Technomedia
|Les cultures jeunes, du rock aux danses électro
Chapitre 1. De la techno aux danses électro
Texte intégral
La musique techno et le clubbing
1Les danses électro ne surgissent ni de nulle part, ni par hasard. Elles s’inscrivent dans l’univers culturel des musiques électroniques. La techno et la house en sont les deux styles principaux, à partir desquels se sont développés de nombreux sous-genres, dont l’électro et le hard style sur lesquels les jeunes dansent aujourd’hui.
- 1 G. Bara, La techno, Paris, EJL, 1999, p. 10-19.
2La musique house est apparue aux États-Unis au milieu des années 1980, dans le fil du disco. Avant d’être un genre à part entière, la house a d’abord été le résultat des mix de quelques disc-jockeys (Djs) dans les discothèques, qui développèrent la technique du mixage. Utilisant les platines comme de véritables instruments, ils mélangèrent plusieurs musiques de danse (du funk, du disco, de la soul) plutôt que d’enchaîner les disques les uns derrière les autres comme il était usuel de le faire à l’époque. La paternité de la house est plus particulièrement attribuée à Frankie Knuckles, Dj au club Warehouse à Chicago, duquel le style musical tire son nom. La house devient ensuite un style à part entière, composée et fixée sur des disques vinyles, à leur tour mixés par des Djs. La house est une musique disco plus dure et plus rapide, aux lignes de basse marquées, fondée sur une structure répétitive. Elle allie vocaux et sons synthétiques. La musique techno apparaît quant à elle à Detroit, sous l’impulsion de trois Djs : Juan Atkins, Kevin Saunderson et Derrick May. On retrouve dans cette musique l’influence de l’électro-pop et de la new-wave européenne, celle de Kraftwerk ou encore de New Order1. La techno est une musique de danse produite exclusivement à partir d’instruments électroniques et de matériel d’informatique musicale. C’est une musique répétitive composée de sons synthétiques et d’échantillons sonores issus d’autres musiques. À partir de la house et de la techno se sont constituées de nombreuses variantes. On peut citer notamment la trance, l’électro, le garage, le hard core, la jungle, la drum’n’bass, le trip hop, le big beat, l’ambient, le gabber, etc. Souvent, un préfixe ou un suffixe caractérise une version plus douce ou au contraire plus dure ; on parle alors de hard house, de hard techno, de deep house, ou encore de speed garage. De l’électro-clash au dub step, du grime au hard style, les musiques électroniques ne cessent de se renouveler.
- 2 A. Fontaine et C. Fontana, Raver, Paris, Economica, 1996, p. 98-101 et E. Racine, La techno. Clubs, (...)
- 3 E. Grynszpan, Bruyante techno. Réflexion sur le son de la free party, Nantes, Mélanie Seteun, 1999, (...)
- 4 L. Pourtau, « Les interactions entre raves et législations censées les contrôler », Déviance et soc (...)
3Les musiques électroniques se diffusent rapidement en Europe. En Angleterre et en France, le grand public les découvre avec étonnement et inquiétude sous le visage des raves parties et des free parties. Les raves apparaissent en Grande-Bretagne lorsque le gouvernement de Margaret Thatcher entérine une loi obligeant les clubs à fermer à deux heures du matin. Ceci provoque l’établissement de soirées sauvages dans la campagne, dans des hangars ou des entrepôts désaffectés. Au début des années 1990, ces fêtes organisées dans les lieux les plus atypiques arrivent en France. Bien que la France ne soit pas concernée par la fermeture précoce des discothèques, le principe d’organisation de fêtes hors des lieux prévus pour cela fait école. Ceci ouvre une brèche pour les amateurs, organiser une fête dans ces conditions, en ne respectant pas toujours la législation sur le spectacle vivant, se révélant plus accessible et moins couteux. Se développent alors plusieurs types de raves, depuis les fêtes clandestines ou semi-légales organisées par des jeunes amateurs, souvent réunis en association et se dénommant eux-mêmes sous le terme de « tribu », jusqu’aux plus gros événements à l’initiative d’entrepreneurs du spectacle. Au milieu des années 1990, l’essor des raves est perturbé par une répression croissante, les interventions policières et les refus d’autorisation s’appuyant sur une circulaire ministérielle qualifiant ces fêtes de « soirées à haut risque »2. Mais c’est alors au tour des free parties de susciter un engouement croissant chez les jeunes. Les free parties arrivent également d’Angleterre. Elles sont le fruit de la rencontre entre le monde des « travellers », des marginaux qui ont