Du cinéma à l’art rupestre
p. 435-440
Note de l’éditeur
Entretien avec Martin Marquet, réalisé par Jean-Michel Geneste
Texte intégral
J.-M. G. : Martin Marquet, vous êtes un producteur de cinéma et vous vous êtes installé depuis longtemps dans une ville souvent considérée comme un symbole du cinéma : Los Angeles. Pouvez-vous nous présenter le parcours qui fut le vôtre pour devenir un producteur de cinéma indépendant ?
M. M. : Mon identité professionnelle s’est formée dans un bain culturel familial qui m’a fait bénéficier d’un héritage puisant à la fois dans le monde du cinéma et dans celui de l’archéologie. J’ai commencé à m’intéresser vers l’âge de dix-huit ans au métier de producteur en participant à la restauration des films de Jacques Tati dont mon grand-père Henri Marquet avait été le scénariste. Ce travail réalisé dans un cadre professionnel familial m’a fait découvrir et comprendre à quel point le cinéma est un langage de culture et d’art, celui-ci étant peu à peu devenu le mien. En pratiquant pendant quinze ans le métier d’attaché de presse de cinéma, j’ai d’abord appris le goût des mots pour défendre des films déjà anciens mais encore chargés d’émotion, ceux de Tati en l’occurrence, et d’autres encore. Par la suite, et à la demande de certains réalisateurs, j’en suis venu à utiliser mes compétences pour défendre et financer des projets de films contemporains, me retrouvant alors dans la position de producteur.
J.-M. G. : En quoi consistent les activités de production de cinéma ? Pourriez-vous dans le même temps nous parler de films qui ont joué un rôle dans la genèse de votre intérêt pour la création cinématographique ?
M. M. : Le premier film qui m’a le plus et le plus tôt ému est Cinema Paradisio, un film de Giuseppe Tornatore réalisé en 1988. Il met en scène une histoire qui tisse un lien entre deux générations et qui se déroule dans l’espace de partage culturel du cinéma. À travers ce film, j’ai pour la première fois ressenti la puissance du cinéma en tant qu’espace dédié où s’opère et se renouvelle au cours du temps la transmission d’histoires humaines chargées d’émotion. Je citerai une autre référence importante pour moi, qui date de moins de six ans maintenant, c’est la projection à Cannes d’un documentaire : Cinema Travellers. Fait par un couple de réalisateurs indiens, Shirley Abraham et Amit Madheshiya, il suit le périple d’un cinéma ambulant en Inde qui cherche à préserver la forme communautaire et cérémonielle du cinéma.
Ces deux films, l’un une fiction, l’autre un documentaire, ont des liens très forts avec mes conceptions du métier de producteur. Ce que j’aime faire le plus, au-delà de défendre une création originale, c’est trouver les moyens de partager des œuvres cinématographiquement immersives qui passionnent les publics et les réunissent.
J.-M. G. : Vous êtes à l’évidence passionné par l’art rupestre, dont vous avez visité bien des sites en cours d’étude, dans le Sud-Ouest de la France bien entendu, mais aussi en Espagne cantabrique, au Portugal, en Australie, en Californie, au Mexique… Qu’est-ce qui vous attire dans les cultures du passé lointain et dans les grottes ornées paléolithiques en particulier ?
M. M. : Ainsi que je l’ai dit, le cinéma est un héritage, et vers l’âge de quinze ans, je découvre aussi avec émerveillement le monde des grottes ornées. Je prends alors conscience, grâce à l’archéologie, de plusieurs points qui vont fixer mon regard et orienter ma trajectoire artistique. J’ai alors appris, en visitant beaucoup de sites d’art rupestre et souvent en compagnie de populations locales qui sont les très lointains descendants des auteurs, que la tendance ancestrale à restituer à l’aide de techniques graphiques et plastiques infiniment variées des événements pour les partager sous des formes animées, linéaires et séquencées, est bien plus ancienne que le cinéma. C’est un enchantement d’avoir été confronté dès l’adolescence à ces multiples univers cognitifs et émotionnels.
J.-M. G. : Comment s’est développée l’approche très spécifique et si loin de la forme habituelle du documentaire que l’on peut voir dans Le dernier passage, le film expérimental sur la grotte Chauvet que vous avez produit en 2015 ?
