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Antiquipop

 | 
Fabien Bièvre-Perrin
, 
Élise Pampanay

L’Empire des citations : vers un art contemporain « néo-néoclassique » ?

Tiphaine Annabelle Besnard

Résumé

Résumé en français : Si les modalités des divers mouvements passés de retour à l’antique ont été amplement étudiées, cela n’est guère le cas pour la période contemporaine, voire très contemporaine. Nombreuses et variées sont pourtant les reprises d’œuvres antiques par des artistes contemporains qui semblent librement puiser dans un répertoire consacré, avec plus ou moins de considération ou d’ironie. L’article, qui étudie quelques exemples d’œuvres contemporaines de nature dite citationnelle, propose successivement un inventaire des matériaux singuliers utilisés pour « revisiter » des sculptures antiques, un examen de certaines formes picturales de la référence à l’art antique et une analyse de la situation ambivalente de cette même référence à l’antique, entre haute et basse culture.

Abstract : References made to Antiquity in the past centuries and the way they have been used have been extensively studied, which isn’t the case for the contemporary period. Yet, many artists widely refer to Antiquity through diverse and sometimes contradictory forms and with more or less consideration, digging it up from what constitutes a repository of ancient works. This paper will study some contemporary works quoting ancient works of art and list the peculiar materials used to reinterpret the antique sculptures, before considering some of the pictorial forms of the references to Ancient art. Finally, we will see how ambivalent that reference can be, between high and low culture.

Texte intégral

  • 1 Voir Winckelmann 1991, p. 16.

1Pendant des siècles, la nécessité de se référer à l’Antiquité s’est trouvée au cœur de l’enseignement académique, conformément au précepte énoncé par J. J. Winckelmann dans les Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques en peinture et en sculpture : « L’unique moyen pour nous de devenir grands et, si possible, inimitables, est d’imiter les Anciens1. » Cependant, le rejet de la tradition et le désir de faire tabula rasa qui ont accompagné les mouvements des avant-gardes ont engagé les artistes dans d’autres voies. Dans ces conditions, on ne peut qu’être surpris de voir ressurgir des références à l’art antique dans des réalisations contemporaines, singulièrement depuis les années 1980.

  • 2 Pensons à Gods in Color (Munich, Glyptothek, 16 décembre 2003-29 février 2004), Au Royaume d’Alexa (...)
  • 3 Les actes de la table ronde qui s’est tenue à l’École normale supérieure en 1994, Antiquités imagi (...)
  • 4 Voir Mèredieu 2008, Cauquelin 1992, Dagen 2012.

2Les expositions temporaires prenant l’Antiquité pour thème, à l’instar de D’après l’antique qui s’est tenue au musée du Louvre sous les commissariats de Jean-Pierre Cuzin, Jean-René Gaborit et Alain Pasquier, tendent à se multiplier, prolongeant très certainement celles consacrées à l’archéologie2. Le succès public dont elles font l’objet est en accord avec une tendance artistique de plus en plus forte, puisqu’indéniablement nombre d’artistes du monde entier aiment à convoquer l’Antiquité dans leurs productions. Alors que les modalités des divers mouvements de retour à l’antique, dans le passé, ont été amplement étudiées par les historiens de l’art, cela n’est guère le cas pour les périodes récentes. Les ouvrages consacrés à l’art actuel – qu’ils soient de vulgarisation ou scientifiques – n’évoquent que très rarement la question3. Il n’en est fait nulle mention, par exemple, dans les ouvrages de Florence de Mèredieu, d’Anne Cauquelin ou encore de Philippe Dagen4. Les œuvres artistiques sont-elles jugées rétrogrades ou insignifiantes pour être si peu examinées ? De fait, seuls quelques artistes échappent au désintérêt, en raison, semble-t‑il, de leur notoriété. Ainsi en est-il d’Anne et Patrick Poirier qui proposent, depuis la fin des années 1960, des reconstitutions archéologiques miniatures (Ostia Antica), mais aussi, dans un autre registre, de Pierre et Gilles qui photographient depuis 1988 dieux et déesses de la mythologie gréco-latine (par exemple Neptune [Karim], 1988 ; Vénus Marine [Laëtitia Casta], 2000). Mais le phénomène est beaucoup plus vaste et il revêt des formes diversifiées et contradictoires : les œuvres antiques semblent constituer un répertoire dans lequel les artistes viendraient librement puiser et dont ils s’inspireraient, avec plus ou moins de considération ou d’ironie. Nous pouvons parler de véritable « empire » de la référence antique, au sens d’une emprise qui s’exercerait sur l’imaginaire collectif et adopterait fréquemment les formes propres à la culture populaire. Dans certains cas, on assiste même à un retour aux techniques dites « académiques » : la sculpture en ronde-bosse d’un côté, la peinture à l’huile de l’autre, pourtant bien décriées depuis les années 1960.

  • 5 Le terme ici nouvellement employé de revival n’est qu’un emprunt puisqu’il fait référence au Gothi (...)
  • 6 Nous entendons par « nature citationnelle » ou « pratiques artistiques citationnelles » les différ (...)

3Dans le cadre de la présente réflexion, il nous a paru intéressant d’envisager la thématique du retour à l’antique dans une double perspective : d’une part comme revival5 d’œuvres canoniques et de formes bien identifiées, d’autre part, comme réactualisation de techniques artistiques passées. Notre propos, qui étudiera quelques œuvres contemporaines peintes et sculptées de nature citationnelle6, se développera en trois temps : tout d’abord, nous nous intéresserons aux matériaux singuliers utilisés pour « revisiter » des sculptures antiques, puis nous envisagerons certaines des formes picturales de la référence à l’art antique. Enfin, nous considérerons la situation ambivalente de cette même référence, entre « haute » et « basse » culture.

Matériaux singuliers pour œuvres canoniques grecques revisitées : arrêt sur la sculpture

  • 7 Cette sculpture symbolise le pouvoir des Attalides grâce à la victoire du souverain pergaménien At (...)
  • 8 John de Andrea, The Dying Gaul, 1984, bronze patiné, 74,9 x 157,5 x 28,7 cm, Portland Art Museum, (...)
  • 9 Judy Fox, The Dying Gaul, 1995, terre cuite, 47 x 62,2 x 41,9 cm, collection particulière.
  • 10 Daniel Arsham, The Dying Gaul Revisited, 2015, 86 x 160 x 71 cm, galerie Perrotin.
  • 11 Daniel Arsham a employé ici du béton de ciment, sensiblement différent du béton utilisé par les Ro (...)