adopté un mode de vie nomade, et la nouvelle culture festive des raves parties et des musiques électroniques. Certains travellers se convertissent aux nouvelles sonorités ; équipés de systèmes de sonorisation, ils ponctuent leurs déplacements par l’organisation de fêtes. Là encore, le principe fait école : les free parties prennent leur essor en France. Elles sont organisées par des travellers venus d’Angleterre, cherchant des territoires plus cléments, mais aussi par des groupes de jeunes qui possèdent leur propre système de sonorisation : les « tribus » et les « sound systems », ainsi qu’ils se dénomment eux-mêmes. Ce sont des fêtes clandestines, c’est-à-dire qui ne respectent pas la législation sur le spectacle vivant. Elles ne sont pas payantes : elles sont accessibles sur donation libre des participants. On y diffuse les styles de musiques électroniques les plus durs : hard core, break core, hard techno, drum’n’bass3. En 1998, une circulaire interministérielle préconise d’autoriser les raves qui font l’objet d’une demande d’autorisation, encourageant ainsi la professionnalisation des acteurs des raves, et réitère les consignes de répression envers les événements clandestins. Depuis 2002, les free parties font l’objet d’une loi interdisant les rassemblements de plus de 500 personnes n’ayant pas été déclarés – ceci aboutissant à une interdiction dans les faits4. Les organisateurs s’exposent alors à des amendes et à la saisie de leur système de sonorisation – qui représente un gros investissement pour ces collectifs d’amateurs. Fortement réprimées par les pouvoirs publics, les free parties se sont faites aujourd’hui plus discrètes. Ses amateurs continuent toutefois de se retrouver plusieurs fois par an à l’occasion des teknivals, gigantesques festivals ouverts à tous les groupes organisateurs désirant diffuser leur musique. Des négociations entre organisateurs et pouvoirs publics ont permis durant quelques années la tenue de teknivals légaux. Ceux-ci, par exemple celui de Chambley en mai 2004, ont rassemblé jusqu’à 80 000 personnes. Celui de mai 2009 dans la région parisienne, s’est tenu de manière clandestine et a été suivi par de nombreuses saisies de système de sonorisation.
4À côté de ces événements atypiques, les musiques électroniques ont parallèlement intégré le réseau des clubs, des salles de concert et des festivals. Elles n’ont d’ailleurs jamais quitté les discothèques, la house y étant née, dans le fil du disco. Quant aux festivals et aux salles de concert, ils ont naturellement intégré ces nouvelles expressions musicales. Ainsi, la plupart des grands festivals français, les Vieilles Charrues par exemple, ou encore les Transmusicales de Rennes, ont ajouté une « scène électronique » à leur programmation, et ce dès le début des années 1990. D’autres festivals sont consacrés uniquement à ces expressions musicales, comme Astropolis en Bretagne, Osophère à Strasbourg, Les Nuits Sonores à Lyon ou encore Electromind à Montpellier. Dès la décennie 1990, les musiques électroniques se jouent dans tous les pays occidentaux industrialisés (Grande-Bretagne, Italie, Espagne, Allemagne, Belgique, États-Unis, Canada, etc.) ainsi que dans les grands centres urbains des pays de l’Est (Pologne, Hongrie, Ukraine, etc.) et de l’Amérique du Sud (Brésil, Argentine, Mexique, Chili, etc.). Un peu partout à travers le monde, des jeunes fêtards se retrouvent en discothèque pour danser au son des musiques électroniques mixées par les Djs. Le clubbing a une dimension mondiale, mais avec des spécificités locales. Les différents styles ne suscitent ni partout ni tout le temps le même engouement : le monde des musiques électroniques est en constante évolution, avec ses modes, ses nouveaux genres, ses scènes locales et ses Djs de renommée internationale. Les musiques électroniques comprennent de multiples « chapelles » stylistiques. Un dédale dont il est difficile de rendre compte, les sous-genres principaux se divisant encore en d’autres sous-genres selon les spécificités musicales (la drum’n’bass se divisant par exemple encore en hard step, two step, dub step, liquid, jungle, etc.), celles-ci étant souvent liées à des foyers de production localisés. Les amateurs distinguent ainsi la house de Chicago de celle de New York, le hard core français du hard core belge, la techno minimale allemande de la techno de Detroit, ou encore la trance psychédélique de Goa de la trance progressive allemande.
- 5 Entretiens avec Tecktonik et les danseurs. Voir aussi : http://www.melbourne-shuffle.fr/ ; http://w (...)
