de fabrique et c’est ce qui m’a plu. Donc j’ai voulu me lancer là-dedans et entre guillemets essayer de m’imposer. »
KLM, 18 ans, team Pirateck
7En ce sens, les jeunes ne sont pas que des consommateurs de culture. Des adolescents qui forment un groupe et répètent dans le garage des parents, un groupe de punk qui se produit dans des bars, des jeunes réunis en « tribu » qui organisent une free partie au fond d’un bois, des jeunes amateurs de hip hop qui se réunissent pour mixer et rapper dans une MJC… toutes ces activités, amateurs ou semi-professionnelles, pratiquées par passion, nourrissent les courants culturels. Si les pratiques amateurs forment l’essentiel des activités dans les cultures underground, elles participent du dynamisme des autres mouvances. En matière de culture populaire, le passage de l’écoute au jeu, du goût au faire, est fluide. Les cultures jeunes qui durent, avant qu’un courant porté par la génération suivante lui vole la vedette, y tirent en partie leur vitalité. C’est ce que l’on voit avec les danses électro, et c’est pour cela qu’on ne peut les réduire ni à une opération commerciale bien menée ni à un pur produit des industries culturelles.
La sociabilité des jeunes et l’activité des teams
8Dans les sous-cultures, les jeunes choisissent parmi des signes disponibles, un ensemble de traits qui les distinguent : vêtements, coiffures, accessoires. Ils sélectionnent des objets courants, les détournent, leur donnent de nouvelles significations. Ils y adjoignent un langage, des attitudes. Ils développent des relations amicales, mais aussi des activités : musique, danse, ou encore graphisme. Les cultures dites alternatives trouvent dans ces pratiques amateurs le principal de leur dynamisme. Les jeunes sont en ce sens – par les styles de vie qu’ils inventent, les activités qu’ils initient – pleinement producteurs de la culture. Ce dynamisme se retrouve-t-il dans les danses électro ? Si l’on place un curseur entre les cultures commerciales et les cultures underground, les danses électro se situent clairement du côté des premières. Mais elles sont tout de même animées en partie par les pratiques amateurs. Toute une sociabilité tient autour des danses électro : elles sont le support de relations amicales. Tout comme les amateurs de rock se retrouvent autour d’un poste pour écouter leurs musiciens préférés, tout comme des adolescents forment à leur tour leur groupe à l’image des stars qu’ils adulent, les jeunes se retrouvent pour partager le plaisir de la danse, s’entraîner, apprendre de nouvelles phases, se défier dans des battles. Les cours de collège, les discothèques, mais aussi la rue, sont autant d’endroits où les jeunes se retrouvent pour danser ensemble.
« Les clubbers, on est une grande famille, quand tu vois quelqu’un en boîte, tu le rencontres, après tu le vois dans la rue, on se fait la bise, on est entre nous, il n’y a pas de barrière. […] C’est ça que j’aimais au Mix, on rigolait, on est entre potes, on écoute du bon son, on danse, on invente des nouveaux mouvements, on rigole, sans se prendre la tête, c’est pour souffler, penser à autre chose. »
Fozzie Bear, 18 ans, Dance Generation
« Quand on voit des danseurs, on dit ‘viens, on va les clasher, on va les défier’. C’est bon esprit, la dernière fois on a échangé nos numéros. On fait des contacts, et après on se revoit. »
Manon, 15 ans.