4La sculpture en ronde-bosse se fait encore aujourd’hui l’écho lointain de la statuaire grecque classique, singulièrement lorsqu’elle est figurative et réalisée avec des matériaux dits nobles (bronze ou marbre). De fait, certains artistes persistent à se référer très directement à des œuvres canoniques, telles que la Vénus de Milo, le groupe du Laocoon, (ou Laocoon du Belvédère), ou encore Le Discobole, ainsi qu’à des types canoniques comme l’Aphrodite accroupie, la Korê dite au péplos, ou l’Hercule Farnèse, pour ne citer qu’eux. Ces sculptures, des périodes classique et hellénistique majoritairement, ne cessent d’être réactualisées dans des matériaux divers et parfois étonnants. Prenons l’exemple du Galate mourant, célèbre copie romaine d’un original grec en bronze du iiie siècle avant J.‑C.7. Il retrouve tour à tour des couleurs sous la forme d’un bronze patiné hyperréaliste de John de Andrea8 réalisé en 1984, ou prend les traits d’un nourrisson en terre cuite9 en 1995 grâce à Judy Fox. Et c’est avec du béton que Daniel Arsham figure un jeune homme vêtu d’une chemise, d’un jean et chaussé de sneakers Air Max 90 de la marque Nike10. La sculpture classique subit une transformation double : actualisée par le choix des matériaux modernes employés11, elle est visiblement adaptée à la culture du xxie siècle par l’ajout des accessoires de mode en vogue. Or, ni la terre cuite ni le béton n’ont la même longévité que le marbre ou le bronze, ce qui soulève la question de la durabilité de l’œuvre. Une question d’autant plus présente dans le travail de Daniel Arsham qu’il se présente sous une forme fragmentée. Faut-il voir là le désir de l’artiste de suggérer la fragilité de notre civilisation ? Comme toutes les œuvres contemporaines éphémères, on peut y voir aussi une volonté de désacralisation.

  • 12 C’est à partir des années 1960 que ces questions se sont posées, puisque c’est alors que les artis (...)
  • 13 Meekyoung Shin, Kuros (série Translation), 2009, savon, feuilles de bronze, 210 x 63 x 63 cm, coll (...)

5Si l’utilisation de matériaux actuels (plastique, peintures synthétiques, bois, plâtre…) relève d’abord d’un choix esthétique du créateur, elle a pour conséquence notable de rendre difficile la conservation des œuvres12. Certaines sculptures antiques ont survécu depuis plus de deux millénaires, mais qu’en sera-t‑il des œuvres produites aujourd’hui ? La question de la pérennité des productions artistiques est ainsi au cœur de travail de l’artiste coréenne Meekyoung Shin qui sculpte des korai et kouroi, types de ronde-bosse caractéristiques de la période archaïque en Grèce. L’originalité de sa recréation tient essentiellement au matériau utilisé. En effet, elle ne sculpte ni marbre, ni bronze, mais un élément friable : le savon. Cette substitution change tout. Le marbre est dégradé en matériau bon marché servant à l’hygiène corporelle. Le caractère éphémère de la réalisation est ainsi prédominant : l’œuvre sculptée est amenée à disparaître, contrairement à son original. Une telle comparaison ne peut manquer d’être faite étant donné que les sculptures en savon parfumé de Meekyoung Shin sont de véritables répliques à échelle 1 de modèles antiques (Korê 678 [fig. 1] ou Kouros d’Aristodikos13, pour ne prendre que deux exemples). Les couleurs dont elles sont enduites créent des empâtements grossiers qui accentuent encore le processus de vulgarisation engagé.

Fig. 1 – Meekyoung Shin, Core (série Translation), 2009. Savon, métal, bois, vernis, pigment, 96 x 35 x 16 cm (collection de l’artiste, avec son aimable autorisation de reproduction).

Fig. 1 – Meekyoung Shin, Core (série Translation), 2009. Savon, métal, bois, vernis, pigment, 96 x 35 x 16 cm (collection de l’artiste, avec son aimable autorisation de reproduction).
  • 14 Exposition Serial/Portable Classic. The Greek Canon and its Mutations, Milan et Venise, Fondazione (...)

6Si les réalisations que nous venons d’examiner sont dues à des artistes reconnus – autrement dit des artistes cotés sur le marché de l’art et bénéficiant d’une bonne visibilité dans les institutions officielles (musées et galeries) –, il en est d’autres qui ressortent d’une catégorie non pas artistique, mais scientifique. Il semble toutefois important d’examiner ici ces productions, car en un sens, on peut les dire artistiques, ou du moins, on peut les appréhender en tant que telles. Les sculptures créées par les époux Brinkmann en font partie : ces deux universitaires allemands proposent des restitutions de polychromie des antiques. La visée de leur travail est avant tout pédagogique : il a pour principale vocation de montrer au public une Antiquité en couleurs. Cependant leurs reconstitutions ne sont pas restées dans l’ombre, car elles ont mené à une première exposition Gods in Colors à la Glyptothek de Munich en 2003. Le succès a été tel qu’elle s’est exportée jusqu’en 2014 – près de dix ans plus tard – à Copenhague, sous le titre Som forvandlet antik skulptur i farver (Transformations. La Sculpture classique en couleur). La muséographie consistait à confronter, en les disposant côte à côte, des marbres originaux et leurs copies colorées. On est alors sorti du cercle didactique puisque les restitutions peintes de l’Apollon dit de Kassel ont été présentées à la fondation Prada de Milan en 2015 dans le cadre de l’exposition Serial Classic14, aux côtés d’autres reproductions de figures antiques connues telles que la Vénus accroupie, le Doryphore de Polyclète ou bien l’Hercule Farnèse (fig. 2). Il a paru intéressant de contacter l’auteur des restitutions polychromiques afin d’avoir son avis sur son travail. En réponse à un courriel portant sur la qualification artistique des reconstitutions produites, Ulrike Koch-Brinkmann m’a adressé les remarques suivantes :

  • 15 Traduction libre d’un extrait de l’échange de courriels daté du 24 juillet 2015 : « I’m archeologi (...)

Je suis archéologue et non artiste. Dans notre équipe, nous essayons de visualiser les résultats de la recherche scientifique : un grand nombre de sculptures antiques grecques et romaines possèdent encore des restes de leurs couleurs d’origine. […] Mais votre question semble très intéressante, car, bien sûr, nous créons de nouveaux objets d’art aussi. […]15.

