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L’art et la mort

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Pascale Dubus

Avant-propos

Texte intégral

1À la Renaissance, la mort est fréquemment évoquée dans la littérature artistique italienne, en particulier dans les traités théoriques consacrés à la peinture. D’emblée, il faut souligner que les théoriciens examinent cette figure sous les espèces d’un corps à l’agonie ou d’un cadavre. Le trépas de l’homme ne semble pas pour autant imité sur le motif. Rares sont les textes qui font référence aux réalités macabres de l’époque : les affrontements guerriers ou les grandes pestes jalonnant les xve et xvie siècles sont refoulés par la théorie de l’art. Au reste, la nouvelle science anatomique n’est pas directement convoquée, et le discours eschatologique est écarté même si la peinture religieuse fournit quantité d’exemples aux théoriciens. Le silence des auteurs sur la mortalité contemporaine laisse supposer que s’il existe un savoir sur la mort, les arts visuels pourraient bien le détenir. À la lecture des textes recueillis, les œuvres s’apparentent à des méditations sur la mort – sur les passions que le trépas inspire au vivant, sur les propriétés des corps moribonds et des corps trépassés. Ainsi, à l’instar de Domenico Ghirlandaio, le peintre capable de mimer le trépas fait-il figure de philosophe. Méditation et représentation se superposent pour conférer à la peinture une dimension spéculative propre à entraîner le spectateur dans une réflexion sur l’art face à la finitude humaine.

2Ces remarques préliminaires démontrent l’exceptionnel intérêt que présente l’exploration de la littérature artistique – ouvrages théoriques, biographies d’artistes, écrits préceptifs, correspondances. En l’absence d’un traité sur la mort en peinture, des textes où émergeait cette question sous la forme de réflexions théoriques, de préceptes de figuration ou de descriptions ont été réunis. Sont alors apparus enjeux théoriques, modèles figuratifs et œuvres exemplaires. Deux problématiques majeures dominent cette constellation textuelle. Il appartient à l’historiographe Giorgio Vasari d’avoir noué des correspondances inédites entre l’art et la mort, notamment dans le récit qu’il consacre à la vie du peintre Francesco Francia. La mort y prend une dimension exceptionnelle puisqu’elle a partie liée avec le processus artistique, et transforme l’œuvre en tombeau de l’artiste. La fable de Vasari s’inscrit dans un courant de pensée au sein duquel art et mort sont considérés comme des forces antagonistes dont le combat connaît diverses issues, depuis la neutralisation du trépas jusqu’à la mort de l’art.

3Un second enjeu, capital pour l’histoire de la mimèsis à l’époque moderne, hante les textes théoriques : la figure de la mort est exemplaire d’un art difficultueux, voire impossible. Parmi les difficultés signalées, la caractérisation du corps mort ou l’expression du deuil constituent de sérieux obstacles pour le peintre. Comment différencier une figure inanimée d’un cadavre ? Comment traduire la douleur aiguë ? Le défi va croissant avec l’imitation de l’instant suprême. Montrer le moment exact de la mort relève d’un art impraticable puisqu’il conjugue instantanéité et acoustique. On ne sera donc pas surpris que les moyens destinés à restituer le dernier soupir procèdent davantage du « prodige » que de la mimèsis. La figuration du passage de vie à trépas soulève une question théorique de toute première importance : celle du statut de l’imitation indirecte dans la théorie de l’art aux xve et xvie siècles.

4Lorsque les théoriciens soumettent des modèles figuratifs, ils délaissent les formes allégoriques et symboliques au profit de la représentation narrative ou storia. La Mort perd son « corps » pour accéder à l’histoire par le truchement de la figure humaine. Cette observation recoupe partiellement les données de la production artistique : le registre symbolique est inhabituel dans les tableaux et les fresques figurant le trépas, surtout au Cinquecento. Deux figures prédominent : le moribond et le mort. En amont, les Portraits des mourants du peintre grec Apelle et les cadavres mentionnés par Aristote dans la Poétique constituent l’archéologie de ce diptyque. Forts de ces prestigieux exemples, les théoriciens convoquent mourants et trépassés pour évaluer le pouvoir de l’imitation, puis pour définir les fins de la peinture. Le rôle majeur joué par ce couple figuratif au sein des débats théoriques est également manifeste dans le domaine pratique : entre xive et xvie siècles, artistes et trattatistes méditent sur les moyens de montrer l’homme à l’agonie, et multiplient les textes préceptifs sur la figuration de l’homme mort.

5On ne sera donc pas étonné que les trattatistes accordent une place éminente aux peintures exhibant le trépas de l’homme. Puisant leurs exemples dans la production artistique contemporaine, ils convoquent tableaux et fresques pour étayer leur propos, et célèbrent les ouvrages les plus significatifs. Le rassemblement des œuvres exemplaires réserve toutefois quelques surprises. Certains tableaux de facture médiocre pourront déconcerter le spectateur habitué aux chefs-d’œuvre de la Renaissance. D’autres, essentiels pour l’histoire de la représentation de la mort, ne sont pas mentionnés. Ces choix, issus du goût et des partis pris théoriques des théoriciens, s’inscrivent dans une histoire du regard à la Renaissance dont on espère jeter les bases ultérieurement. Demeurent les œuvres disparues, somme toute assez nombreuses. Elles témoignent que la peinture, fût-elle destinée à combattre la mort, ne résiste pas au passage du temps.

6Aux côtés des tableaux et des fresques distingués par les théoriciens, une lecture exhaustive des Vite a permis de détecter l’ensemble des représentations de la mort inventoriées par Giorgio Vasari. Or, quelques œuvres éphémères ne laissent pas de surprendre : ces décorations, réalisées à l’occasion de carnavals et de fêtes privées, empruntent au registre symbolique. Exilés de la peinture au Cinquecento, allégories et symboles resurgissent dans un art périphérique dont l’analyse entraîne un réexamen de l’iconographie macabre. L’enquête débouche sur un constat inattendu : peinture et « arts mineurs » véhiculent des imaginaires de la mort radicalement différents. L’étude des décors macabres nous invite à évaluer les tensions entre mode narratif et mode symbolique dans la seconde moitié du xvie siècle.

© CNRS Éditions, 2006

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