5Les danses électro tirent une grande partie de leurs origines du mouvement rave et du clubbing. Le hard style sur lesquels les jeunes dansent aujourd’hui est apparu dans le sillage du gabber et du happy hardcore. Ce sont des musiques au tempo rapide et aux sonorités électroniques dures, mais qui empruntent également des éléments vocaux et mélodiques à la dance music. Ces styles prennent leur essor aux Pays-Bas, puis se propagent en Europe, notamment en Allemagne, en Belgique et dans le nord de la France. Le gabber, qui reste un style peu connu en France, a été un mouvement d’ampleur aux Pays-Bas durant la décennie 1990. C’est, avec la hard trance, une influence majeure du hard style, qui prend le relais du gabber et s’impose dans le clubbing hollandais, belge, alle mand et italien au début des années 2000. C’est au son du hard style qu’en Belgique, les jeunes clubbers commencent à développer une danse spécifique. Jusque-là, la danse sur les musiques électroniques était certes singulière, mais très peu codifiée. Avec le jump style, on assiste au développement de pas bien précis : des sauts et des mouvements faisant intervenir principalement les jambes et les pieds. Une autre exception est le Melbourne shuffle. Il s’agit là encore d’un mouvement d’ampleur autour d’une danse codifiée sur les musiques électroniques. Cette danse prend son essor dans le mouvement rave des années 1990 en Australie. « Shuffle » signifie littéralement « traîner les pieds ». Le shuffle se distingue par la fluidité des mouvements et les glissés proches du back-slide ou moonwalk, figure issue de la break dance et popularisée par Michael Jackson. Initialement dansé sur les musiques électroniques de rave, telles que la house et la trance, le shuffle se danse également aujourd’hui sur l’électro et la hard style, à la faveur de sa propagation dans les pays asiatiques et européens. Il compose aujourd’hui, aux côtés du jump style, du hard style et de la Tecktonik, ce nouvel ensemble des danses électro5.
« En fait le jump ça existe depuis des années en Belgique. Là-bas c’est un sport national, il y a des écoles de jump, en EPS ils font du jump. Ça existe depuis super longtemps, 7-8, même 15 ans. Les teams, ils nous les ont piquées. Là-bas, c’est jean Levis et Air Max, un peu comme le hakk. Le style a été vraiment pris sur le style gabber. »
Kryss, 18 ans, team Hooliteck
Danses électro : un métissage de cultures musicales et festives
- 6 U. Poschardt, DJ culture, Paris, Kargo, 2002, p. 126-127 ; voir aussi G. Bara, La techno, op. cit.,(...)
- 7 P. Shapiro, Turn the Beat Around. L’histoire secrète de la disco, Paris, Allia, 2008, p. 7-42.
6On retrouve dans les danses électro l’empreinte de plusieurs cultures musicales et festives. Dans les années 1970, la disco enflamme les pistes de danse. L’essor du clubbing commence ici, et se prolongera ensuite avec la house et les autres musiques électroniques, jusqu’à aujourd’hui. Venue des États-Unis, la fièvre disco gagne ensuite l’Europe. La disco est la première musique spécifiquement dédiée aux discothèques. Dans celles-ci, au tournant des années 1960 et 1970, des Djs audacieux tels que Francis Grasso au Sanctuary à New York, développent des techniques de mixage. Plutôt que d’enchaîner les disques à la suite les uns des autres, ils les superposent, les fondent, les enchaînent, maintenant sans cesse l’intensité musicale pour entraîner les danseurs dans un flot ininterrompu de musique. Puis, sur les nouveaux disques Maxis 45 tours, les durées des morceaux se rallongent : plus de 16 minutes pour Love to Love You Baby de Donna Summer produit par Giorgio Moroder et Pete Bellotte, alors que la durée usuelle était à l’époque de trois à cinq minutes !6 Dans la seconde moitié des années 1970, les tubes s’enchaînent ; l’industrie du disque est florissante, portée par des producteurs phares tels que Moroder et Cerrone, des égéries telles que Donna Summer et Gloria Gaynor, des groupes comme les Village People, Chic, les Bee Gees… Avec la disco s’affirme une culture festive et ludique. Paillettes, strass, couleurs vives… la disco valorise l’esthétique, l’amusement, l’hédonisme, une forme de légèreté dans l’abandon à l’intensité festive et à la danse. Cette légèreté se détache sur fond de contexte social difficile : c’est l’époque de la Guerre du Viêt-Nam, des chocs pétroliers, de la crise économique. On peut voir dans l’hédonisme disco une manière de vivre intensément le présent, de jouir ensemble de l’instant, alors que les lendemains sont incertains7. Si l’on retrouve dans les phases des jeunes danseurs électro des postures déjà présentes sur les pistes de danse disco, c’est plus largement un même investissement du corps et de l’apparence, un identique rapport ludique à l’existence qui fait de la danse électro une héritière de ce phénomène festif des années 1970. Une même attitude aussi d’abandon à une légèreté partagée, dans un contexte économique proche de celui qui a vu l’essor du disco, marqué par la crise économique et le chômage des jeunes.
- 8 D. Livingston, Paris Is Burning, Miramax Films/Prestige, 1990.