7Il faut bien reconnaître l’existence d’une dimension esthétique, non recherchée initialement par les époux Brinkmann. La restitution qui se voulait scientifique change alors de statut et se fait œuvre d’art.

Fig. 2 – Exposition temporaire Serial Classic, Fondazione Prada. Vue d’ensemble des restitutions de l’Apollon de Kassel (photographie de l’auteur, mai 2015).

Fig. 2 – Exposition temporaire Serial Classic, Fondazione Prada. Vue d’ensemble des restitutions de l’Apollon de Kassel (photographie de l’auteur, mai 2015).

Approche classicisante de la peinture : vers un retour du graphein ?

  • 16 Voir Heinich 2014, p. 144.

8Le développement des pratiques picturales abstraites par les avant-gardes des années 1960 et 1970 et, corrélativement, l’ouverture du champ des arts plastiques à de nouvelles techniques et formes d’expression (performance, vidéo, photographie plasticienne…) a eu pour conséquence de stigmatiser le métier de peintre et de dénigrer une certaine conception de la peinture dite académique. Dans le sillage suivit une dévalorisation de la référence à l’antique qui pendant des siècles avait été au cœur du système de l’enseignement académique. La promotion de formes d’abstraction radicale et minimaliste a abouti à une « ringardisation » du médium pictural : « Dès les années 1970, la peinture a été fortement suspectée de ringardisme, d’abord aux yeux des artistes eux-mêmes puis par les spécialistes (surtout aux États-Unis). En France, l’institutionnalisation du soutien à l’art contemporain à partir des années 1980 n’a fait qu’accentuer la tendance16. » La peinture en général subit un dénigrement, à fortiori la peinture figurative. Le mouvement ne s’est guère inversé en dépit d’annonces récurrentes du « retour de la peinture » : peu nombreux sont aujourd’hui les peintres exposés dans les centres et musées d’art contemporain. Du côté des critiques et théoriciens, le désintérêt n’est pas moindre. Un des rares mouvements picturaux à avoir bénéficié d’une certaine attention a été la Transavanguardia. Sous l’égide du critique d’art italien Achille Bonito Oliva, les artistes qui en ont fait partie ont développé des thèmes enracinés dans l’imaginaire et la mythologie antique. Malgré son regain certain dans les années 1980, cet art est resté en marge des productions artistiques en vogue.

  • 17 Pour rappel, il s’agissait, après contemplation des ruines, d’effectuer des relevés puis des resti (...)
  • 18 Antiochus et Stratonice est le titre donné à une des œuvres phares de l’artiste Jean-Auguste-Domin (...)

9C’est de ce côté qu’il faut, semble-t‑il, se tourner pour retrouver des formes picturales qui « ressuscitent » les traditions académiques. Jean-Claude Golvin est architecte et archéologue, mais aussi aquarelliste. Son approche scientifique est comparable à celle des époux Brinkmann, quoiqu’elle opère dans un registre différent, puisqu’il s’agit en l’occurrence de restituer des monuments antiques et des sites archéologiques sur papier. Le travail est rendu possible grâce à une maîtrise certaine de l’aquarelle. Les connaissances de Jean-Claude Golvin en archéologie viennent enrichir son travail, tout comme sa lecture attentive des textes antiques et des comptes rendus de fouilles. Manifestement, les planches issues de ses recherches sont très prisées des éditeurs, puisqu’elles sont les bienvenues pour illustrer les manuels scolaires d’Histoire et les revues historiques et archéologiques. S’il est intéressant d’évoquer son travail, c’est parce que ses productions sont comparables aux fameux envois de Rome réalisés tout au long du xixe siècle par les archéologues et architectes lors de leurs séjours en Italie, en Grande Grèce et en Grèce17. La restitution du sanctuaire d’Apollon à Delphes, par exemple, évoque irrésistiblement celle réalisée en 1894 par l’architecte et Grand Prix de Rome Joseph Albert Tournaire. Si Jean-Claude Golvin réalise de nombreuses vues d’ensemble, il s’essaie aussi à rendre des intérieurs sur des petits formats en juxtaposant par collages des photocopies qu’il rehausse d’encres et de graphites. De tels procédés se retrouvent, par exemple, dans Pompéi, maison des Vettii (fig. 3), planche qui ne peut qu’évoquer celles de Victor Baltard ou encore les esquisses préparatoires de Jean-Auguste-Dominique Ingres réfléchissant à la composition des décors d’Antiochus et Stratonice18. Comme eux, Jean-Claude Golvin recrée les espaces, leur décoration et leur ameublement (revêtements des murs, mobilier, ornement…), et y place des personnages. Cet effort de composition est indissociable, de façon générale, du travail du peintre puisque le rendu final domine. Dans l’avant-propos de L’Antiquité retrouvée, l’architecte-archéologue affirme :

  • 19 Voir Golvin 2015, p. 5.

L’image en deux dimensions a ses contraintes propres, ses limites, de même que ses avantages. Elle impose de faire des choix définitifs au niveau du cadrage, de la position du point d’observation, et de réfléchir à la manière la plus efficace de dire l’essentiel en une seule fois. Elle est fixe, et l’observateur est dynamique en la regardant. Elle est rapide à faire et économique, elle arrive à « bien vieillir » grâce à ses qualités artistiques. Si, au bout d’un certain temps, elle est dépassée sur le plan cognitif, elle reste une « belle image », qui fait partie de l’Histoire de la représentation, se voit toujours avec plaisir et peut aboutir dans un musée pour connaître d’autres formes d’utilisation19.

10Cet extrait, bien que nous renseignant sur la manière de travailler et de concevoir une image en fonction de critères pédagogiques, artistiques et esthétiques, nous informe aussi d’une possible finalité de l’œuvre peintre : celle d’« aboutir dans un musée ». Tel est le cas de l’ensemble de son œuvre, conservé depuis une dation au musée de l’Arles antique, de près d’un millier de réalisations.

Fig. 3 – Jean-Claude Golvin, Pompéi, maison des Vettii, 2008. Aquarelle, encre bleue, encre noire, graphite, rehaut pailleté, collage, 50 x 65 cm, musée départemental Arles antique – fonds Golvin, inv. GOL.2011.01.724 (avec l’aimable autorisation de reproduction de l’artiste).

