Les Carmes
| , , ,II. L’édifice en scène. Représentation et réception
Propos de Christophe Raynaud de Lage
Recueillis par Hanen Omran et Sarah Verdier
Texte intégral
Photographe officiel du Festival d’Avignon depuis 2004, Christophe Raynaud de Lage s’est formé à l’École Nationale Louis-Lumière à Paris. Originaire du Cantal, il s’est initié aux arts de la scène au contact étroit du Festival d’Aurillac qu’il suit depuis 1988. Il y reçoit les enseignements d’un des maîtres de la photographie de théâtre, Claude Bricage (1939‑1992).
En tant que photographe officiel du Festival d’Avignon, quel regard portez-vous sur le patrimoine architectural avignonnais et en particulier sur le cloître des Carmes ?
Depuis toujours l’espace public a été au cœur de mon approche ; j’ai démarré dans l’espace public, donc dans des espaces complètement ouverts. Le cirque est un espace circulaire et le théâtre est généralement plutôt frontal. Malgré tout, j’ai toujours eu un regard sur la prise en compte de l’espace, de la scénographie. J’ai beaucoup travaillé cette approche avec le cirque, en effectuant un travail sur les coulisses ; puis j’ai fini par l’aborder aussi en théâtre, en proposant une vision de l’arrière. À Avignon, depuis le début, j’ai constitué un projet qui, au-delà de photographier les spectacles (ce qui est ma mission), était aussi d’en créer dans l’espace et dans les lieux – notamment ceux du patrimoine qui configurent la spécificité d’Avignon. Le cloître des Carmes est, pour un photographe, un espace quadri-frontal : je bénéficie d’une coursive qui me permet, en toute discrétion, même pendant les représentations, d’en faire tout le tour, ce qui me donne une vision tout à fait particulière. En plus, il s’agit de l’un des lieux les plus emblématiques ; il y a également la Cour d’honneur, la cour du lycée Saint-Joseph, quelques lieux auxquels je suis particulièrement attentif, lieux où je retourne d’ailleurs souvent pour faire des points de vue hauts. Je retourne voir le spectacle pour lui donner un aspect plus général, en tout cas ancré dans la ville ou dans le monument, ce qui permet de le caractériser. Je faisais partie de la précédente direction quand Olivier Py et sa direction sont arrivés ; je leur ai présenté mon projet, puisque je suis aussi attaché à la notion de mémoire. Ils ont voulu le poursuivre. C’est la raison pour laquelle je suis resté.
Comment travaillez-vous les photographies ? Est-ce que vous les retouchez ? Est-ce que vous préférez travailler en couleur ou en noir et blanc ? Ce choix correspond-il à une vision esthétique de votre part ?
Ma mission dure un mois et chaque jour je dois remettre mon travail, au fur et à mesure. Quand le festival est terminé, j’ai tout bouclé. C’est un travail en continu car dès que le spectacle est terminé, je rentre, je traite mes images et je recommence le lendemain et ainsi de suite. Tout est aussi lié à la manière dont fonctionne la communication aujourd’hui, avec les réseaux sociaux : j’ai du temps jusqu’à la générale et le jour de la première, mes photos sont prêtes et disponibles pour la communication.
Depuis que je fais de la photo, j’ai fait énormément de noir et blanc, notamment en théâtre de rue (mon premier livre était en noir et blanc). Puis j’ai connu l’argentique aussi, et à présent le numérique depuis une quinzaine d’années. Pour moi le noir et blanc a toujours été lié à l’argentique : j’avais mon labo, je faisais mes tirages et pour le théâtre de rue, il y avait un vrai sens à faire du noir et blanc. Mais ensuite, vers les années 1990-2000, la demande professionnelle pour le noir et blanc a progressivement décliné. Cela a correspondu à une époque mais j’ai arrêté le noir et blanc, je ne fais plus que des photos en couleur. Le terme « retouche » est un terme particulier ; je ne retouche pas les photos, dans le sens où la retouche est une transformation. En ce qui me concerne, je développe les photos, ce qui est légèrement différent : comme on pouvait faire des retouches au pinceau, j’enlève des bouts de scotch ou les panneaux « issue de secours » (qui sont perturbants parfois, parce que j’aime bien faire des photos sur les côtés), etc. Mais sur l’aspect même du spectacle, j’essaie d’être le plus fidèle possible. Disons que je fais un travail de laboratoire, mais avec mon ordinateur : je débouche des ombres, je rattrape des hautes lumières, mais c’est là un travail de développement et d’interprétation, ce n’est pas une retouche comme lorsqu’on photographie un mannequin et qu’on lui fait une très belle peau ; moi j’essaye de garder les acteurs dans leur intégralité.