9En 2007 et 2008, à Paris, Châtelet et le Trocadéro sont deux hauts lieux de rassemblement. Les danseurs et les clubbers se retrouvent aussi au Louvre, à Montparnasse… Mais ces lieux publics sont aussi des points de rassemblement des plus jeunes, qui ne peuvent fréquenter les clubs (à l’exception des après-midis et des before). Ainsi, dans les jardins de Châtelet par exemple, on pouvait croiser le week-end des petits groupes d’adolescents qui discutaient, s’entraînaient, allaient à la rencontre d’autres jeunes pour les clasher, c’est-à-dire les défier pour une battle. Ces petites compétitions donnent du piment à la pratique de la danse. Elles sont aussi un moyen, en se mesurant à d’autres, d’évaluer son propre niveau. La « bataille » reste bon-enfant ; c’est aussi un moyen de rencontrer d’autres jeunes qui partagent la même passion. À cette époque, la scène est identique dans bien d’autres villes de France : Montpellier, Lyon, Marseille, Toulouse, Lille… En petits groupes, au son d’un téléphone portable jouant le rôle de mini ghetto blaster, ou un casque audio vissé sur les oreilles, les jeunes danseurs suscitent l’étonnement des passants. Pour le plus grand plaisir des danseurs, heureux d’attirer les regards. Les téléphones portables, véritables outils multimédia miniatures, immortalisent les moments. Les vidéos sont ensuite diffusées sur Internet, sur Dailymotion, YouTube, ou les blogs des uns et des autres. Ces regroupements peuvent prendre un aspect plus formel dans le cadre des « aprems ». Les danseurs se retrouvent alors à un jour et une heure donnée, l’information circulant sur le web. Lancées par le collectif parisien Dance Generation, le principe s’est répandu en France et même à l’étranger. Depuis le hip hop, on n’avait pas vu l’espace public ainsi investi : la rue est redevenue pour un temps un espace d’expression approprié par les jeunes.
« On s’est entraîné chez nous, après on a commencé à danser dehors, après on a commencé à faire des vidéos, à faire des montages, et après on les publie sur Dailymotion. »
Julie, 15 ans
10Les plus « accros » forment des teams, des équipes. De tels regroupements sont fréquents dans les cultures jeunes : le hip hop a ses posses et ses crews, le rock ses groupes et ses bands, la techno ses tribus et ses sound systems. Quelques constantes se dégagent. À chaque fois, les jeunes se regroupent autour d’une passion et développent des activités communes, qu’il s’agisse de musique, de danse, de graffiti, ou encore d’organisation de fêtes.
« Une team, c’est un groupe d’amis qui va s’amuser, s’éclater, qui s’embrouille pas, qui reste toujours ensemble, qui danse ensemble. »
Lili Asian, 16 ans
11Ensuite, les jeunes s’attribuent un nom commun, élaborent souvent un logo ou un sigle. Ces symboles expriment l’esprit du groupe, son identité. À ce nom de groupe s’ajoute le blaze, simple surnom ou « nom de scène » pour les musiciens, les grapheurs ou les danseurs. À l’origine de ces groupes, il y a souvent une bande d’amis qui se retrouvent dans le partage d’une même passion. Celle-ci se prolonge en une identité collective forte et la conduite d’activités communes contribuant au « mouvement » en question. Le crew, la tribu ou la team sont présentées comme des « deuxièmes familles » : les jeunes insistent sur les liens forts qui les unissent aux autres, constamment resserrés par le temps passé ensemble, les moments forts et les souvenirs.
« Nous on se connaît tous, ça ne se résume pas qu’à la boîte, on va se voir, on va partager des trucs, on est vraiment des potes avant tout. »
Pich, 19 ans, team Hooliteck
12À quelques exceptions près (citons notamment la SMDB), les noms choisis des teams électro les rattachent clairement à cet univers culturel : Piratek, Fanatek, Wantek, Hooliteck, Diablotek, Fluotek, Gladiatek, Buffalotek… Les teams sont apparues au sein du clubbing : dans le milieu, on appelle cela « sortir » de tel ou tel club. Ainsi, la Mafia Electro, la SMDB, ou encore Elektrostatik, sont des teams qui se sont créées au Mix Club à Paris, tandis que la Wantek et la Diablotek ont été formées par des danseurs fréquentant le Metropolis, d’autres encore se sont constituées au Bar Live, le haut-lieu des danses électro à Montpellier. D’autres teams se sont constituées un peu plus tardivement dans le cadre du championnat Vertifight. Leurs noms portent alors davantage la couleur de leur style : la danse électro. C’est le cas de la Rythmik ou RK, de l’Electro Street, de l’Electro Famous, d’Artifice Style ou encore de l’Electro Addicte.