Fig. 3 – Jean-Claude Golvin, Pompéi, maison des Vettii, 2008. Aquarelle, encre bleue, encre noire, graphite, rehaut pailleté, collage, 50 x 65 cm, musée départemental Arles antique – fonds Golvin, inv. GOL.2011.01.724 (avec l’aimable autorisation de reproduction de l’artiste).
  • 20 Voir Von Bonin 2010, p. 10‑11 : « […] the majority had been inspired by ancient art in the Getty’s (...)
  • 21 Alexander Mihaylovich, Study of Augustus, 2008, graphite, aluminium, format et lieu de conservatio (...)
  • 22 Alexander Mihaylovich, Kouros, 1998, huile sur toile, aluminium, 300 x 190 cm, lieu de conservatio (...)
  • 23 Achilleas Droungas, Olympic Spirit, 2007, huile sur toile, 115 x 170 cm, collection de l’artiste.
  • 24 Theodore Manolides, Myth and Nature (série Essence and Mystery), 2001, huile sur toile, 41 x 36 cm (...)

11Si Jean-Claude Golvin tente de restituer de la manière la plus plausible ce qu’aurait pu être un site ou un monument à l’époque antique, à partir de la documentation archéologique, d’autres artistes en viennent, quant à eux, à copier les fragments de mobilier archéologique observés dans les musées. Tel est le cas de Jim Dine ou encore d’Alexander Mihaylovich. Ce dernier, qui a travaillé au Getty Museum à Los Angeles et qui a donc été en contact avec les pièces antiques qui s’y trouvent, les a reproduites en dessin et en peinture20. Ainsi, le buste en marbre d’Auguste est repris par l’artiste, de profil (Study of Augustus, 2008)21. Le nom de l’empereur, crayonné en lettres latines, vient confirmer l’identification du personnage représenté. Le graphite est associé à des fragments de métal (aluminium) dans le but de suggérer les « strates du temps », Layers of Time, pour reprendre le titre d’une exposition qui lui était consacrée au musée d’Art classique de Mougins. Une telle utilisation est aussi une manière de « contemporanéiser » les huiles sur toile figurant des copies de ronde-bosse, comme on peut l’observer avec le Kouros dit du Getty (Kouros, 1998)22. Alexander Mihaylovich vénère et fantasme presque l’Antiquité. Cette manière élogieuse de cultiver la référence se retrouve aussi bien dans les productions classicisantes d’Achilleas Droungas que de Theodore Manolides. Dans Olympic Spirit (2007)23 , Achilleas Droungas figure l’Aurige, célèbre bronze du ve siècle av. J.‑C., tandis que Theodore Manolides représente dans Myth and Nature (2001)24 une célèbre céramique à figure noire d’Exekias (conservée au British Museum). La scène où l’on voit Achille terrassant Penthésilée prend place dans une nature morte, genre pictural par ailleurs bien tombé en désuétude. La nationalité grecque des deux artistes n’est pas anodine puisque dans leur travail la notion de filiation et d’héritage du passé domine.

  • 25 Jeff Koons ne réalise pas ses œuvres. L’ensemble des productions est façonné en atelier par des ar (...)
  • 26 Jeff Koons, Antiquity II, 2009‑2011, huile sur toile, 259,1 x 350,5 cm, collection particulière.

12La référence à l’Antiquité se trouve également sur de grandes toiles que l’artiste américain Jeff Koons fait réaliser25 comme sur celles qui composent la série au nom évocateur : Antiquity (2009‑2014). Privilégiant un style hyperréaliste, l’artiste joue sur la superposition et l’accumulation des images et des clichés, en accord avec une esthétique du mixage. Ces images mêlent, en les juxtaposant, les époques et les registres. Ainsi Antiquity II26 associe la représentation d’une Aphrodite rattachant sa sandale et celle de l’actrice américaine Gretchen Mol dans une pose pour le moins singulière puisqu’elle est assise à califourchon sur un dauphin gonflable. Sont encore présents dans cette œuvre, qui adopte le grand format des peintures d’Histoire des siècles passés, des hommages à la déesse grecque Aphrodite. Nous pouvons en effet identifier le groupe d’Aphrodite, Pan et Éros, la Vénus Mazarin, l’Aphrodite rattachant sa sandale, un silène ainsi qu’un fragment d’une peinture de Raphaelle Peale, Vénus sortant des eaux, dont le drap au premier plan cache la déesse anadyomène. Dans un entretien avec Norman Rosenthal, l’artiste explique le choix qu’il fait de la référence antique :

  • 27 Voir Koons et Rosenthal, 2014, p. 177 et 186.

[…] travailler avec une série comme « Antiquity » me permet d’avoir cet échange, de revisiter Praxitèle et ces artistes dont l’œuvre n’est même pas avérée. Il existe différentes copies, ou peut-être un seul vase de Praxitèle, et comme il ne reste plus rien, même des plus grands artistes de l’Antiquité, il est crucial d’avoir un échange avec cette forme de mortalité. […] Je dirais que c’est venu en prenant conscience de ma propre mortalité. L’idée du temps qui passe et le goût de l’Histoire, doublés d’un désir d’y prendre part, vous poussent automatiquement à vous pencher sur les apports majeurs des autres pour en tirer des enseignements27.

13Revisiter, c’est donner une lecture nouvelle d’une œuvre. Ici, Jeff Koons cherche à décontextualiser les productions de l’Antiquité, à les mélanger en nivelant tout, de la Vénus Mazarin à Gretchen Mol. L’attitude de l’artiste est très post-moderne puisqu’il travaille à partir de copies de copies. Alors qu’il se veut désinvolte par son discours vague en évoquant le « goût de l’Histoire », l’artiste n’en montre pas moins sa fière conscience et son rôle « historique » dans l’art du xxie siècle. L’accumulation et le mélange sont au service ici d’un mauvais goût revendiqué. Si un terme qualifie un tel travail, c’est sans nul doute celui de kitsch, le kitsch étant, rappelons-le, « le caractère esthétique d’œuvres et d’objets, souvent à grande diffusion, dont les traits dominants sont l’inauthenticité, la surcharge, le cumul des matières ou des fonctions et souvent le mauvais goût ou la médiocrité »28. Représenter les œuvres antiques canoniques apparaît donc pour Jeff Koons comme une démarche majeure, même si sa surenchère domine jusqu’à mener à un excès, lui-même accentué par la technique employée.

