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Leçon

p. 17-42


Texte intégral

1C’est avec une immense émotion que je suis aujourd’hui devant vous, ici en Avignon, ville légendaire du théâtre. À mon grand regret, je n’ai jamais eu le privilège de voir Jean Vilar au travail, ni d’assister à une de ses créations. Mon respect et mon admiration pour tout ce qu’il a fait, pour ce que le théâtre français contemporain fait et pour tout ce que le festival d’Avignon offre ici chaque été, tout cela est profondément ancré dans mon cœur. Me trouver ici, dans le cadre de l’université d’Avignon et des pays du Vaucluse, ajoute encore à mon émotion, car je suis pratiquement né dans une université. Mon père était professeur à l’université de Lund en Suède. Sa spécialité était le folklore scandinave et irlandais. Pendant mon enfance, il m’a raconté toutes les légendes, les contes de fées, les grandes aventures du monde. Et je remercie l’université et tout particulièrement le sociologue de la culture Emmanuel Ethis qui m’ont incité à donner cette leçon de comédien dans ces murs, en ouverture de cette 59e édition du Festival d’Avignon. Je vis depuis plusieurs années en France, et j’ai eu l’honneur de pouvoir prendre la nationalité française. J’en suis très fier, comme je suis fier d’être européen. Malheureusement ce n’est pas pour autant que je maîtrise mieux la langue française. J’espère que vous serez indulgent avec moi. Mais je tenais à faire cette leçon en français.

2Alors... Jouer la comédie, qu’est-ce que c’est ? En fait, pour vous donner une réelle masterclass sur le jeu de comédien, j’aurais besoin d’une scène, de comédiens et d’un texte. Et aussi de quelque temps pour la préparation ! Comme rien de cela n’est disponible aujourd’hui, je vais faire quelque chose d’autre. Je vais essayer de vous donner mon point de vue sur ma profession - l’opinion d’un comédien ou d’un acteur sur sa profession. Ou peut-être devrais-je dire sur sa vocation ? Car être comédien, ce n’est pas vraiment une profession, plutôt une vocation, une manière de vivre, peut-être de survivre. C’est l’ultime fuite de la réalité mais aussi un genre de thérapie mentale, une bouée de sauvetage. C’est un voyage d’exploration, un voyage à la recherche d’une identité - à la recherche de la vie et… de la grande inspiration. Chaque comédien a son idée. Je vais essayer de vous donner la mienne. J’ai bien peur de devoir mettre en garde l’audience féminine car mon point de vue peut leur paraître strictement masculin… et pour cause ! !

3Bien, je suis un comédien. Je suis aussi un acteur. Mon éducation professionnelle a eu lieu principalement au théâtre en Suède. Pour moi, il n’y a pas de grandes différences entre jouer au théâtre et jouer dans un film, seulement quelques détails. Au théâtre, par exemple vous devez vous projeter jusqu’au public du dernier balcon, dans un film vous avez la possibilité d’avoir des gros plans Au théâtre, la communication avec votre public est directe. Vous pouvez « travailler » votre public ; il peut vous stimuler, vous inspirer mais aussi vous déranger. Dans un film vous devez tenir compte des machines - caméra et micro, etc. - et surtout vous n’avez pas de retour immédiat. Et quoique vous fassiez face à la caméra, cela sera monté, peut-être changé, voire même totalement supprimé. Si une prise n’est pas satisfaisante vous pouvez toujours la refaire et essayer d’améliorer votre performance. Au théâtre, vous avez seulement une chance lors de la représentation pour montrer votre interprétation. Vos films peuvent vous survivre. Mais votre travail au théâtre n’existe plus dès que le rideau tombe. C’est une expérience du moment présent, de l’éphémère. Jouer dans un film est certes très excitant, mais moi, je préfère le théâtre.