13Une nouveauté apportée par les teams dans l’univers des groupes de jeunes est l’utilisation du web. Les équipes créent souvent leur blog, leur profil Facebook, leur page MySpace, et diffusent des vidéos sur le net. C’est un moyen d’expression, mais aussi de diffusion, voire de promotion. Il y a en effet de l’émulation entre les teams, qui se mesurent les unes aux autres, dans les clubs ou par vidéos interposées. On peut voir ainsi sur le web des « réponses » des danseurs à d’autres ayant osé affirmer leur supériorité. En club, les tee-shirts affichent ostensiblement, à renfort de couleurs fluo, les noms et parfois les sigles des équipes. Sur les pistes de danse, les danseurs forment des cercles : la meilleure team s’impose, à l’applaudimètre ou par jugement d’autres danseurs désignés en jury. Car dans ces démonstrations, il s’agit aussi d’accroître sa popularité, la sienne propre mais aussi celle de son équipe. Le nombre de visionnage des vidéos sur le web, le nombre de visites, de commentaires et d’amis sur les blogs et les pages MySpace, sont autant de moyens de mesurer sa popularité. Les jeunes danseurs aspirent à être populaires pour leur style et leur maîtrise de la danse. Si les premières teams formées dans les clubs privilégient les blogs, celles constituées un peu plus tardivement dans le cadre des championnats de danse leur préfèrent MySpace et Facebook. Elles rassemblent en effet des membres plus âgés, de 18 à 25 ans environ, et l’on sait que le blogging fait surtout fureur chez les préadolescents. Elles sont aussi à l’origine de nombreuses vidéos sur YouTube et DailyMotion. On peut aussi voir sur ces espaces la publicisation de polémiques entre les acteurs du mouvement. Ainsi peut-on visionner une « rencontre au sommet » entre les équipes de Dance Generation et du Vertifight, ou encore des apostrophes sur des défis non relevés à participer à des battles. Pour ceux se produisant contre rémunération, les diffusions et pages sur le web sont aussi de véritables outils de promotion.
« Il y a vraiment une différence entre les teams de battle et les teams de club. Les teams de battle se sont formées pour participer à des championnats, elles se réunissent pour concocter des chorégraphies. »
Steady, créateur du Vertifght
« J’ai fait mon blog pour l’amusement, mes potes, les photos cultes. A l’époque, il ne marchait pas très fort. Au fur et à mesure il a été de plus en plus visité. Il a été Blog Star, comme ceux de Lecktra et de Dance Generation. Donc je me suis dit que ça allait être un blog plus pro. »
Jey Jey, 20 ans.
14Souvent à l’origine d’un petit groupe d’amis, la team s’agrandit ensuite par un véritable recrutement. Les teams ont leurs leaders et leurs co-leaders. En clubs, ou lors des après-midis de danse, ceux-ci repèrent les bons danseurs et les invitent à se joindre à leur équipe. La team se présente finalement comme un mélange entre affinités amicales – il faut tout de même s’entendre et prendre du bon temps – et quête de la performance. Si de tels phénomènes sont aussi vieux que les courants culturels, il y a donc du nouveau sous le soleil des groupes de jeunes : la présence sur le web, l’association entre danse et blogging, la recherche de popularité, l’organisation autour d’un leader et la pratique du recrutement font des teams une réalité originale.