14Avec les exemples précédemment cités, nous avons pu constater que la référence à l’Antiquité est bien présente dans l’art contemporain grâce au médium qu’est la peinture (aquarelle ou à l’huile). Cependant, elle ne s’effectue pas dans les mêmes termes selon les artistes. Effectivement, Jeff Koons se place dans le sillage d’une esthétique post-moderne qui revendique un rapport très libre à l’Histoire et joue du mélange des images, ce qui n’est pas le cas des autres artistes cités. Toutefois ce que l’on pourrait qualifier d’art « néo-néo », c’est-à‑dire d’un nouvel art néoclassique, est encore en marge des tendances privilégiées aujourd’hui dans les institutions artistiques et culturelles. Alexander Mihaylovich, Theodore Manolides et Achilleas Droungas sont peu représentés dans les galeries et les musées. Quant aux aquarelles de Jean-Claude Golvin, elles ne sont souvent considérées que comme des illustrations. En revanche, pour la qualification artistique des productions de Jeff Koons, le doute n’est pas permis. En effet, c’est par son statut d’artiste contemporain vivant le plus cher du monde – son Balloon Dog s’étant vendu à 58,4 millions de dollars lors d’une vente aux enchères en 2013 chez Christie’s – qu’il acquiert de facto une légitimité à user des références tout comme des media qu’il souhaite.

L’Antiquité aujourd’hui, entre haute et basse culture ?

  • 29 Les registres employés par les artistes peuvent être multiples (comique, ironique, sérieux, didact (...)

15Les exemples examinés ont mis en évidence la pluralité des registres29 dans lesquels se manifeste l’intérêt des artistes contemporains pour l’art antique. L’attitude révérencieuse générale tend à s’estomper avec Jeff Koons chez qui la frontière entre dimension laudative et dépréciative est parfois poreuse. Or, les formes de citation de l’Antiquité dans l’art actuel sont abondantes. Si les hommages renforcent l’idée d’une Antiquité objet de tous les fantasmes, les transpositions parodiques et les détournements, fort nombreux, marquent quant à eux une rupture voire un rejet de la référence antique. On doit donc conclure à une pluralité de traitements qui peut s’expliquer par des facteurs culturels, géographiques et politiques.

  • 30 Ces deux œuvres sont visibles sur la figure 8. La photographie a été prise dans le forum de Pompéi (...)

16Des artistes vont, par exemple, chercher à recréer des fragments de sculpture, ce que nous appellerons « Antiquité augmentée ». Les bronzes des sculpteurs Christophe Charbonnel et Igor Mitoraj pourraient constituer des exemples probants de cette catégorie. En effet, leurs œuvres – L'Égide (fig. 4) figurant un bouclier d’Athéna à tête de Méduse pour le premier, et Centauro, représentant l’être mythologique anthropomorphe pour le second –, jettent le trouble sur le spectateur : s’agit‑il de productions antiques découvertes récemment ? Cette question se pose d’autant plus lorsque les productions d’Igor Mitoraj sont exposées in situ, dans la vallée des temples à Agrigente par exemple, ou encore à Pompéi (14 mai 2016-1er mai 2017, fig. 5). En plaçant ses grands bronzes au milieu des ruines, l’artiste les « anime », il les fait revivre. Parfois couchées à même le sol, comme Ikaro Blu ou Memorie30, ses réalisations s’apparentent à des vestiges. La sculpture équestre Centauro est, quant à elle, installée sur un promontoire dont on devine qu’il aurait pu servir de socle à une statue détruite par l’éruption de 79 ap. J.‑C. La recréation d’objets archéologiques n’est pas exclusivement européenne puisqu’elle migre, dans un sens plus large, dans toute l’aire culturelle occidentale et en particulier aux États-Unis. Les artistes américains reprennent indéniablement depuis le xixe siècle les figures antiques (de l’architecture jusqu’au cinéma). En effet, elles viennent notamment légitimer le pouvoir en place et renforcer un jeune État qui prône des valeurs moralisatrices tout en s’inscrivant comme héritier du passé gréco-romain. Ainsi, en 1990, Alan LeQuire présente au public son Athena Parthenos, réalisée après un concours remporté neuf ans plus tôt. La sculpture monumentale, haute de près de treize mètres, est installée dans le Parthénon de Nashville qui lui sert d’écrin. L’artiste a choisi de proposer une restitution en plâtre de la sculpture réalisée par Phidias. Ces remplois antiques (écrin architectural et sculpture) sont motivés par la volonté d’élévation et de filiation. Dans La Notion de culture dans les sciences sociales, le sociologue et anthropologue Denys Cuche explicite le besoin pour une collectivité ou un pays de défendre un modèle :

  • 31 Voir Cuche 2010, p. 77‑79.

Chaque collectivité, à l’intérieur d’une situation donnée, peut être tentée de défendre sa spécificité en s’efforçant par divers artifices de convaincre (et de se convaincre) que son modèle culturel est original et lui appartient en propre. […] Toute culture particulière est un assemblage d’éléments originaux et d’éléments importés, d’inventions propres et d’emprunts31.

17Les propos de Denys Cuche soulignent la particularité de chaque culture, mais aussi sa relation avec toutes les autres : toute culture crée autant qu’elle importe et emprunte à d’autres.

Fig. 4 – Christophe Charbonnel, L'Égide (Méduse), 2012. Bronze, 72 x 72 x 30 cm, galerie Bayart, Compiègne (avec l’aimable autorisation de reproduction de la galerie).

Fig. 4 – Christophe Charbonnel, L'Égide (Méduse), 2012. Bronze, 72 x 72 x 30 cm, galerie Bayart, Compiègne (avec l’aimable autorisation de reproduction de la galerie).

Fig. 5 : Exposition temporaire Igor Mitoraj a Pompei. Vue générale du forum (photographie de l’auteur, août 2016).

Fig. 5 : Exposition temporaire Igor Mitoraj a Pompei. Vue générale du forum (photographie de l’auteur, août 2016).
  • 32 Pour rappel, les transpositions parodiques sont des œuvres artistiques dans lesquelles les auteurs (...)
  • 33 Hui Cao, Don’t forget me, 2011‑2012, résine, fibre de verre, acrylique, 69 pièces, format variable (...)
  • 34 Nick Van Woert, Untitled, 2013, plastique, fibre de verre, 95,3 x 73,6 x 213,4 cm, lieu de conserv (...)
  • 35 Nick Van Woert, Untitled, 2012, fibre de verre, résine, dimensions non communiquées, collection pa (...)
  • 36 Xu Zhen, Winged Victory of Samothrace, Tianlongshan Grottoes Bodhisttva (série Eternity), 2013, fi (...)
  • 37 Voir Cuche, op. cit., p. 80.
  • 38 Serge Latouche, économiste et philosophe, est notamment l’auteur de L’Occidentalisation du monde, (...)
  • 39 Koons et Rosenthal, 2014 op. cit., p. 73.