4La plupart des professions artistiques sont facilement définissables. La peinture, la sculpture, l’art de la musique, de la danse, l’art d’écrire des poèmes, des histoires, des drames, l’art de diriger une pièce de théâtre, de faire un film, etc. Mais l’art du comédien : qu’est-ce que c’est ?... Est-ce que jouer un rôle est vraiment un art ? N’est-ce pas simplement une façon d’interpréter un caractère donné ? Très peu d’acteurs écrivent leurs propres rôles. Être Molière ou Shakespeare n’est pas donné à tout le monde. La plupart d’entre nous interprète ce que d’autres ont écrit. Un comédien sans rôle n’est rien d’autre qu’un instrument de musique silencieux. Comme un violon posé sur une table. Bien sûr… un Stradivarius est très beau, mais là sur la table, il ne chante pas. Le comédien existe en tant que comédien uniquement lorsqu’il joue. Il y a une chose qui fait que le jeu du comédien est différent de toutes les autres formes d’art. C’est, qu’en fait, nous sommes, nous, notre propre instrument. C’est notre propre corps et notre propre voix Et le résultat, le produit fini est ce que nous décidons de faire avec notre corps et notre voix dans le cadre de la pièce. Et le comédien ne peut pas – contrairement au peintre, au compositeur, à l’écrivain - présenter son interprétation comme quelque chose de séparé de lui-même. Le public ne pourra jamais connaître la lisière entre moi et le rôle que j’interprète. Les critiques ne pourront jamais définir si ce que je montre est ma propre création ou si j’ai été très influencé par le metteur en scène. Si le travail du comédien est un art, c’est un art très très personnel. Parce que nous sommes tout le temps intimement impliqué, corps et âme. Il y a un petit problème quand on parle de jouer la comédie. Il n’y a pas de terminologie propre. Il n’y a pas de vocabulaire spécial pour décrire correctement le travail d’un comédien de telle façon que chacun puisse comprendre de quoi il s’agit. Aucun mot pour analyser le résultat final. Et c’est pour cela que les comédiens sont rarement contents de la façon dont les critiques parlent d’eux, que ce soit en négatif ou en positif. Et comme vous êtes vous-même totalement impliqué dans ce que vous faites, c’est toujours très difficile de lire les critiques, particulièrement lorsqu’il s’agit de critique de théâtre. Car envers et contre tout, chaque soir vous devez recommencer à jouer, tout en étant conscient du point de vue de Monsieur X, Y et Z. C’est pour cela que beaucoup de comédiens refusent de lire les critiques tant que la pièce n’est pas terminée. Je suis l’un de ceux-ci. Avec un film, c’est autre chose : le film est toujours fini depuis des mois, voire une année, voire même plus. Alors les critiques…

5Il y a bien sûr différentes méthodes, différentes écoles pour apprendre à jouer la comédie. La plus connue est probablement The Actor’s Studio à New York que je ne connais pas, mais qui a formé de très nombreux comédiens et acteurs intéressants. Il y a eu et il y a de grands professeurs pour les comédiens : Lee Strassberg, Stella Adler, Dario Fo, Ariane Mnouchkine, pour n’en nommer que quelques-uns. Sans oublier celui qui a inspiré tant d’entre nous : le grand Constantin Stanislavski. Quand j’étais jeune, j’ai bien sûr lu son livre sur le travail d’un comédien, et récemment lors de mon premier voyage à Moscou, j’ai visité sa maison et son petit studio. Cette expérience m’a ému aux larmes. Les critiques mettent souvent des étiquettes sur les comédiens. Ils se servent de définitions et emploient par exemple les mots de « comédien intellectuel » et de « comédien émotionnel ». Ils parlent aussi de « comédien à forte personnalité »… Je pense que, pour eux, ces derniers sont des comédiens qui sont juste eux-mêmes, quel que soit le rôle qu’ils interprètent. Ils peuvent être très contrariés si le metteur en scène leur demande de raser leur belle moustache. Ils sont exactement les mêmes dans chaque nouvelle pièce, chaque nouveau film, mais en fait c’est aussi ce que nous attendons d’eux. Nous les aimons comme ça et admirons leur grand charisme. Le comédien émotionnel est celui qui ne croit pas trop au travail préparatoire, mais qui a besoin d’être « dans l’ambiance » pour pouvoir jouer. Pour lui, les émotions sont plus importantes que la technique. S’il doit montrer de l’agressivité sur scène, il peut devenir dangereux.