Adoptez-vous un point de vue personnel lorsque vous prenez les photos d’un spectacle ? Cherchez-vous à faire transparaître vos sentiments sur ce spectacle au travers de vos photos ?
Oui, j’essaie, c’est certain, et c’est ma quête. Je pense que le métier de photographe est unique, parce que je travaille avec plusieurs compagnies où je suis seul comme photographe mais durant le temps du Festival, même si je suis le photographe officiel, je travaille au milieu des autres photographes de presse. On est une dizaine, une douzaine de photographes, et ce qui me fascine, c’est qu’on a beau être au coude-à-coude, chacun de nous va faire des choses différentes ; pourtant on est au même endroit, au même moment, mais ce qui va caractériser chacun d’entre nous, c’est à la fois le cadre et l’instant, puisqu’à une demi-seconde près, le résultat ne sera pas le même. Chacun va donc avoir sa personnalité, ce qui fait que les images vont être différentes et propres. Et quand quelqu’un reconnaît mes photos avant de voir mon nom, c’est pour moi le meilleur compliment. Mais au-delà de cet aspect, j’essaie malgré tout d’être le plus fidèle possible au spectacle, je suis au service des artistes pour montrer une œuvre et je n’en fais pas « ma chose », c’est-à-dire que je veux que l’on voie à travers moi, comme si j’étais un spectateur privilégié, mais que je ne transforme pas ce regard en un objet artistique. J’essaie d’être le plus fidèle possible, comme j’essaie aussi d’être fidèle aux souvenirs des spectateurs dans le lieu.
La photographie reste quelque chose de sensible et la personne qui est derrière l’appareil est également sensible ; donc forcément, des émotions, on en a, et on essaie de les faire paraître. Je suis touché par certains spectacles et j’espère que mes photos perpétuent ces émotions. Mais ce n’est pas toujours simple. Je ne suis pas sûr d’être un artiste. Je me vois plutôt comme un auteur, un auteur qui a des choses à raconter et qui est aussi le témoin de quelque chose, d’une époque, d’une création. En toute franchise, j’essaie d’avoir l’humilité de penser que les artistes, ce sont ceux que je photographie ; mais j’apporte ma touche, ma vision personnelle. Je ne me sens pas un artiste dans ce que je fais, et ce n’est pas non plus ma mission. Pour vous donner un exemple concret, il y en a qui pourraient travailler le flou et faire que l’œuvre en soi ne soit même plus reconnaissable, un artiste a le droit de faire cela. Ce n’est pas mon cas : quand on voit mes images, on voit le spectacle. Certains photographes qui sont passés par le Festival ont repeint la photo par-dessus, ils en ont fait une œuvre artistique. Je respecte cela, mais dans mon cas, ce n’est ni mon travail ni ma démarche.
Lorsque vous prenez en photo un spectacle, sur quoi vous attardez-vous plus particulièrement ? Les formes ? La lumière ? Les acteurs ? La globalité ?