7D’autres figures et pratiques empruntent au voguing. La danse, dont le nom fait référence au magazine Vogue, prendrait ses origines dans les années 1930 à Harlem, où des membres de la communauté noire défilent vêtus de leurs plus beaux atours, imitant les classes aisées. À la fin des années 1970, le voguing comme danse se pratique dans les bals des communautés homosexuelles et transexuelles noires et hispaniques à New York. Les danseurs se parent de vêtements de luxe et défilent en reprenant les poses de mannequin. Ils s’affrontent également lors de battles, le meilleur danseur rem portant la compétition sur décision du jury. Il s’agit là d’une expression bien différente du disco en ce qu’elle émane de groupes minoritaires et marginalisés. Ceux-ci développent une sous-culture, c’est-à-dire un ensemble de valeurs, d’attitudes et de normes culturelles qui leur sont propres. Certains se rassemblent en « maisons », c’est-à-dire en groupe autour d’une « mère » ou d’un « père de maison », qui en sont les leaders charismatiques. Citons par exemple the house of Ninja, the house of Dior ou encore the house of Xtravaganza. Ces maisons animent la culture des bals en pratiquant le voguing, mais sont aussi des formes d’entraide au sein de la communauté, notamment pour les jeunes en difficulté ou sans foyer. On peut lire dans ce mouvement, ainsi qu’y invite Jennie Livingston dans son film Paris is burning, un moyen de réaliser les rêves de gloire et de richesse, fusse le temps d’un bal, dont cette communauté est privée. Différentes catégories se succèdent lors des ballrooms : voguing, mais aussi executive, schoolboy et schoolgirl, ou encore supermodel : « In a ballroom, you can be anything you want », comme l’affirme Dorian Corey, une des figures du mouvement8. À l’origine expression d’une minorité culturelle, le voguing a été popularisé par Madonna dans son clip Vogue en 1990, et par certains danseurs en France tel que Youval, investi dans le hip hop. On retrouve dans les danses électro le principe des battles, les mouvements de bras et les figures très stylisées, à la manière des postures des photographies de mode et des gestes des modèles (appliquer un maquillage, se regarder dans un miroir, se coiffer...).
« En 1995, en France, tout le monde dansait le smurf et le break. J’ai commencé à mélanger le voguing, le smurf et le break. […] Si tu regardes les danseurs électro, 80 % des mouvements sont ceux du voguing. »
Youval, créateur du Vertifight.
- 9 H. Bazin, La culture hip hop, Paris, Desclée de Brouwer, 1995, p. 17-27 ; T. Blondeau, F. Hanak, Co (...)
- 10 A. Pecqueux, Le rap, Paris, Le Cavalier Bleu, 2009, p. 35-38.
8Les danses électro tirent également des influences de cultures populaires plus récentes. On y retrouve des éléments du hip hop, qui se développe en France au début des années 1980. Le hip hop vient des États-Unis. Au milieu des années 1970, quelques précurseurs organisent dans le Bronx à New York des blocks parties : équipés de platines et de systèmes de sonorisation, ils diffusent de la musique en pleine rue. Les Djs y développent les techniques de mixage des disques et du scratching, à la base de la musique rap. L’un de ces précurseurs, Afrika Bambaataa, un ex-membre de gang du Bronx, s’investit dans la musique en devenant disc-jockey et pose les principes d’un mouvement non-violent et créatif : la Zulu Nation. Cette créativité s’exprime par la musique, avec le rap où les MC (Maîtres de Cérémonie) posent leurs voix sur la musique mixée par les Djs, mais aussi par le graffiti et par la danse, avec la break dance, le free style, le smurf. Outre-Atlantique, le hip hop est lié à la revendication pour l’égalité des droits et pour la dignité des minorités. Au-delà du mouvement pacifiste de la Zulu Nation, le rap et la culture hip hop deviennent l’expression privilégiée des groupes défavorisés, une forme de dénonciation des inégalités sociales et des conditions de vie dans les ghettos. En France, c’est d’abord par le graffiti et la break dance que la culture hip hop commence à s’imposer. Sa popularité grandit suite à la diffusion de l’émission « H.I.P. H.O.P. » sur TF1, consacrée à la danse et animée par Sidney. Puis, une scène rap française se constitue, avec Sidney, Dee Nasty, puis NTM, Assassin, MC Solaar, IAM, Minister Amer… À la faveur de l’essor des radios libres, il se popularise : Radio Nova lui consacre très tôt une émission. Le rap profite ensuite de la loi de 1994 qui impose aux radios de diffuser un quota minimum de 40 % de chanson française, dont la moitié de nouveaux talents. Peu après, la radio Skyrock se spécialise dans cette expression musicale9. Les paroles du rap français expriment souvent les conditions de vie difficiles dans les quartiers et les banlieues défavorisés, l’expérience des inégalités sociales et des discriminations. Le rap remporte un franc succès dans les milieux populaires et chez les jeunes issus de l’immigration, qui y trouvent une expression, cathartique, des difficultés sociales auxquelles ils sont confrontés. Mais son ancrage dans la dénonciation sociale n’empêche pas que le rap trouve un auditoire plus large, qui peut aussi être touché tant par son esthétique que par l’expression des difficultés personnelles et sociales10. On retrouve dans certaines tendances des danses électro le style urbain du hip hop – casquettes, capuches et pantalons larges – mais aussi les mouvements proches de la break dance et le principe de l’affrontement compétitif des danseurs (issu lui-même du voguing).