6Une fois j’ai eu le plaisir de jouer Achille dans la pièce de Shakespeare Troïlus et Cressida avec en face de moi, dans le rôle d’Hector, un comédien merveilleux, mais très émotionnel. Chaque soir, je mourais de peur quand arrivait la grande scène du duel. Cependant, je réussis, je ne sais pas comment, à en sortir indemne. Mais ma pauvre doublure, qui dut me remplacer lorsque je fus malade, n’eut pas la même chance… Il y laissa… son pouce gauche ! ! ! Le comédien émotionnel représente l’idée romantique du comédien. Celui qui connaît la voie secrète de la création, celui qui reçoit une sorte d’inspiration divine quand il en a besoin et qui est capable de maintenir tout cela aussi longtemps que dure la pièce. Je présume que nombre d’entre nous souhaitent maîtriser certains de ces talents secrets. Et à propos du « comédien intellectuel » ? Quand j’ai débuté, j’étais un jeune homme plein de rêves romantiques sur ce que je voulais faire et comment je voulais le faire. J’étais très impressionné par le groupe de comédiens distingués qui à cette époque jouaient à Dramaten à Stockholm, l’équivalent de la Comédie Française. Je passais toujours mon temps libre dans l’obscurité, tout là-haut au troisième balcon, à les regarder répéter et ainsi je pouvais suivre l’évolution de leurs interprétations.

7Il y avait un comédien que j’admirais plus que les autres. Il s’appelait Lars Hanson. Il avait interprété tous les grands rôles du répertoire. Il avait une présence sur la scène absolument extraordinaire qui vous captivait quoiqu’il fasse ou dise... Même quand il ne faisait rien. Les jeunes acteurs qui avaient déjà eu le privilège de travailler avec lui me parlaient de sa façon de se préparer pour un rôle, comment il lisait et recherchait tout ce qui avait trait à l’écrivain, au sujet de la pièce, à ses racines historiques etc. On disait que Monsieur Hanson se contrôlait totalement sur scène, qu’il ne laissait aucune place à l’inspiration du moment et je croyais tout cela mot à mot. Et je décidai de devenir juste comme lui : « un comédien intellectuel ». Dans mes premiers rôles je l’ai probablement imité scandaleusement. Mais je n’étais pas le seul. Lars Hanson a influencé toute une génération de comédiens suédois. J’admire toujours profondément ce que Monsieur Hanson a fait, fin des années quarante et début cinquante. Et je suis très reconnaissant de ce qu’il m’a inspiré. Mais au fil des années, j’ai changé d’avis. Je ne crois pas du tout qu’il était à cent pour cent un comédien intellectuel. Je sais aussi que moi, je ne le suis pas. Et je doute vraiment qu’un bon comédien puisse l’être.

8Bien sûr, nous avons tous l’ambition artistique de suivre une certaine voie. Nous analysons, nous spéculons, nous planifions, nous essayons diverses solutions. Tout à fait rationnellement, tout à fait « intellectuellement ». Mais il est impossible d’étouffer complètement nos émotions personnelles, notre intelligence émotionnelle, impossible de contrôler notre subconscient ou même d’apprécier ce que le rôle que nous jouons aura comme répercussion émotionnelle sur nous. Nous pouvons très bien avoir enfoui au fond de nous de vieux traumatismes, oubliés depuis longtemps, ou même les échos de triomphes anciens, et d’un seul coup, tout cela peut remonter à la surface et affecter notre façon de réagir et de penser. Même si j’ai une idée précise de ce que je veux faire avec mon rôle, je ne peux jamais savoir ce que le rôle et l’histoire dont il fait partie vont éveiller dans mon subconscient. Peut-être vont-ils m’inspirer énormément ou au contraire me déranger profondément. Que je le veuille ou non, cela peut bloquer tous mes moyens d’expression.

9Dans une pièce de théâtre, ou dans un film, nous avons un temps limité pour faire ce que nous sommes censés faire. Nous sommes une partie d’une histoire où le temps a été compressé. Nous ne travaillons pas en temps réel, mais en temps compressé. Notre ambition est de faire que cette partie de temps compressé soit aussi parfaite que possible. Nous voulons créer « le moment parfait ». Parfait… pour être capable d’émouvoir, suggérer, amuser, provoquer, etc. Et pour réussir nous devons être parfaitement préparés mentalement et physiquement et bien savoir ce que nous voulons faire de ce moment. Cela serait un risque beaucoup trop grand de tout laisser à la merci d’une éventuelle inspiration. Si je veux créer le « moment parfait, », bien sûr, je dois naturellement connaître complètement toutes les techniques du théâtre, bien connaître les bases. Tout un tas de trucs plutôt ennuyeux, mais néanmoins très importants. Toutes ces choses que les écoles de théâtre essayent de nous enseigner. Par exemple : la façon de respirer correctement quand vous avez beaucoup de choses à dire. Ne forcez pas sur vos cordes vocales et sur les muscles de votre gorge. Respirer avec votre abdomen, et non avec votre poitrine. Comment articuler, comment parler distinctement de façon à ce que tout le public puisse entendre ce que vous dites. Il se trouve que je suis né au sud : Sud de la Suède, et dans cette région, les gens parlent avec un accent qui, pour le reste des Suédois, est un peu ridicule. Et, pour pouvoir entrer au conservatoire, j’ai dû perdre totalement cet accent, et apprendre, disons, « le suédois royal ». Naturellement, savoir parler un patois, un dialecte, c’est très bien, mais sur scène il est aussi indispensable d’être capable de parler correctement sa langue maternelle.