« En fait il y a un leader, quelqu’un qui s’occupe de recruter les gens, de les dégager s’il y a besoin. Et il y a quelquefois des co-leaders, quelqu’un qui l’aide à prendre les décisions, et après il y a les danseurs. […] Pour notre team, on recrute la personne si son style nous intéresse, si elle a du potentiel, si elle danse bien aussi, et aussi si elle a des affinités avec nous, si elle se tape de bons délires avec nous. »
KLM, 18 ans, team Piratek
15Les teams ne sont pas des boys bands, elles ne sont pas issues de la tête d’un directeur artistique d’une grande entreprise du secteur culturel. Elles sont bien le fruit de la créativité des jeunes qui, dans le prolongement des groupes, crews et autres posses, inventent leur propre manière de se regrouper. En partie nées spontanément au sein du clubbing, en partie nourries des expériences des aînés, les équipes des danses électro affirment leur singularité. Les teams, les bloggeurs et créateurs de pages, mais aussi tous ces jeunes qui se retrouvent pour danser et partager des moments sont pleinement acteurs du développement des danses électro. Il y a là un fourmillement d’activités, parfois de créativité, qui n’est pas l’apanage des milieux professionnels ni de l’industrie culturelle.
Du plaisir aux espoirs de professionnalisation
16Les jeunes stars des danses électro font des émules. Stimulés par leurs performances et leur aura, beaucoup s’essaient rapidement à la danse. La pratique des danses électro ne nécessite pas de fréquenter une école de danse, ni de suivre un apprentissage théorique. Quelques semaines d’exercice suffisent pour maîtriser les mouvements de base, quelques mois pour trouver son propre style. Cela ne veut pas dire qu’elle ne suppose aucun effort ni qu’elle soit complètement spontanée : les danseurs expérimentés se sont entraînés, encore et encore. Certains pratiquaient déjà un autre style de danse, du hip hop, du break, ou encore de la capoeira. Mais elle est d’un accès facile : l’apprentissage se fait par la pratique. Si en 2007-2008 des clubs de sport proposent des cours de Tecktonik et des collèges des ateliers de danse électro, la plupart des jeunes débutent dans leur chambre ou leur salon devant leur écran d’ordinateur, imitant les vidéos circulant sur le net, ou sur les pistes de danse des discothèques. C’est là un des grands ressorts des cultures jeunes : il est aisé d’en devenir acteur et ici, en l’occurrence, il suffit de se lancer dans la danse…
« J’ai découvert en boîte. J’ai commencé par regarder les gens danser, donc j’ai essayé de reprendre quelques mouvements, d’apprendre les bases quoi, au niveau du déhanché, du mouvement des bras et compagnie, et j’ai regardé aussi quelques vidéos sur Internet, notamment des personnes comme Jey Jey. »
KLM, 18 ans, team Piratek
- 12 R. Moulin, L’artiste, l’institution et le marché, Paris, Flammarion, 1997, p. 249-274.
- 13 P. Coulangeon, Les musiciens interprètes en France. Portrait d’une profession, Paris, La Documenta (...)
- 14 « Les danseurs », Développement culturel, no 142, 2003.
17Si pour le plus grand nombre la danse reste un plaisir, pour d’autres elle suscite des espoirs de professionnalisation. À l’heure où des danseurs électro s’affichent dans des clips, sont engagés pour tourner dans des DVD ou faire des démonstrations dans des clubs, certains adolescents, fascinés par leurs aînés ayant acquis le statut de star du mouvement, s’imaginent à leur tour danseur professionnel. Les professions artistiques sont des métiers particuliers : il est possible d’y accéder sans formation ni diplôme. La définition de soi comme artiste et la reconnaissance du milieu comptent autant que d’avoir un statut d’artiste ou d’en tirer tous ses revenus12. Si les arts dits savants supposent un long apprentissage et un bagage théorique, les pratiques culturelles populaires sont le plus souvent apprises « sur le tas », par la pratique13. C’est particulièrement vrai pour les musiciens, mais cela concerne aussi les danseurs. Pour les danseurs classiques, mieux vaut avoir suivi une formation dans un conservatoire ou une école nationale de musique pour espérer intégrer une compagnie ou un corps de ballet. Les danseurs intermittents, exerçant dans des styles divers, sont bien moins nombreux à avoir fréquenté des écoles supérieures de danse. Presque la moitié des danseurs de hip hop se déclarent autodidactes14. Dans le domaine des musiques populaires et du spectacle, c’est donc bien souvent l’amateurisme qui mène à une carrière professionnelle. C’est aussi pourquoi ces milieux sont si attirants, si fascinants pour les jeunes. L’aura des stars nourrit ces espoirs de pouvoir l’être soi-même un jour, et il semble qu’il suffise pour cela d’avoir du talent, et un peu de chance pour se faire remarquer. Depuis l’avènement du rock, les jeunes ont sans doute été bien nombreux à avoir rêvé à occuper la scène à leur tour et à se faire porter par la foule ! Ils ont aussi sans doute été bien nombreux à passer du goût pour le rock à la pratique de la guitare. Tous les amateurs ne se dirigent pas vers une pratique professionnelle. Mais, lorsque la pratique commence à être rémunératrice, lorsque les prestations en publics se multiplient, lorsqu’une notoriété se construit, faire de la pratique amateur son métier peut être envisagé.