- 11 S. Frith, Performing Rites. On the Value of Popular Music, Cambridge, Harvard University Press, 199 (...)
- 12 Je remercie E. Parent d’avoir attiré mon attention sur ce point ; voir Lore noir. Contribution à un (...)
- 13 H. Bazin, op. cit., p. 137-142.
9Les danses électro partagent aussi avec la culture hip hop la mise en avant des danseurs. L’engagement des corps, l’appréciation de la musique par la danse, sont une constante en musiques populaires. Les bonnes musiques et les bons concerts sont ceux capables d’entraîner dans la danse11. Depuis le jazz, les genres musicaux n’ont cessé de donner lieu à des styles de danse : swing, be bop, jitterbug, boogie woogie, twist, rock’n’roll, funk, disco, ou encore pogo… Certaines sont devenues des expressions codifiées, donnant lieu à des cours d’apprentissage ou des concours, comme la danse funk, la jazz dance, ou encore le rock acrobatique. Il est plus rare que les danseurs tiennent le premier rôle dans les mouvements culturels, généralement dévolu aux musiciens. C’est le cas dans le jazz des années 1930, où il est fréquent que ce soit les danseurs qui tiennent le haut de l’affiche12. Aux débuts du hip hop, c’est aussi la danse qui est l’expression centrale : le rap ne s’imposera que dans un second temps, aux États-Unis comme en France. Des groupes de danseurs se constituent, les danseurs investissent les rues (le Trocadéro, Stalingrad et les Halles à Paris sont des hauts-lieux de rendez-vous), des concours s’organisent13. Si aujourd’hui la danse hip hop est reconnue comme une expression artistique à part entière et s’exprime dans des théâtres, des festivals et des compagnies, elle continue de donner lieu à des concours et championnats, comme les Battles of the Year ou les Battles 1000 % en France. Les danses électro ne se situent donc pas seulement dans le sillage du hip hop pour les mouvements et les éléments vestimentaires qu’elles lui empruntent. Comme dans le hip hop, la danse est l’expression centrale, donnant lieu à l’investissement de l’espace public, la formation de groupes, les défis entre danseurs. Ces proximités expliquent que des acteurs du hip hop s’y soient intéressés, amenant dans ces danses la pratique des concours et championnats.
10D’autres traits stylistiques des danses électro renvoient encore à d’autres origines. Le jean slim a fait son apparition dans les cultures rock et punk, tout comme les cheveux arrangés en crête. Les couleurs fluo, la coupe « mulet » où les cheveux sont courts sur le dessus et long dans la nuque, les strass, ont avant cela fait fureur dans les années 1980.
Des pratiques et codes inédits
11Les danses électro sont le dernier avatar des musiques électroniques. C’est bien dans les clubs diffusant de l’électro, de la techno, du hard style, qu’elles ont en partie pris leur essor, tels que le Metropolis, le Mix Club et le Redlight en Ile-de-France. Mais il s’agit d’un avatar original, car on assiste à des phénomènes inconnus jusqu’à présent dans ce courant. En effet, jusque-là, la danse sur ces musiques n’était pas codifiée, en France tout au moins. En clubs ou en rave party, les danseurs sont en quête de sensations et d’émotions, ils sont à la recherche d’une expérience collective intense. La danse ne vise pas d’effet esthétique. Les danses électro sont également une manière d’apprécier la musique, mais le plaisir provient aussi de la maîtrise des mouvements et de l’effet produit. Certains mouvements sont très proches de ceux effectués en clubs, en free party ou en rave party sur les musiques électroniques, mais ils sont devenus codifiés et portent une intention esthétique. La sociabilité des jeunes autour de la musique prend aussi d’autres contours : non plus s’abandonner collectivement à la musique, mais s’initier à une danse codifiée, se retrouver pour la pratiquer ensemble, apprendre de nouvelles phases, se regrouper en teams, en équipe, se défier lors de battles. Dans les clubs, dans la rue, dans les cours de collège, des cercles se forment autour d’un danseur. La « bataille » relève davantage de l’émulation, où il s’agit d’être reconnu meilleur danseur par les autres danseurs, éventuellement désignés comme jury. La compétition, la plupart du temps informelle quand deux danseurs « se clashent », se défient, se fait plus formelle dans le cadre des championnats Vertifight. C’est aussi la première fois que la danse sur des musiques électroniques donne lieu à de tels concours.