10Revenons à la technique. Autres exemples : apprendre comment se déplacer sur scène, bouger, dans des pièces historiques pour lesquelles probablement vous portez un costume d’époque. Comment saluer avec un tricorne, comment porter une toge, comment se servir d’une canne, d’une épée, d’un parapluie, d’une boîte de tabac à priser, d’un mouchoir, etc. Je me souviens de quelques détails de mes années d’étude : ne jamais coller vos coudes sur vos hanches, soyez libre de vos gestes - quand vous voulez indiquer quelque chose ayez vos doigts comme ceci et non comme cela, à moins que vous fassiez ceci ou cela. Tout dépend du style et du caractère. Et on nous avait dit, comme conseil de base, de toujours garder, dans une pièce classique, le majeur collé à l’annulaire. Et à propos de gestes, attention : un geste doit toujours précéder les mots. En d’autres termes, respecter l’ordre suivant : idée - geste - mots. Et pas dans un autre sens. Vous tendez votre bras, vous indiquez la porte et vous dites : « foutez le camp ». Et pas dans un autre ordre. Non, cela affaiblirait l’action et même serait un peu ridicule. Nous voyons souvent des hommes politiques à la télévision qui ne connaissent pas cette règle. Quand ils parlent spontanément, sans préparation (si, si, cela est possible !), les gestes viennent à la bonne place. Mais quand l’orateur a son texte écrit sur un prompteur et qu’il s’est exercé avant de le lire face à la caméra, ses éventuels gestes tombent rarement au bon moment. Pensez-y la prochaine fois que vous les regarderez…

11Bien souvent les gens me demandent : « Que dois-je faire pour devenir un bon comédien ? » En fait, le problème est que pour bien jouer, il faut beaucoup s’exercer. C’est vraiment presque impossible de donner en théorie des conseils techniques sur l’art de jouer la comédie. Alors travaillez, travaillez. Si vous n’avez pas d’offres, essayez de trouver des amis dans la même situation que la vôtre, choisissez un texte et travaillez ensemble. Analysez, répétez, discutez, expérimentez. Travaillez tant que possible. Et regardez le monde autour de vous, regardez comment les gens se comportent, et bien sûr, regardez les bons comédiens. Les gens me disent souvent comme ils sont impressionnés par les comédiens qui sont capables d’apprendre des textes sans fin. Ils pensent que pour être un comédien un des talents indispensables est d’avoir une très bonne mémoire. C’est une idée fausse. N’importe qui, avec une intelligence normale et une certaine capacité de concentration, peut apprendre un très long rôle par cœur, sans difficulté. C’est seulement une question de technique. Tout d’abord, vous avez plein de temps, au moins un mois pour vous préparer. Ensuite, il y a de très nombreux facteurs extérieurs qui vont vous aider à vous rappeler les mots. Simplement le fait que ce soit un dialogue, avec questions et réponses, facilite l’apprentissage. Et puis il y a les mouvements que vous faites sur scène et ceux que font vos partenaires. Les textes écrits en vers et les rimes facilitent encore plus l’apprentissage. Les alexandrins de Molière par exemple sont merveilleux. Non, ce n’est pas important pour un comédien d’avoir une mémoire exceptionnelle.