La photographie est une petite fenêtre, malgré tout, lorsque vous cadrez par rapport à l’espace. Vous êtes concentré sur certaines choses et, parfois, j’aime bien travailler en décalage : le spectacle vous emmène à regarder vers un endroit en particulier ; moi j’aime bien aller regarder à côté. J’ai appris à regarder un peu partout, notamment avec le théâtre de rue, où le comédien peut parfois jouer pour un seul spectateur dans un petit coin, mais en étant investi dans son rôle ; là, chaque petit détail peut être intéressant. Évidemment, la photographie fait que, parfois, ce regard est un peu réducteur, parce qu’on est concentré sur quelque chose et qu’il se passe quelque chose d’autre au même moment. On ne peut pas être tout à fait partout, donc, forcément, il y a un cheminement qui est un choix subjectif, qui est le mien ; il s’égare parfois sur des choses qui peuvent paraître anecdotiques mais, justement, ces détails parlent aussi du spectacle.
Lorsque je travaille avec des metteurs en scène, il arrive parfois que je les surprenne. Ils ont créé une œuvre, mais je parviens quelquefois à leur en faire découvrir des aspects qu’ils n’auraient peut-être pas vus. Quand ils font leur travail à la table, ils construisent quelque chose ensemble et je leur apporte un autre regard, celui d’un spectateur qui serait peut-être complètement à jardin ou à cour, et j’aime bien les surprendre. Ils ne se rendent pas compte de tout le développement que cela a donné, et c’est là mon apport. De temps en temps, certains s’en emparent. Parfois je fais partie de l’équipe artistique de ce point de vue-là, et c’est assez plaisant.
Trouvez-vous que le cloître des Carmes donne du cachet aux photos que vous prenez, ou pas spécialement ?
Je suis quelqu’un qui essaie d’être assez rigoureux dans les cadrages et je m’appuie sur les espaces et l’architecture. Par exemple, dans le cloître, il y a ces arches gothiques, et j’essaie d’en prendre une en entier plutôt que d’être à cheval sur deux alcôves. J’ai parfois un cadre dans le cadre, et, effectivement, le cloître des Carmes me l’impose, d’une certaine manière.
Je le prends en compte parce que le décor est extrêmement présent. Il y a eu quelques spectacles qui ont construit des décors qui masquaient le cloître, mais assez peu, au final. L’espace du cloître est généralement pris en compte. J’essaie de le rendre, car j’aime bien ancrer les choses dans le lieu, j’aime bien qu’on sente les lieux. En plus, le cloître est un lieu religieux au départ, où l’on fait du théâtre contemporain. Il y a quand même des digressions, des oppositions qui sont intéressantes dans ce rapport-là. Par exemple, le spectacle Tragédie, d’Olivier Dubois, qui présentait dix-huit danseurs nus : tous ces corps étaient un peu comme des gargouilles, et les images sont inspirantes. Encore une fois, au cloître des Carmes, c’est ce rapport à différents côtés qui me permet de prendre de belles photos. D’ailleurs, je vous conseille, si un jour vous en avez l’occasion, de monter sur cette coursive ; c’est presque la meilleure place.
Les spectacles d’Angélica Liddell ou de Rodrigo Garcia, qui ont tous les deux joué dans le cloître, ont un rapport particulier à la religion, qui n’est pas forcément blasphématoire même dans un lieu comme le cloître. Il y a une résonance particulière. Mais si on considère que c’est un lieu sacré, il faudrait qu’il n’y ait pas de spectacles du tout… Personnellement, cela ne me gêne pas puisque je ne suis pas dans ce rapport‑là.
Le cloître des Carmes est-il difficile à prendre en photo, vous pose-t-il des difficultés ?
Il implique certaines contraintes, c’est certain, parce que lors d’une représentation avec le public, il faut rester discret. Ce n’est pas comme lors d’un filage ou d’une générale, mais j’y vois plutôt des avantages que des inconvénients. C’est le spectacle en lui-même, avec ses propres caractéristiques, qui peut poser des inconvénients. En l’occurrence, au cloître, ce qui me gêne c’est qu’il n’y a pas vraiment de coulisses alors que dans d’autres lieux je peux prendre des photos en coulisses. Mais ceci est propre au lieu.
Y a-t-il une mise en scène dans le cloître des Carmes qui vous a particulièrement marqué, de manière positive ou négative ?