« Plus tard, je veux être danseur professionnel. Je kifferais trop. De danse électro. »
Sacha, 14 ans.
- 15 P. Coulangeon, op. cit., p. 153.
18Une autre caractéristique des milieux artistiques dans le domaine des cultures populaires, qui est une conséquence directe du mode de professionnalisation, est le flou de la frontière entre amateur et professionnel. En effet, pour la plupart, l’activité artistique n’est pas la seule source de revenus, et peu arrivent à en faire durablement leur métier. Accéder au régime de l’intermittence du spectacle signe alors la réussite des ambitions professionnelles. L’intermittence est un régime d’assurance chômage spécifique aux métiers artistiques. L’artiste doit réaliser chaque année (sur une période de 10 mois et demi) un nombre d’heures ou de cachets suffisant (507 heures ou 43 cachets actuellement), les périodes non travaillées étant alors rémunérées durant 243 jours par l’assurance chômage. Dans les milieux artistiques où il existe peu de postes salariés, ce régime est perçu comme un moyen de vivre de ses activités, mais aussi comme une officialisation du statut d’artiste15.
« Aujourd’hui, je sais que je veux faire ma vie dans la danse. […] Ce qui compte pour moi, c’est justement que j’en vive. Je suis payé pour danser, pour donner des cours de Tecktonik dans les Halles, pour faire des galas, pour apparaître ici ou là. Je suis déclaré comme intermittent du spectacle et donc, reconnu en tant qu’artiste. »
Treaxy, interview par Grégoire Colard.
- 16 L. Vaturi, « Electro Rivaux », Paris Obs, 29 mai 2008.
19Pour un petit nombre de jeunes, les danses électro ont suscité des vocations et ouvert de nouveaux horizons. Rémunérés pour leurs prestations en discothèque, appelés pour danser dans le cadre de clips ou de DVD, les jeunes danseurs peuvent envisager de faire carrière de ce qui n’était jusqu’à présent qu’une passion. Des danseurs sont aussi sollicités par des managers qui leur proposent d’assurer les relations avec leurs employeurs et de les conseiller sur leur carrière. Ainsi, Lili Asian et Jey Jey, deux danseurs rencontrés, ont signé des contrats avec des managers et ont engagé les démarches pour accéder au régime d’intermittent du spectacle, afin de régulariser leurs revenus mais aussi d’accéder à une reconnaissance de leur métier de danseur. Mettant de côté leurs études, ils envisagent aujourd’hui une carrière professionnelle dans la danse ou même plus largement dans le monde de la variété. Parallèlement à la danse, Lili Asian participe aux concours de Pop Star et de Nouvelle Star. Son rêve : faire carrière dans la chanson r’n’b et de variété. Cerizz, danseur de la team RK, vainqueur du championnat Vertifight 2007, interrompt ses études de droit pour s’inscrire dans une école de danse. Son acolyte au sein de RK, Milliard, interrompt ses études de terminale pour se consacrer plus largement aux prestations de danse et prendre des cours, n’excluant toutefois pas de reprendre ensuite ses études si les danses électro ne tiennent pas leurs promesses16. S’ils sont sans doute nombreux à rêver un temps à un tel avenir, seul un petit nombre s’engage sur cette voie. Ainsi KLM, après avoir envisagé un moment une telle carrière de danseur professionnel, a suivi les conseils de ses parents et s’est recentré sur ses études : la danse restera pour lui une passion.