12Mais il y a une qualité qui est indispensable : la patience. Nous devons passer beaucoup de temps à attendre, attendre notre moment pour entrer en scène ou pour être appelé sur le plateau. Attendre, attendre ! Attendre le grand succès… Jouer un rôle est vraiment une affaire de concentration à plusieurs niveaux. Déjà Stanislavski en parlait beaucoup, et il avait raison. La concentration est d’une importance vitale parce que sur scène, vous devez vous focaliser totalement sur votre rôle et oublier tout le reste. Et cela, ce n’est pas facile… Il y aura autour de vous toujours tant de choses pour vous distraire. Tout d’abord, vous devez vous débarrasser de vos propres distractions. Pendant que vous jouez, vous devez totalement vous oublier vous-même. Pour être capable d’avoir les pensées de votre rôle, vous devez oublier tous vos soucis personnels, vos jalousies et vos vanités. Oubliez que vous avez reçu ce matin une lettre d’huissier, arrêtez d’être narcissique. Personne ne se soucie de savoir si votre profil gauche est plus remarquable que le droit. Et oubliez votre ambition d’obtenir un de ces grands prix ! Molière, César, Oscar… Si vous en obtenez un, très bien, mais cela ne doit pas être votre but quand vous jouez. Et essayer aussi d’oublier la jalousie envers votre collègue qui, lui, a obtenu un rôle plus important que le vôtre.

13Vous êtes sur scène pour donner le meilleur de vous, pour être bien intégré dans l’ensemble de la pièce et raconter l’histoire de la façon la plus claire et la plus captivante possible. Et vous avez aussi à surmonter toutes les distractions techniques. Le décor, par exemple, peut être très gênant. Esthétique, certes, mais pas du tout fonctionnel. Ou vous pouvez avoir à porter un costume très inconfortable. Mais en dépit de tout, vous devez garder votre concentration. Pour un film, Au-delà de vos rêves, avec Robin Williams, on m’a fait porter un très long manteau (en vraie fourrure de buffle ! !) si long qu’il traînait sur le sol, il devait peser au moins vingt kilos. J’ai même dû nager avec le manteau. Vous imaginez comment sortir de l’eau ! ! Presque impossible. Je me suis battu pour garder ma concentration, mais finalement j’ai fait un drame. Et la costumière me fabriqua un mini manteau pour les plans moyens et les gros plans. Dans le film de David Lynch, Dune, je devais porter un costume en caoutchouc qui avait été directement moulé sur mon corps et bien sûr sans aucune ventilation. C’était épuisant, pire qu’un sauna suédois… et j’ai perdu six kilos pendant le tournage. Mais concentration… Ou encore, vous devez jouer avec un animal. Dans le dernier James Bond avec Sean Connery, Jamais plus jamais, j’avais un très long monologue pendant lequel je devais caresser un adorable petit chaton blanc angora. J’étais bien préparé, j’ai dit mon texte sans une faute… à la première prise. Mais le chat n’assumait absolument pas son rôle. Pareil à la deuxième prise, la troisième, la quatrième, la cinquième, à la sixième j’ai commencé à me déconcentrer, et c’est devenu de pire en pire… À la vingt-sixième prise, le chat était génial mais moi j’avais perdu toute ma spontanéité. Le directeur ordonna « print ». Au final, la majeure partie de cette scène fut coupée.

14Autre distraction : jouer avec un jeune enfant. Adorable, certes, mais manquant totalement d’intérêt pour la scène et sans aptitude à se concentrer. Après la seconde répétition, il ne cache pas son ennui. Mais vous, vous devez garder votre concentration. Je vous ai parlé déjà du grand Lars Hanson. Je me souviens d’avoir assisté à ses répétitions de la pièce d’August Strindberg, Le Grand Chemin. À la fin de la pièce, il y a une scène où l’Etranger - le rôle de Monsieur Hanson - rencontre sa fille qu’il n’a pas vue depuis plusieurs années et qui ne le reconnaît pas. La petite fille qui avait été choisie pour le rôle faisait tout de travers et Monsieur Hanson et le metteur en scène se mettaient de plus en plus en colère. Finalement Hanson suggéra d’oublier complètement la petite fille et proposa de jouer la scène tout seul. Ce qu’il fit avec une grande simplicité. La scène devint très émouvante. Aujourd’hui encore je me souviens des mots qu’il prononça et de sa façon de les dire.