M. M. : La tendance universelle de l’art rupestre à inscrire de façon durable des traces visuelles et narratives de récits fondamentaux est une dimension de la recherche archéologique qui m’a toujours beaucoup ému et qui inspire ma vie de producteur.
Face à la forte composante spirituelle qui imprègne ces sites anciens issus de cultures disparues, il convient de réfléchir à la façon de recréer des environnements virtuels permettant d’acquérir une expérience totale de la visite de ces lieux. Pour en transmettre le plus efficacement la nature profonde, les moyens artistiques contemporains peuvent être mis à profit pour guider la compréhension du spectateur vers une perception globale des sites.
J.-M. G. : À partir de l’expérience du film Le dernier passage, qui est consacré rappelons-le à une visite en 3D et en temps réel de la grotte paléolithique Chauvet-Pont d’Arc, pouvez-vous nous donner plus d’informations sur la singularité de ce film dans le paysage actuel du film documentaire ?
M. M. : Afin d’établir une relation entre un spectateur et une expérience universelle scientifiquement documentée, le réalisateur Pascal Magontier a eu recours à la voix d’une comédienne qui s’écoute comme un chuchotement intime et acquiert peu à peu la voix mentale du spectateur. J’ai beaucoup apprécié cette idée qui fonctionne à merveille ; elle transforme respectueusement la connaissance archéologique en une matière narrative et émotionnelle tout en préservant l’effet de la découverte de chaque visiteur virtuel de la grotte.
J.-M. G. : Comment concevez-vous la médiation scientifique au regard des possibilités offertes aujourd’hui par la technologie ?
M. M. : Il convient de noter qu’en archéologie le documentaire cinématographique est resté pendant longtemps un genre très didactique, comme s’il voulait se substituer à la recherche alors qu’il devrait la servir, la transfigurer le cas échéant et la transmettre avec légèreté sans oublier la part de sensibilité et d’imaginaire qui participent de toute découverte.
Le dernier passage est à ce titre une expérience en situation d’immersion dans une monumentale grotte ornée et non un documentaire. Il est compréhensible qu’un tel film peine à trouver sa place dans le monde actuel du film, bien que plusieurs grands musées d’art l’aient programmé avec profit. Dans le même temps, il est souvent souligné qu’il s’agit d’une œuvre à part entière qui est porteuse d’avenir par sa technique et son statut d’expérience artistique. J’espère qu’elle inspirera d’autres créateurs et que pourra naître un courant original de films qui adoptent une posture de médiation entre la science et la sensibilité poétique. Le dernier passage restera pour moi, comme tous les films que j’ai produits, un enfant qui porte des espérances, développe sa propre histoire et dont l’avenir réserve encore des surprises. Comme toute œuvre d’art, un film n’est jamais fini et il revit chaque fois qu’on le regarde.
J.-M. G. : Que peut-on actuellement penser de la place des nouvelles technologies telles que la réalité virtuelle (VR) dans la médiation entre la recherche et le public ?
M. M. : Il convient d’abord de saluer à quel point les technologies numériques de visualisation autorisent aujourd’hui la restitution de structures naturelles et artificielles permettant d’immerger les spectateurs dans des environnements inaccessibles jusqu’alors. Ceci dit, les technologies doivent rester au service de la narration et j’irai même jusqu’à dire, au service d’une pensée vivante. Bien que la plupart du temps son origine soit très lointaine dans le temps et l’espace, l’expérience que l’on ressent face à l’art rupestre déclenche toujours une puissante émotion que je souhaite faire partager au public. On observe cependant que les technologies contemporaines, numériques notamment, s’insinuent dans les structures de la société, allant jusqu’à modifier les interactions intimes entre individus. Il se pourrait qu’à terme la domination de la technologie sur nos manières de partager et d’interagir devienne préoccupante, tant son action s’avère individualisante et séparatrice. On ressent aujourd’hui un besoin de technologies moins frelatées et mieux adaptées à la transmission des valeurs culturelles, communes et intimes, ce qui est loin d’être toujours le cas. Ainsi dans mes productions je défends des projets créatifs centrés sur les relations humaines contemporaines les plus sensibles et je propose, en reprenant l’expression de Bernard Stiegler, de « ré-enchanter le monde » par un renouveau culturel et émotionnel qui intégrerait toutes les technologies actuellement développées, des plus anciennes aux plus récentes.