« Ken a contacté Jey Jey, j’ai contacté dans un premier temps Lecktra, dans un second temps Lili Asian, puis on a rencontré Karmapa. Et là, on leur a parlé du projet et on a vu leurs yeux briller, comme nous cela nous été arrivé d’avoir les yeux qui brillaient à l’époque. Et là on s’est dit, c’est parti l’aventure, et de cette aventure a découlé le projet Mondoteck, dont nous sommes à l’origine. […] En plus de ces projets-là, on s’était dit avec Ken qu’on allait faire un travail d’accompagnement chorégraphique, un travail de coaching approfondi pour ma part, tout ce travail dont ont besoin les jeunes pour évoluer et devenir autonomes. »
Tishou Aminata Kane, comédienne, chorégraphe et coach
Notes
1 Sur l’analyse générale des sous-cultures, voir notamment J. Clarke, S. Hall, T. Jefferson, B. Roberts, « Subcultures, cultures and class : a theorical overview », dans S. Hall, T. Jefferson (ed.), Resistance through rituals. Youth subcultures in post-war Britain, Oxon/New York, Routledge, 2005, p. 9-74.
2 D. Hebdige, « Système du Mod », Réseaux, no 80, 1996.
3 P. Cohen, « La communauté ouvrière et le conflit subculturel », Réseaux, no 80, 1996 et G. Lescop, « Honnie soit la Oi ! », Volume ! la revue des musiques populaires, vol. 2, no 1, p. 109-128.
4 C. O’Hara, La philosophie du punk. Histoire d’une révolte culturelle, Rytrut, 2003, p. 179-193.
5 Phil Cohen, « La communauté ouvrière et le conflit subculturel », art. cit.
6 D. Hebdige, Subculture. The meaning of style, London/New York, Methuen, 1979.
7 J.-P. Bouyxou et P. Delannoy, L’aventure hippie, Paris, Éditions du Lézard, 2000 ; à lire aussi : A. Dister, Oh hippie days ! Carnets américains 1966-1969, Paris, J’ai Lu, 2006.
8 L. Pourtau, Techno. Voyage au cœur des nouvelles communautés festives, Paris, CNRS Éditions, 2009, p. 135-186.
9 G. Guibert, La production de la culture, op. cit., p. 234-250. Sur les courants underground et l’importance des pratiques amateurs en leur sein, voir J.-M. Seca, Vocations rock, Paris, Méridiens Klincksiek, 1988 et Les musiciens underground, Paris, PUF, 2001.
10 O. Donnat, Les pratiques culturelles des Français à l’ère numérique. Enquête 2008, op. cit., p. 66-69 et 189-203 ; Les amateurs, Paris, La Documentation Française, 1996.
11 H. Bazin, « Jeunesses messianiques et espaces populaires de création culturelle », Agora, no 29, Paris, L’Harmattan, 2002, p. 22-26.
12 R. Moulin, L’artiste, l’institution et le marché, Paris, Flammarion, 1997, p. 249-274.
13 P. Coulangeon, Les musiciens interprètes en France. Portrait d’une profession, Paris, La Documentation Française, 2004, p. 128-129.
14 « Les danseurs », Développement culturel, no 142, 2003.
15 P. Coulangeon, op. cit., p. 153.
16 L. Vaturi, « Electro Rivaux », Paris Obs, 29 mai 2008.
Table des illustrations
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Légende | Fig. 13. Un cercle se forme autour d’un danseur, Technoparade 2008. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/374/img-1.jpg |
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Légende | Fig. 14. Un danseur arbore le logo de sa team, Technoparade 2008. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/374/img-2.jpg |
Fichier | image/jpeg, 181k |
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Légende | Fig. 15. Jey Jey, tournage du DVD Electro-Tek, 2008. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/374/img-3.jpg |
Fichier | image/jpeg, 184k |
© Éditions Mélanie Seteun, 2011