15Il y a des comédiens qui croient à une identification totale sur scène. Pas moi. Dans mon esprit, une totale identification signifie perte de contrôle artistique - et en plus probablement aussi perte de bon sens. Tout simplement, je ne pense pas que l’identification totale sur scène soit possible. D’autre part, le plein contrôle sur scène n’est pas non plus possible. Mais néanmoins, je suis là pour obtenir cet effet. En d’autres mots, il faut trouver un équilibre concret entre les deux, une interaction maniable entre volonté et instinct. Je ne suis pas le rôle, je joue le rôle. Mais bien sûr c’est merveilleux si le public m’oublie et ne voit que mon rôle. Après tout, c’est mon but, cela je ne peux pas le nier. On m’a très souvent demandé si c’était difficile de « sortir » de mon rôle quand ma performance est finie. Ou si ma femme est fatiguée de vivre avec un tueur professionnel, un exorciste, le diable ou Jésus… Chose étonnante, les journalistes me posent souvent ce genre de questions. Ce qui dénote leur ignorance sur le travail de comédien. Voici ma réponse : sur scène, j’interprète mon personnage, je joue mon rôle et, quand le rideau tombe, j’arrête de jouer. D’accord si vous voulez, je « sors » de mon personnage. Je suis totalement moi. Je peux rester un peu préoccupé par le personnage, mais je suis moi. C’est une illusion courante de penser que les comédiens deviennent réellement les personnages qu’ils interprètent. Les attachés de presse des compagnies de films encouragent cette idée fausse. Et la presse suit tout cela avec un grand enthousiasme. Et il y a bien sûr des comédiens qui aiment prétendre qu’ils sont aussi leur personnage hors scène.

16Je vais vous confier quelque chose : quand j’étais jeune, et que je travaillais au théâtre en Suède, voici ce que pouvait être ma journée de travail : de neuf heures à dix heures et demie, répétition ou enregistrement d’une pièce pour la radio, où j’interprète Jederman ; de onze heures à seize heures, répétition de la pièce qui sera jouée au théâtre dans un mois, où, là, je suis le général Saint Pé ; de seize heures trente à dix-huit heures, je suis le capitaine Grant pour un spectacle enfantin. Et finalement, à vingt heures, je suis Alceste. Vous comprenez, j’espère, qu’il est indispensable pour moi, de vraiment « sortir » de mes personnages les uns après les autres. Et de retour à la maison, je suis bien trop fatigué pour être autre que moi-même. Répéter une pièce où vous avez un rôle important est un engagement presque total. C’est un peu comme si on vous avait donné une énigme à résoudre et que vous n’aurez pas de paix tant que vous n’aurez pas trouvé la réponse adéquate.

17Je ne peux pas vous dire que j’ai une méthode précise dont je me sers pour chaque pièce. Je pense que mon choix se détermine d’après le rôle que je suis amené à jouer et le style de la pièce Mais il y a tout de même quelques règles de base que je suis à chaque fois. Par exemple : toujours commencer sur la voie qui mène vers une identification maximale, en appelant le rôle « Je » au lieu de « Il », même si je ne serai jamais complètement le personnage. Il vaut mieux garder le sens subjectif dès le tout début. Je lis et relis la pièce encore et encore. Mon but est de connaître non pas seulement mon rôle, mais toute la pièce comme si je l’avais écrite moi-même. Et bien sûr, connaître mes répliques par cœur est sous-entendu. Et le plus tôt sera le mieux. Je n’ai pas à aimer le caractère de mon rôle mais je dois le comprendre, comprendre ce qu’il veut faire de sa vie et pourquoi il a choisi ce chemin pour arriver à son but. Je dois comprendre ses sentiments vis-à-vis de son entourage, et pourquoi il réagit de la façon dont il le fait. Mon imagination et mon empathie pour lui vont m’aider à avancer. Je dois essayer de me rendre réceptif et sentimentalement disponible, libre de tout préjudice et très tolérant. Naturellement je dois imaginer les racines psychologiques de mon rôle. Que lui est-il arrivé avant que notre histoire commence ? par quoi a-t-il été influencé ? quels sont ses rêves ? Je peux me baser sur la pièce et sur ma connaissance personnelle de la vie. Et pendant cette recherche psychologique, je peux trouver quelque chose de ma propre vie, quelque chose que j’ai en commun avec le rôle, un trait de caractère peut-être ; ou quelque chose qui arrive dans la pièce, que j’ai vécu moi-même ou que quelqu’un proche de moi a vécu. Ces marques de reconnaissance personnelle peuvent être des points de départ intéressants. Ils me rassurent : le rôle et moi sommes un peu « parents ». Alors, est-ce que je me sers de ces différents points ? J’essaye de m’en servir de marchepied. Grâce à eux, j’essaye de comprendre le reste de la personnalité de mon rôle. C’est un peu comme si je tissais des liens de compréhension de plus en plus solides. Je parle de la préparation, bien sûr.