12Il existe plusieurs courants et styles de danse. La danse électro désigne un style proprement dit, qui se pratique sur la musique électro. Nous employons ici le terme des danses électro, au pluriel, comme terme générique englobant d’autres styles de danse, que les amateurs distinguent. Citons notamment l’électro popping, la house dance. Le milky way, plus fluide, emprunte des figures à la break dance. Le vertigo, qui fait beaucoup intervenir les bras et des mouvements rapides de rotation, se danse sur de la musique hard style. Le jump style fait quant à lui intervenir principalement les pieds et se danse sur la musique du même nom ou sur du hard style.
« Ceux du Metropolis vont appeler ça Tecktonik, ceux du Redlight vont dire vertigo, ceux du Mix vont dire milky way. Tecktonik ça se danse plus sur le hard style, mais après tu peux mélanger. Metropolis, à la base c’était plutôt hard style jump style, c’est de la musique assez rapide avec des basses lourdes. Et sinon le Mix c’est plutôt électro underground. »
Fozzie Bear, 18 ans, Dance Generation
13Le shuffle s’en distingue par la rapidité des mouvements et les glissés. La liste peut sans doute être complétée, car les styles sont en constante évolution. Aujourd’hui, c’est surtout la danse électro qui continue de se pratiquer, dans le cadre des championnats Vertifight.
« Moi je suis pas trop électro, je suis plutôt hard style. Le hard style c’est plus pour jumper. »
Alystar, 16 ans, team Hooliteck
14Les danseurs enchaînent les phases, telles que les figures de l’hélicoptère, du moulin, de la boule, du hair cut ou pot de gel… Mais il s’agit aussi d’improviser et, surtout, de trouver son propre style. Les danses électro se codifient au fil des inventions des danseurs et des teams. Ainsi, la paternité de la phase dite du pantalon est attribuée au danseur Jo Clubber Fou. L’invention du milky way est attribuée aux danseurs de la team SMDB. Ces phases et ces styles sont ensuite repris par les autres danseurs, et deviennent des mouvements de base. Les danses électro ne nécessitent pas de connaissances techniques ou de long apprentissage, mais la maîtrise des phases et l’improvisation impliquent pratique et entraînement. Si certains danseurs sont reconnus pour leur virtuosité, les débutants sont quant à eux surnommés les « gigoteurs ».
« Certains mouvements de Jey Jey ou Spoke sont devenus des bases, que tout le monde reprend. C’est comme ça que la danse se codifie. »
Ken, danseur, chorégraphe et manager
« Majestic, danseur de la team RK, a inventé un style qui est copié partout dans le monde. Ça se diffuse par les vidéos »
Steady, créateur du Vertifight
15La coïncidence avec la culture numérique est un autre trait distinctif des danses électro. Les danseurs et les teams créent leurs profils sur les réseaux sociaux (tels que Facebook) et des blogs. Ils y racontent l’objet de leur passion, mettent des photos de leurs amis, des vidéos de sessions de danse, tout ceci étant largement commenté par les amis et les jeunes de passage sur ces pages. Les jeunes filment aussi les sessions de danse, avec leur téléphone portable ou le caméscope familial, et les diffusent sur Internet, sur les sites de partage de contenus comme YouTube et Dailymotion. Ils utilisent les messageries instantanées, MSN par exemple, pour rester en contact et se faire de nouveaux amis. C’est la première fois dans l’histoire des cultures jeunes que l’on voit cette synergie entre danse, musique, look, et culture Internet. Il faut dire que cette génération est née avec les téléphones portables, les outils informatiques et les nouvelles technologies de la communication. C’est aussi parce que la danse électro est indissociablement un mouvement de danse et un phénomène de la culture Internet qu’elle s’est si rapidement propagée et qu’elle touche une large tranche de la jeunesse. Grâce aux vidéos et aux blogs, les jeunes qui n’ont pas l’âge d’aller en discothèque peuvent la découvrir et s’y initier. En 2007-2008, les danses électro se propagent ainsi sur la Toile, dans les rues, dans les cours de collège. Elle fédère des filles et garçons de 11 à 25 ans, même si tous ne s’y impliquent pas de la même manière et n’y trouvent pas les mêmes intérêts.
« Moi j’ai découvert ça sur Internet. J’ai vu des vidéos de danseurs qui commençaient à être connus, du genre Lecktra, Jey Jey, la SMDB. Moi j’ai bien aimé et j’ai commencé à danser chez moi. »
Julie, 15 ans
16Héritant de plusieurs courants musicaux et festifs, les danses électro constituent bien un sous-genre singulier, tant au niveau de la danse que du look, des codes, des pratiques, des manières de s’y investir. Les modes passées y sont transfigurées en une expression propre à la société et la jeunesse actuelles.