J.-M. G. : Que pensez-vous du rôle joué par les grandes plateformes de streaming dans la diffusion actuelle des différentes ressources cinématographiques ?
M. M. : La création en cinéma a débuté il y a plus d’un siècle. Elle est vite devenue tributaire et synonyme des salles de projection, les « cinémas », autrement dit des espaces culturels dédiés à ce média. Ce n’est que très récemment, à la suite de la télévision, puis surtout de l’avènement des ordinateurs portables, que la projection de films est entrée dans les lieux de vie privés, les espaces publics, les bars et les chambres d’hôtel. Enfin, avec l’usage permanent du smartphone, les films sont sortis de cet espace dédié au cinéma au point qu’à la suite de la récente pandémie les salles sont bien moins fréquentées et les spectateurs sont incités de façon commerciale permanente à visionner des films devant un écran individuel.
Les grandes plateformes de diffusion telles que Netflix, Amazon, etc., s’intéressent en ce moment à atteindre en priorité une forme de monopole basée sur la plus grande diffusion possible, leur rapport au cinéma est exclusivement quantitatif et non qualitatif. Leur modèle financier est directement lié à l’évolution du monde numérique et aux promesses de revenus économiques gigantesques qui lui sont associées. Un tel modèle est totalement déconnecté du soutien à la création cinématographique et du respect de la propriété intellectuelle qui est au cœur de la culture cinématographique depuis son origine car elle est vitale pour la survie de l’artiste et de son œuvre.
J.-M. G. : Est-ce un outil profitable à la création cinématographique ou au contraire un frein ?
M. M. : La responsabilité du numérique est donc aujourd’hui centrale dans ce domaine et nous sommes loin de pouvoir sortir de cette crise spécifique que la récente pandémie accentue. Les structures de production mais surtout de diffusion sont fragilisées. Face à un tel phénomène pour l’heure exclusivement fondé sur des objectifs commerciaux, il devient vital de trouver un nouvel équilibre capable de maintenir l’existence de ressources financières permettant d’alimenter une création cinématographique libre et indépendante. Pour rétablir une relation de confiance avec le public et maintenir par ailleurs un flux de recettes, il conviendrait que les plateformes de streaming travaillent sur des objectifs de soutien à la création avec les exploitants de salles et les distributeurs.
J.-M. G. : Quelles attentes ou perspectives formulez-vous pour l’avenir de ce type de production sur l’art rupestre en lien étroit avec les technologies immersives qui ont été évoquées ?
M. M. : Le film Le dernier passage, qui concerne un art rupestre paléolithique datant de 36 000 ans, est le résultat d’un choix, c’est du cinéma d’auteur et non un film de VR. Pour comprendre ce choix il convient de réaliser qu’en 2022 seulement 15 millions de casques de VR sont vendus alors que nous sommes 8 milliards d’humains. Il s’agit là d’une dramatique fracture sociétale dans l’accès à une technologie de pointe pour le partage du savoir, du spectacle et de l’art.
La priorité est à mes yeux de maintenir un accès équitable au monde des connaissances. Ensuite il s’agit de ne pas oublier cette singulière dimension de l’art rupestre de toutes les époques qui repose sur ou implique une relation visuelle au monde. L’art rupestre apparaît alors comme un médiateur privilégié de la recherche archéologique, il en facilite la communication et l’intègre à une vision globale, humaniste peut-on dire. Je garde l’espoir de réussir dans un proche avenir à produire d’autres films autour de l’art rupestre ancien ou des inspirations que ce phénomène peut générer dans le monde contemporain.
Pour conclure je veux dire que mes activités professionnelles et ma vie s’organisent autour de deux pôles indissociables : l’art rupestre et le cinéma, « cette arme d’émotion massive » selon les mots de Vincent Lindon, président du jury du dernier festival de Cannes. En période de stress, la visite de sites d’art rupestre ou le visionnage d’un film ravive mes convictions et souvent je pense à une main négative rouge de la grotte Chauvet (fig.1). Superposée à une silhouette de mammouth noir, elle invite au contact et à l’échange, symbole toujours actif d’une relation structurelle ancestrale entre les humains et le monde.
Fig. 1 – Grotte Chauvet.

Main négative et mammouth. Environ -36 000 ans.
© Photo Jean-Michel Geneste – ministère de la Culture.
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