18Pendant le spectacle, je dois être libre de mon propre ego, et de mes souvenirs personnels. Parce qu’à ce stade final, je ne dois avoir aucune autre pensée que celle de mon rôle. Je dois décider – et cela est très important – ce que veut mon personnage à chaque apparition. Oublier ce qu’il peut ressentir, oublier ses émotions. Concentrez-vous juste sur ce qu’il veut. « Je veux » doit être mon mantra de base. Quand tous les comédiens, qui sont ensemble dans une scène savent ce à quoi ils veulent parvenir, quand toutes ces volontés individuelles se heurtent, c’est à ce moment précis que naissent les émotions et qu’elles se développent. Et c’est à ce stade que le vrai drame est créé. Mais qu’en est-il de la manière de camper un personnage ? Soyez simple. Essayez de ne pas faire plus que ce qui est nécessaire. La simplicité est une vertu. Exemple : le dialogue ou la situation montre que je suis malade, que j’ai la tuberculose, ou que je suis ivre mort. Je n’ai pas à le montrer pendant toute la scène. N’oubliez pas qu’un homme ivre fait souvent tout ce qu’il peut pour apparaître sobre. Et une règle d’or : n’imitez jamais ce que vous avez fait hier soir. Souvenez-vous juste de ce que votre personnage veut à tel moment précis et foncez. Même si vous avez l’intention de suivre une méthode dans votre travail, vous devez rester flexible face aux autres comédiens. Votre façon de réagir à ce qui arrive sur scène dépend aussi beaucoup de comment vos collègues interprètent leurs rôles. Un accès de colère très violent de la part de votre partenaire appelle une réaction plus forte de votre côté. Et vice et versa. Et aussi – ce que le metteur en scène attend de vous.

19Il y a des metteurs en scène qui d’avance ont tout planifié dans le moindre détail. Il y en a d’autres qui vous laissent du temps et qui vous donnent beaucoup de liberté, et qui ne disent rien tant qu’ils n’ont pas vu ce que leur donnent les comédiens et comment ils établissent les rapports entre eux. Il y a quelques années, j’ai eu un rôle dans un film écrit et dirigé par Woody Allen, Hannah et ses sœurs. J’ai été très étonné de voir la façon dont il travaillait. Chaque scène était arrangée avec les doublures lumière, pas avec les acteurs. Ceux-ci n’étaient appelés sur le plateau que lorsque l’équipe caméra et celle du son étaient parfaitement prêtes. À ce moment, les doublures lumière montraient aux acteurs leurs mouvements sur le plateau en fonction des mouvements de la caméra. C’était alors aux acteurs d’essayer de cadrer avec le modèle proposé. Monsieur Allen ne nous demandait jamais notre point de vue. Nous devions simplement nous adapter. J’ai eu des difficultés les premiers jours. Mais j’ai bientôt réalisé que j’avais quand même beaucoup de liberté dans les limites imposées.

20En réfléchissant à ma longue carrière, j’ai essayé de trouver où et quand j’ai fait mes propres découvertes et appris quelque chose sur ce qu’est jouer la comédie. C’est très clair pour moi, j’ai acquis les bases quand j’ai quitté le Conservatoire. Mais je n’ai pour ainsi dire pas de mémoire de conseils spéciaux de la part de mes professeurs. Ce fut en travaillant sur le tas, et en jouant les différentes scènes classiques que j’ai eu un aperçu de ce qu’il fallait faire ou pas. Mais aussi, je me suis beaucoup enrichi en regardant le travail des grands comédiens. Et naturellement chaque rôle vous enseigne quelque chose. Chaque nouveau personnage vous apporte un plus. Dans le métier de comédien, le plus merveilleux est le fait que vous ne saurez jamais tout, que vous ne maîtriserez jamais tout, jamais. Chaque nouveau rôle est un nouveau challenge, un nouveau commencement. Cela vous garde curieux et jeune. J’ai eu le plaisir de travailler avec de très grands metteurs en scène de théâtre et de cinéma pendant des années, mais en fait, il y en a très peu qui restent gravés dans ma mémoire comme m’ayant donné des nouveaux conseils. Même si je suis sûr que nombre d’entre eux l’ont fait.