Un culte du corps très contemporain
- 14 Sur la genèse des conceptualisations de la postmodernité : P. Anderson, Les origines de la postmode (...)
17Depuis la fin des années 1950, les cultures jeunes se succèdent. Les mouvements précédents sont comme des réservoirs de styles, de codes, de pratiques, d’esthétiques, prêts à être réinvestis sous des formes nouvelles. Cette réactualisation est très appuyée dans la danse électro. Elle porte en cela les traits de l’esthétique postmoderne. Celle-ci se caractérise par la reprise d’éléments stylistiques existants, la réappropriation, le détournement de formes culturelles. D’abord diagnostiquée dans l’architecture, cette esthétique est ensuite perçue comme une tendance forte des différentes pratiques artistiques à partir des années 1970. Elle se distingue de l’esthétique moderne, telle qu’elle a été portée notamment par les avant-gardes, qui valorise l’innovation radicale, l’intégrité de l’œuvre. Dans l’esthétique postmoderne, la nouveauté résulte d’une réappropriation ou d’une mise en relation singulière de formes anciennes, du recyclage, du mélange des styles. La tendance est la manipulation de signes, issus de contextes divers, y compris des productions de la société de marché. La pratique artistique n’est pas considérée comme s’opposant à la culture de masse ; on contraire, l’esthétique postmoderne la valorise, s’en inspire14. De la même manière, les danses électro se nourrissent d’influences diverses. C’est l’agencement particulier qui est fait des styles existants qui lui donne sa singularité. Ceci ne se fait pas nécessairement consciemment ; les formes culturelles sont reprises sous un jour nouveau de manière spontanée. Les crêtes, jusque-là portées par les punks, ne revêtent pas de sens subversif dans la culture électro. De même pour le jean slim emprunté à l’univers du rock. Les postures issues du voguing ne cristallisent plus les revendications d’un groupe minoritaire. Les figures de danse, les pantalons larges, les capuches, les baskets et les casquettes propres à l’univers du hip hop ne sont plus entourés de discours revendicatifs ou critiques. Les danses électro investissent ces éléments de manière esthétique et ludique, y adjoignant de nouveaux accessoires tels que ceintures, foulards et brassards mettant en valeur les mouvements dans la danse.
- 15 M. Maffesoli, Au creux des apparences, Paris, Plon, 1990, p. 103-152.
18Comme les autres courants culturels, les danses électro se fragmentent en plusieurs sous-ensembles stylistiques. Le shuffle, le jump style et le hard style vont de pair avec un look plus urbain, tandis que la danse électro et la Tecktonik sont plus glamour, plus strass et paillettes. Le style est coloré, parfois fluo, les coiffures sont soignées, y compris chez les garçons. Un look qui vaut parfois à ses adeptes d’être surnommés les « Pokémons » par ceux qui préfèrent les codes plus urbains. Dans ce look un peu androgyne, une certaine féminité, un souci du corps, sont assumés par les deux sexes. Ainsi, les coiffures des garçons aussi sont léchées : les cheveux sont souvent ébouriffés en crêtes stylisées, tandis que chez d’autres ils sont savamment tondus pour former des dessins sur le crâne, à moins encore que les cheveux plus longs à l’arrière retombent négligemment sur la nuque. Les corps sont volontiers exposés par des vêtements serrés ou des débardeurs mettant en valeur les musculatures. Un culte de la beauté qui transparait aussi dans les poses de photographie de mode affectionnées par les jeunes, telles qu’on peut en voir sur leurs blogs. Interrogés sur leur passion, les jeunes répondent qu’ils dansent pour le plaisir, pour le fun, par goût pour le style. La société adulte s’inquiète parfois de ces jeunes pour qui le paraître et le style compte tant. N’y a-t-il rien derrière ce fun, cette valorisation de la beauté, cette mise en scène des corps ? Il y a pourtant une certaine profondeur de l’apparence, au sens où elle a une force sociale. La vie sociale, en effet, se fonde aussi sur le partage de choses banales et superficielles. L’esthétique est quelque chose qui se partage : elle provoque des émotions, autour duquel un groupe peut se retrouver. On peut dire qu’il y a un plaisir du beau partagé ensemble. La séduction et l’érotisme portés par le soin apporté aux corps et à la vêture sont des forces attractives, comme en rend compte le langage commun qui dit que l’on est attiré par quelqu’un. L’importance des apparences traduit aussi une manière de profiter de l’existence présente, sans report, sans abstraction. Il y a une forme de théâtralité et d’hédonisme derrière cet abandon au plaisir des formes, une attitude ludique dans cette manière de profiter de l’aspect léger de l’existence15.