18Il est certain que la diversité des traitements de l’Antiquité dans l’art contemporain reflète la pluralité des relations des artistes au passé. Certains ont tendance à user de modalités particulières de citation telles que les transpositions parodiques et les détournements32. Les nombreux procédés plastiques que sont les agrandissements, diminutions, suppressions, adjonctions, répétitions, fragmentations ou bien encore inversions, employés par les artistes, peuvent parfois véhiculer une dépréciation de l’Antiquité par le biais d’images avilies. Les sculptures en ronde-bosse, parfois déjà meurtries par les aléas et le passage du temps, subissent de nouvelles mutilations. C’est par ce procédé que la Vénus de Milo, déjà amputée de ses bras, se retrouve littéralement « saucissonnée » par l’artiste chinois Hui Cao dans une œuvre intitulée Don’t forget me33. L’esthétique de la dégradation se retrouve dans le travail du sculpteur américain Nick Van Woert. Après avoir appliqué diverses couches de plastique sur ses sculptures, il les scie en deux34 ou bien les dépèce35. L’hybridation est un procédé tout aussi intéressant pour réaliser des détournements. En effet, elle peut être réalisée grâce à des procédés de greffes et des renversements : Xu Zhen fait ainsi se rencontrer, dans ce que nous pouvons appeler des « greffes de civilisation » des vestiges antiques de la Grèce et de la Chine : la Victoire de Samothrace renversée sert de tête à un corps de Bouddha assis de la dynastie Tang (viiie siècle après J.‑C.)36. D’autres figures canoniques subissent des transformations analogues dans une série intitulée Eternity. L’artiste joue avec des icônes culturelles tout en cherchant une esthétique du spectaculaire. L’accessoirisation – entendons par cela l’ajout d’objets par le biais d’assemblages et de superpositions – permet également de détourner le sens premier de la production antique. Toujours dans la série Eternity, Xu Zhen rajoute sur le célèbre Dieu du cap Artemision des pigeons : la sculpture antique devient dès lors un perchoir pour oiseaux. « Les dominés réagissent à l’imposition culturelle par la dérision, la provocation, le “mauvais goût” volontairement affiché »37, avance Denys Cuche. Tourner en dérision les figures emblématiques de l’Antiquité est peut-être un moyen efficace pour Xu Zhen de dénoncer « l’occidentalisation du monde », pour reprendre l’expression utilisée par Serge Latouche38. C’est dans la série Gazing Ball que Jeff Koons joint à chacune de ses copies grecques et romaines non pas des pigeons, mais une petite boule réfléchissante, symbole de générosité ornant les devantures des pavillons américains de Pennsylvanie (d’où l’artiste est originaire). Pour lui, le « reflet renvoie à l’identité, mais aussi à l’enthousiasme, à l’affirmation de soi et à la perspective d’élévation »39. L’adjonction d’un objet à une sculpture antique permet donc à Jeff Koons de dévier de l’œuvre initiale. De fait, elle demande au spectateur un effort de réflexion pour y trouver un sens nouveau. Peut-être devons-nous voir en ses productions l’idée d’une élévation intellectuelle grâce à la référence antique ?

  • 40 Bousteau 2016, p. 96.
  • 41 Bousteau 2016.
  • 42 Xu Zhen est, par exemple, à l’origine en 2010 de la MadeIn Company puis, en 2014, de la MadeIn Gal (...)

19Cependant, force est de constater que Jeff Koons et Xu Zhen n’ont pas forcément d’explication à livrer sur leurs pratiques artistiques, qui laissent pantois visiteurs, critiques et historiens de l’art : Xu Zhen, qui est à l’origine des « greffes de civilisation » atteste même dans une interview réalisée pour Beaux-Arts magazine en février 2016 que « parfois les œuvres arrivent d’un coup » tandis que « d’autres vont nécessiter des tonnes d’analyses et de recherches »40. L’aspect visuel est dominant, la finalité étant de trouver l’objet « beau » comme le déclare Xu Zhen : « On croit souvent qu’une réflexion “Est-Ouest” traverse mes œuvres. Un enfant ne réagirait pas de cette façon. Il trouve cela beau, c’est tout. L’esprit des adultes est formaté »41. On ne peut qu’observer le caractère court et insuffisant des propos de l’artiste qui font preuve, en définitive, d’une forme d’acculturation de ce dernier. De plus, comprenons qu’une œuvre plaisante et attrayante se vendra plus aisément. En effet, puisque la référence antique paraît généralement noble, belle, intellectuelle, rassurante et identifiable, elle pourra trouver des acquéreurs plus facilement. De fait, les motivations de ces deux artistes semblent en premier lieu guidées par des intérêts marchands et l’utilisation de l’antique est pour eux intéressante et intéressée. Jeff Koons, tout comme Xu Zhen sont, rappelons-le des acteurs puissants du marché de l’art puisqu’ils sont à la fois artistes et chefs d’entreprise42.

20In fine, chaque œuvre est réalisée dans un contexte historique et géopolitique clairement défini. Tout fait sens, y compris l’impact non négligeable du marché de l’art en Occident ainsi qu’en Extrême-Orient. Nous pouvons ainsi reprendre les propos du professeur de sciences politiques Francis Balle qui, dans Le Choc des incultures, atteste que :

  • 43 Voir Balle 2016, p. 46.

La culture marchande prend la « vraie culture » pour une émouvante rêverie, sinon une aimable plaisanterie. Le vice ridiculise la vertu pour mieux prendre sa place : non pas un hommage, mais plutôt le faux qui prétend remplacer le vrai, le factice qui prend la place du naturel, la mauvaise contrefaçon qui chasse l’original43.

21Les notions de haute et de basse culture trouvent ici un sens. Tandis que Christophe Charbonnel et Igor Mitoraj idéalisent l’Antiquité et lui rendent hommage, Jeff Koons et Xu Zhen la détournent et la vendent dans un contexte mercantile, caractéristique de notre société d’hyperconsommation.

Conclusion

  • 44 Bentu. Des artistes chinois dans la turbulence des mutations, du 27 janvier au 2 mai 2016. La gale (...)