21J’ai eu le bonheur de travailler à plusieurs reprises avec le maître suédois, Ingmar Bergman, tant pour le théâtre que pour le cinéma. Il n’est pas musicien, mais il a acquis une solide éducation musicale et il a le sens et un amour profond de la musique. Sa manière d’orchestrer une pièce de théâtre ou un film ressemble beaucoup pour moi au travail d’un chef d’orchestre. Il est toujours très bien préparé. C’est avec une grande minutie qu’il arrange les scènes. Il donne rarement aux comédiens une analyse de leur personnage ou des ordres concernant leur interprétation. Mais son « blocking », comme disent les Anglais (c’est-à-dire ses instructions concernant les mouvements sur scène : du point A au point B, quand s’asseoir, quand avancer vers son partenaire, quand l’embrasser, quand lui donner une gifle, quand sortir, quand mourir, etc.), ces instructions sont toujours très précises et éloquentes. Cela donne immédiatement aux comédiens un rythme psychologique qui dévoile l’essence de la scène. Il est toujours en avance sur ses comédiens, mais ouvert à toute bonne suggestion. Il peut être très dominateur, très possessif, très manipulateur. Mais toujours insupportablement génial.

22Il a une incroyable aptitude à stimuler ses comédiens et ses techniciens, à partager son enthousiasme pour la pièce ou le film. Sa ponctualité est légendaire. Et son absolue discipline de travail incroyable. Le moindre petit bruit est absolument interdit pendant les répétitions, mais pendant les pauses, pour le thé, moment sacré, le rire est de mise. Son sens de l’humour est des plus agréables. Monsieur Bergman est sans aucun doute la personne qui m’a le plus influencé, que ce soit pour le cinéma ou le théâtre. Et je suis très heureux d’avoir aujourd’hui la possibilité de vous dire que mon admiration pour lui et ma gratitude à son égard sont sans limites.

23Alors, un bon comédien, qu’est-ce que c’est ? Qu’est-ce qu’un bon comédien ? Il est difficile de répondre à cette question. J’ai vu des acteurs très doués et très cultivés interpréter techniquement à la perfection un rôle mais qui en fait étaient ennuyeux. J’ai aussi vu de jeunes débutants sans aucune base et faisant plein de choses de travers mais profondément intéressantes. Bien sûr, l’apparence d’un comédien n’est pas totalement sans importance. Il n’a pas à être de façon frappante beau mais il devra au moins être assez intéressant pour que le spectateur puisse s’identifier avec lui. Mais ce que je pense vraiment être le plus important est l’énergie, la vitalité. Un comédien qui ne respire pas l’énergie devient facilement ennuyeux. Même s’il ne se sert pas de cette énergie tout le temps, il devra montrer que derrière cette façade de contrôle, il y a une réserve d’énergie qui a tout moment peut être libérée. Un bon comédien doit être capable de captiver son public à chaque instant. La tâche d’un comédien est de divertir, de faire rire ou pleurer les gens, de les faire s’évader de leurs soucis pour un moment, de leur donner quelques heures de suspense. Mais aussi peut être parfois de les faire réfléchir sur eux-mêmes, donner à leurs idées, à leur vie, à leurs relations un nouvel éclairage. Jouer la comédie est vraiment une « activité » profondément intéressante.

24Face à face avec mon public, quand la communication est parfaite, quand il y a une réelle osmose, cela crée des moments magiques, jouissifs. Parfois, j’ai l’impression d’être en apesanteur, comme si ensemble nous nous élevions dans les airs sur les ailes de l’imagination et d’une compréhension réciproque. Quel grand privilège de pouvoir travailler avec les énigmes et les caprices du genre humain, d’avoir pour compagnons personnels les grands personnages de la littérature et de l’histoire du monde, d’avoir un théâtre ou un studio de cinéma comme cour de récréation ou comme chaire, et l’imagination comme outil le plus important ! Mais je me demande encore : jouer la comédie, est-ce un art ? Je ne sais toujours pas… Bien… peut-être… quelquefois… C’est à vous, public, de décider. Merci.

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