« Au Metropolis, c’était vraiment basé sur le fluo, si t’es pas en fluo t’es pas remarqué, il faut vraiment arriver le plus fluo possible. J’étais un des danseurs les plus fluo du Metropolis ! »
Jey Jey, 20 ans
« Les Pokémons, c’est ceux qui sont habillés tout en fluo, qui dansent mal, qui gigotent, mais qui se sentent frais. »
Picolo, 17 ans, team Hooliteck
19Deux grandes tendances se démarquent dans les cultures jeunes et musicales. Les danses électro se situent très clairement dans le fil rouge des cultures hédonistes et ludiques, qui part du disco en passant par le clubbing. On peut parler d’une tradition culturelle et festive qui met l’accent sur l’esthétique, le plaisir et la jouissance des apparences. Bien intégrées dans les industries du loisir, non revendicatives, elles se distinguent des cultures plus masculines, à l’esthétique plus sombre et aux sonorités plus dures, portant un discours critique vis-à-vis de la société conventionnelle. Ici, le fil rouge mène du punk au hard core des free parties, en passant par une partie du rap et du hip hop.
Notes
1 G. Bara, La techno, Paris, EJL, 1999, p. 10-19.
2 A. Fontaine et C. Fontana, Raver, Paris, Economica, 1996, p. 98-101 et E. Racine, La techno. Clubs, raves, free parties, Paris, Imago, 2002, p. 99-139. À lire également : L. Garnier, D. Brun-Lambert, Electrochoc, Paris, Flammarion, 2003.
3 E. Grynszpan, Bruyante techno. Réflexion sur le son de la free party, Nantes, Mélanie Seteun, 1999, p. 23-26.
4 L. Pourtau, « Les interactions entre raves et législations censées les contrôler », Déviance et société, vol. 29, no 2, 2005, p. 127-139.
5 Entretiens avec Tecktonik et les danseurs. Voir aussi : http://www.melbourne-shuffle.fr/ ; http://www.belgian-jumpstyle.com/ ; http://en.wikipedia.org/wiki/Melbourne_Shuffle ; http//fr.wikipedia.org/wiki/Jumpstyle#Jumpstyle.
6 U. Poschardt, DJ culture, Paris, Kargo, 2002, p. 126-127 ; voir aussi G. Bara, La techno, op. cit., p. 7-27.
7 P. Shapiro, Turn the Beat Around. L’histoire secrète de la disco, Paris, Allia, 2008, p. 7-42.
8 D. Livingston, Paris Is Burning, Miramax Films/Prestige, 1990.
9 H. Bazin, La culture hip hop, Paris, Desclée de Brouwer, 1995, p. 17-27 ; T. Blondeau, F. Hanak, Combat rap II, Bordeaux, Le Castor Astral, 2008, p. 13-36.
10 A. Pecqueux, Le rap, Paris, Le Cavalier Bleu, 2009, p. 35-38.
11 S. Frith, Performing Rites. On the Value of Popular Music, Cambridge, Harvard University Press, 1996, p. 123-144.
12 Je remercie E. Parent d’avoir attiré mon attention sur ce point ; voir Lore noir. Contribution à une anthropologie du jazz et de la culture noire américaine, depuis et à travers l’œuvre de Ralph Ellison, thèse de doctorat en anthropologie sociale et ethnologie, EHESS, 2009, p. 123.
13 H. Bazin, op. cit., p. 137-142.
14 Sur la genèse des conceptualisations de la postmodernité : P. Anderson, Les origines de la postmodernité, Paris, Les prairies ordinaires, 2010 ; sur l’analyse du rap comme esthétique postmoderne : R. Shusterman, L’art à l’état vif. La pensée pragmatiste et l’esthétique populaire, Paris, Éditions de Minuit, 1990, notamment p. 183-232.
15 M. Maffesoli, Au creux des apparences, Paris, Plon, 1990, p. 103-152.
Table des illustrations
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Légende | Fig. 1. Karmapa. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/368/img-1.jpg |
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Légende | Fig. 2. Lili Asian. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/368/img-2.jpg |
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Légende | Fig. 3. Technoparade 2008, Paris. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/368/img-3.jpg |
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Légende | Fig. 4. Karmapa. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/368/img-4.jpg |
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Légende | Fig. 5. Championnat de France Vertifight 2010. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/368/img-5.jpg |
Fichier | image/jpeg, 108k |
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Légende | Fig. 6. Jey Jey, clip Génération. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/368/img-6.jpg |
Fichier | image/jpeg, 100k |
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Légende | Fig. 7. Coiffure Tecktonik. |
URL | http://books.openedition.org/ms/docannexe/image/368/img-7.jpg |
Fichier | image/jpeg, 119k |
© Éditions Mélanie Seteun, 2011