Il y en a plusieurs. Le premier spectacle que j’ai vu au cloître était Anéantis de Sarah Kane mis en scène par Thomas Ostermeier et c’était aussi la découverte d’un artiste : cela m’avait marqué. Ensuite Rodrigo Garcia : il avait mis le cloître dans un état épouvantable, c’était assez impressionnant. Claire Lasne Darcueil, lorsqu’elle avait monté La Mouette de Tchékhov, avait transformé le lieu en y mettant des portes-fenêtres ; le spectacle avait été un peu décrié à l’époque mais il m’avait marqué, par sa scénographie notamment. J’y ai aussi découvert Angélica Liddell, qui est une grande artiste. Un grand moment pour moi a été la création de Vincent Macaigne Au moins j’aurai laissé un beau cadavre, une adaptation de Hamlet, car je l’ai suivi pendant plusieurs jours : j’ai suivi toute la création, le jour, la nuit… J’y suis retourné plusieurs fois parce qu’il fait monter le public sur le plateau. Le spectacle Tragédie d’Olivier Dubois, avec ses dix-huit danseurs, m’a aussi beaucoup marqué parce que mettre dix-huit danseurs nus dans cet espace, c’était compliqué mais magnifique. Les spectacles de danse, en général, s’associent très bien avec ce lieu, qui est d’une grande pureté. Les mots de Valère Novarina y résonnent d’une autre manière. Angélica Liddell a mis des fleurs dans les arches, ce qui générait une autre vision du lieu. Le cloître est aussi un lieu qui permet de bien photographier le public et pour moi, qui aime bien faire cela, c’est agréable. Enfin, en quinze ans, j’ai cité pas mal de spectacles, cela veut dire qu’il y en a beaucoup qui m’ont marqué dans ce lieu.
Trouvez-vous que le cloître insuffle une certaine âme aux spectacles qui y sont présentés ?
Je pense que c’est un lieu qui influence particulièrement les artistes, dans le sens où ils ne peuvent pas venir jouer là sans avoir pris en compte cet espace tout à fait particulier, au risque de se tromper dans leur proposition. Oui, en général, ils le prennent vraiment en compte, sans pour autant avoir le danger de la Cour d’honneur, qui est aussi un lieu mythique. Le cloître l’est également, mais dans une autre dimension, qui est plus humaine, parce que la jauge est plus réduite. La caractéristique du lieu vient aussi de la présence du clocher, du fait de voir la nuit tomber et la ville disparaître peu à peu. En 2018, lors d’un spectacle, il y a eu un orage… Forcément on était en pression, parce qu’on ne savait pas si les acteurs pourraient jouer jusqu’au bout. Cela a été assez magique, parce qu’il y a eu des éclairs qui, du coup, m’ont éclairé la scène comme un énorme flash.
Il y avait eu aussi un Marguerite Duras, Pluie d’été à Hiroshima, où la disposition scénique était tout à fait particulière, car le public était à moitié rentré dans les alcôves. Et il est vrai que cela fait longtemps qu’il n’y a pas eu de modification de la place du public : le plus souvent le gradin est placé en frontal. Les arches, les alcôves, les gargouilles, toute cette présence architecturale influence forcément. La disposition aussi est importante, puisque le plateau est un rectangle, mais le tout forme un carré et le carré en photographie c’est plutôt intéressant, c’est un beau format. En tout cas, dans la façon dont je photographie on ne voit pas plus le décor premier (le cloître) que le spectacle. Je ne crois pas que l’un prenne le pas sur l’autre. Mais il m’est arrivé de ne photographier que le cloître, juste le lieu. Il m’est arrivé de venir faire des portraits d’artistes dans ce lieu, parce qu’il est assez fascinant, et qu’il y a pire à photographier, honnêtement ! C’est un beau lieu, imprégné d’une vieille histoire, on le sent. Lors de certains spectacles, il arrive que grâce à la lumière, à laquelle je suis très sensible en tant que photographe, notre perception du lieu change, justement parce qu’il est éclairé autrement. Je dépends de la lumière car la façon dont sont éclairés les spectacles donne à chaque fois une vision différente du lieu.
© Éditions Universitaires d’Avignon, 2019