22Reconstitué, révéré, fantasmé, pastiché ou encore détourné, l’art antique ne cesse d’être revisité à l’époque contemporaine. Les exemples étudiés le prouvent. Bien d’autres pourraient être évoqués. Les marbres antiques, longtemps oubliés et délaissés dans les collections des musées au profit d’un art moderne qui s’est voulu détaché de toute référence au passé et à la tradition, retrouvent une nouvelle jeunesse. Ils sont aujourd’hui « dépoussiérés ». Les artistes actuels recyclent les formes canoniques grecques et romaines jusqu’en Extrême-Orient dans le but de créer de nouvelles œuvres… qui reviennent parfois de nouveau en Europe, autrement dit, en Occident, pour des expositions temporaires. Tel est le cas de la série Eternity de Xu Zhen, qui a été présentée à la fondation Louis Vuitton44.

  • 45 Histoire Auguste, Vie d’Héliogabale, 21, 5 : Oppressit in tricliniis versatilibus parasitos suos v (...)

23Nous avons spécifiquement centré notre propos sur la sculpture et la peinture. Cependant, d’autres media sont utilisés par les artistes, comme la photographie, par exemple. Pour ne prendre qu’un exemple, citons le travail de mise en scène photographique de l’Américaine Eleanor Antin. Dans une série de 2001 intitulée The Last Day of Pompei, l’artiste transpose la destruction et l’ensevelissement de la cité romaine aux États-Unis. Elle y envisage la fin de l’empire américain et de son système capitaliste. The Golden Death (issu de la série) n’est autre qu’une transposition parodique d’une huile sur toile réalisée en 1888 par Sir Lawrence Alma-Tadema et intitulée Les Roses d’Héliogabale. Elle propose d’observer une histoire romaine tragique : celle d’un empereur qui, d’après le récit de l’Historia Augusta « avait des salles à manger aux plafonds mobiles où il accabla si fort ses parasites de violettes et autres fleurs que certains moururent d’asphyxie pour n’avoir pu émerger du tas en rampant »45. Eleanor Antin substitue aux pétales de fleurs des pièces de monnaie dans une composition aux couleurs éclatantes et où le kitsch, décidément, domine. C’est une façon pour notre civilisation de mettre en scène sa propre « décadence ».

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Collectif 2012 : Collectif, Christophe Charbonnel, Paris, 2012.

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Heinich 2014 : N. Heinich, Le Paradigme de l’art contemporain. Structures d’une révolution artistique, Paris, 2014.

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Wolf 2012 : N. Wolf, L’Art des salons. Le Triomphe de la peinture du xixe siècle, Paris, 2012.

Notes

1 Voir Winckelmann 1991, p. 16.

2 Pensons à Gods in Color (Munich, Glyptothek, 16 décembre 2003-29 février 2004), Au Royaume d’Alexandre le Grand. La Macédoine antique (Paris, Louvre, 13 octobre 2011-16 janvier 2014) ou encore Moi, Auguste, empereur de Rome (Paris, Grand Palais, 19 mars-19 juillet 2014). Si la survivance se manifeste de plus en plus dans les expositions temporaires, elle est en revanche bien plus rare dans celles dites permanentes. Il n’existe à ce jour qu’un seul musée, unique en son genre : le musée d’Art classique de Mougins. La muséographie novatrice juxtapose des œuvres de différentes périodes rassemblées par le collectionneur britannique Christian Levett, en vertu de leur commune référence à l’Antiquité. Ainsi, par exemple, un torse en marbre de Vénus côtoie la Vénus bleue d’Yves Klein.

3 Les actes de la table ronde qui s’est tenue à l’École normale supérieure en 1994, Antiquités imaginaires. La Référence antique dans l’art moderne, de la Renaissance à nos jours, sont une des rares synthèses à avoir été réalisées sur le sujet.

4 Voir Mèredieu 2008, Cauquelin 1992, Dagen 2012.

5 Le terme ici nouvellement employé de revival n’est qu’un emprunt puisqu’il fait référence au Gothic Revival, survivance du style gothique, appelé néo-gothique, du milieu du xviiie au xixe siècle, et dont la visée était de faire revivre les formes médiévales. Pour le sujet qui nous intéresse, tel un clin d’œil à l’histoire de l’art, nous pouvons parler d’art grec néo-néo ou bien d’Antique Revival.

6 Nous entendons par « nature citationnelle » ou « pratiques artistiques citationnelles » les différents procédés plastiques mis en œuvre pour reprendre, restituer et transposer parodiquement l’Antiquité. Si le terme « citation » est dans un premier temps littéraire, il trouve sa place également dans le champ artistique pour désigner des œuvres plastiques empruntes d’autres sources identifiables.

7 Cette sculpture symbolise le pouvoir des Attalides grâce à la victoire du souverain pergaménien Attale Ier Sôter sur les Galates.

8 John de Andrea, The Dying Gaul, 1984, bronze patiné, 74,9 x 157,5 x 28,7 cm, Portland Art Museum, Oregon (inv. 85.125).

9 Judy Fox, The Dying Gaul, 1995, terre cuite, 47 x 62,2 x 41,9 cm, collection particulière.

10 Daniel Arsham, The Dying Gaul Revisited, 2015, 86 x 160 x 71 cm, galerie Perrotin.

11 Daniel Arsham a employé ici du béton de ciment, sensiblement différent du béton utilisé par les Romains (opus caementicium).

12 C’est à partir des années 1960 que ces questions se sont posées, puisque c’est alors que les artistes ont cherché à défier et mettre à l’épreuve les institutions artistiques en usant de matériaux allant à contre-courant des normes imposées (matériaux organiques et dégradables).

13 Meekyoung Shin, Kuros (série Translation), 2009, savon, feuilles de bronze, 210 x 63 x 63 cm, collection de l’artiste.

14 Exposition Serial/Portable Classic. The Greek Canon and its Mutations, Milan et Venise, Fondazione Prada, 9 mai-13 septembre 2015.

15 Traduction libre d’un extrait de l’échange de courriels daté du 24 juillet 2015 : « I’m archeologist and not an artist. In our team we try to visualize scientific research results : A lot of ancient greek and roman sculptures are still showing remnants of their original coloring. […] But your question sounds very interesting, of course we create with these reconstructions new art-objects also. […] ».

16 Voir Heinich 2014, p. 144.

17 Pour rappel, il s’agissait, après contemplation des ruines, d’effectuer des relevés puis des restitutions et reconstitutions les plus fidèles possible, du mobilier archéologique et des vestiges de l’Antiquité.

18 Antiochus et Stratonice est le titre donné à une des œuvres phares de l’artiste Jean-Auguste-Dominique Ingres. La version à laquelle nous faisons référence est celle de 1840, aujourd’hui conservée au musée Condé de Chantilly. Les épures, quant à elles, se trouvent au musée Ingres de Montauban.

19 Voir Golvin 2015, p. 5.

20 Voir Von Bonin 2010, p. 10‑11 : « […] the majority had been inspired by ancient art in the Getty’s collection ».

21 Alexander Mihaylovich, Study of Augustus, 2008, graphite, aluminium, format et lieu de conservation non communiqués.

22 Alexander Mihaylovich, Kouros, 1998, huile sur toile, aluminium, 300 x 190 cm, lieu de conservation non communiqué.

23 Achilleas Droungas, Olympic Spirit, 2007, huile sur toile, 115 x 170 cm, collection de l’artiste.

24 Theodore Manolides, Myth and Nature (série Essence and Mystery), 2001, huile sur toile, 41 x 36 cm, collection particulière, Paris.

25 Jeff Koons ne réalise pas ses œuvres. L’ensemble des productions est façonné en atelier par des artistes qui contrairement à lui, restent dans l’ombre.

26 Jeff Koons, Antiquity II, 2009‑2011, huile sur toile, 259,1 x 350,5 cm, collection particulière.

27 Voir Koons et Rosenthal, 2014, p. 177 et 186.

28 Cette définition est tirée du Trésor de la langue française (TLF) [en ligne], http://www.cnrtl.fr/definition/kitsch archive (consulté le 12/5/2014). L’origine du terme « kitsch » remonte aux années 1880 et provient du vocable anglais sketches signifiant « esquisses vite bâclées » (voir Wolf 2012, p. 220). Dans les années 1920, le terme allemand kitschier sert la distinction entre les peintres de l’avant-garde et leurs prédécesseurs académiques. Theodor Wiesengrund-Adorno, dans la Théorie esthétique (écrit inachevé, paru en première édition en 1970) l’envisage même comme « simulation de sentiments inexistants » (voir Adorno 1989, p. 304). L’adjectif kitsch est employé en France pour la première fois en 1971. S’il peut être utilisé de manière péjorative dans le but de dévaloriser le travail « académique » d’un artiste, il peut aussi servir et devenir une véritable marque de fabrication, comme c’est le cas pour les réalisations de Jeff Koons.

29 Les registres employés par les artistes peuvent être multiples (comique, ironique, sérieux, didactique, ludique ou bien encore tragique).

30 Ces deux œuvres sont visibles sur la figure 8. La photographie a été prise dans le forum de Pompéi le 30 août 2016.

31 Voir Cuche 2010, p. 77‑79.

32 Pour rappel, les transpositions parodiques sont des œuvres artistiques dans lesquelles les auteurs imitent en partie ou totalement l’œuvre d’un maître ou d’un artiste renommé, par exercice ou par jeu. Les détournements sont l’action de tourner quelque chose dans une autre direction et donc de changer le sens premier de l’œuvre.

33 Hui Cao, Don’t forget me, 2011‑2012, résine, fibre de verre, acrylique, 69 pièces, format variable, Pifo Gallery, Pékin.

34 Nick Van Woert, Untitled, 2013, plastique, fibre de verre, 95,3 x 73,6 x 213,4 cm, lieu de conservation non communiqué.

35 Nick Van Woert, Untitled, 2012, fibre de verre, résine, dimensions non communiquées, collection particulière.

36 Xu Zhen, Winged Victory of Samothrace, Tianlongshan Grottoes Bodhisttva (série Eternity), 2013, fibre de verre, acier, ciment, 626 x 460 x 230 cm, ShanghArt Gallery, Shanghai.

37 Voir Cuche, op. cit., p. 80.

38 Serge Latouche, économiste et philosophe, est notamment l’auteur de L’Occidentalisation du monde, voir Latouche 1989.

39 Koons et Rosenthal, 2014 op. cit., p. 73.

40 Bousteau 2016, p. 96.

41 Bousteau 2016.

42 Xu Zhen est, par exemple, à l’origine en 2010 de la MadeIn Company puis, en 2014, de la MadeIn Gallery. Ces entreprises lui permettent de réaliser des œuvres et de les mettre en vente dans sa propre galerie. D’autres artistes y sont également représentés.

43 Voir Balle 2016, p. 46.

44 Bentu. Des artistes chinois dans la turbulence des mutations, du 27 janvier au 2 mai 2016. La galerie Perrotin (Paris) a par ailleurs accueilli en ses murs ce même artiste pour une exposition intitulée Civilization Iteration, du 18 mai au 29 juillet 2017.

45 Histoire Auguste, Vie d’Héliogabale, 21, 5 : Oppressit in tricliniis versatilibus parasitos suos violis et floribus, sic ut animam aliqui efflaverint, cum erepere ad summum non possent (texte établi et traduit par R. Turcan, Les Belles Lettres, Paris, 1993).

Table des illustrations

Titre Fig. 1 – Meekyoung Shin, Core (série Translation), 2009. Savon, métal, bois, vernis, pigment, 96 x 35 x 16 cm (collection de l’artiste, avec son aimable autorisation de reproduction).
URL http://books.openedition.org/momeditions/docannexe/image/3335/img-1.jpg
Fichier image/, 57k
Titre Fig. 2 – Exposition temporaire Serial Classic, Fondazione Prada. Vue d’ensemble des restitutions de l’Apollon de Kassel (photographie de l’auteur, mai 2015).
URL http://books.openedition.org/momeditions/docannexe/image/3335/img-2.jpg
Fichier image/, 90k
Titre Fig. 3 – Jean-Claude Golvin, Pompéi, maison des Vettii, 2008. Aquarelle, encre bleue, encre noire, graphite, rehaut pailleté, collage, 50 x 65 cm, musée départemental Arles antique – fonds Golvin, inv. GOL.2011.01.724 (avec l’aimable autorisation de reproduction de l’artiste).
URL http://books.openedition.org/momeditions/docannexe/image/3335/img-3.JPG
Fichier image/, 3,9M
Titre Fig. 4 – Christophe Charbonnel, L'Égide (Méduse), 2012. Bronze, 72 x 72 x 30 cm, galerie Bayart, Compiègne (avec l’aimable autorisation de reproduction de la galerie).
URL http://books.openedition.org/momeditions/docannexe/image/3335/img-4.jpg
Fichier image/, 119k
Titre Fig. 5 : Exposition temporaire Igor Mitoraj a Pompei. Vue générale du forum (photographie de l’auteur, août 2016).
URL http://books.openedition.org/momeditions/docannexe/image/3335/img-5.jpg
Fichier image/, 3,5M

Auteur

Université de Pau et des Pays de l’Adour, EA 3002 – ITEM