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Enfanter dans la France d’Ancien Régime

 | 
Laetitia Dion
, 
Adeline Gargam
, 
Nathalie Grande
, 
et al.

Partie IV. Représentations littéraires et iconographiques du XVIe au XVIIIe siècle

La représentation de la femme enceinte et de la parturiente : quand les domaines artistiques et médicaux modèlent le corps féminin

Marion d’Amato

Texte intégral

1Les représentations des femmes enceintes et des parturientes diffèrent selon le domaine auquel elles se rattachent : artistique ou médical. Si dans le premier‚ qu’il s’agisse de peintures ou de sculptures‚ le corps de la femme est exacerbé dans son aura sacrée de l’enfantement‚ il est a contrario dénié des mêmes pouvoirs dans le second. Les lithographies‚ les gravures et les mannequins anatomiques obéissent à une mise en image et en volume particulière‚ pour laquelle l’artiste donne à voir le discours thérapeutique. Nous assistons alors à un étrange dialogue‚ dans lequel le corps mis en scène est malgré tout empreint des codes usuels de la représentation artistique – déhanchement de la statuaire antique ou poses vénusiennes – tout en étant écorché‚ saisi par des mains expertes qui viennent l’ouvrir et l’opérer. La représentation du corps qui donne naissance est alors envisagée comme un appui pédagogique‚ inerte‚ fixé sur des étapes de l’accouchement et pris en charge par le corps médical. Entre le graveur et le sculpteur qui donnent à voir et le médecin qui explique‚ le corps de la femme paraîtrait perdre de sa vie et ne devenir qu’un objet médicalisé.

2Cependant‚ en confrontant les deux types de représentation‚ plusieurs liens semblent venir modeler une autre vision de l’enfantement. Aussi bien les sages-femmes et les médecins que les artistes peintres‚ les sculpteurs‚ et les graveurs apparaissent dès lors comme les détenteurs d’un savoir représenté qui va au-delà de l’image première. Les représentations des corps de femmes enceintes et de parturientes ne sont effectivement pas uniquement constituées de viscères‚ de chair et de sang‚ mais bien de tissus tégumentaires et textiles qui viennent dévoiler ce qu’il y a en-dessous‚ appareils géniteurs et êtres en devenir. Comment dès lors envisager ce savoir transmis ? Les différentes représentations se nourrissent-elles les unes des autres ? Comment le corps ainsi représenté peut-il être perçu ? Et que nous révèlent les différents acteurs de cette iconographie si particulière ? Le graveur des scènes d’accouchement peut-il être comparé au peintre‚ et le sculpteur de mannequins anatomiques à l’artiste ? En posant et transmettant leur science‚ les sages-femmes et médecins sembleraient démontrer ce que la peinture d’art ne peut donner à voir‚ tout en sublimant‚ à leur façon‚ la sacralisation de la femme devenant mère.

  • 1 Jacob Folkema (graveur)‚ Charles Le Brun (peintre)‚ La Naissance de Méléagre‚ première moitié du XV (...)
  • 2 Peintre anonyme d’après Andries Both‚ Un accouchement‚ XVIIe siècle‚ huile sur toile‚ 59‚2x40‚2 cm‚ (...)
  • 3 Angélique Du Coudray‚ La Machine‚ XVIIIe siècle‚ mannequin d’accouchement‚ Musée Flaubert et d’hist (...)

3En étudiant dans un premier temps des estampes et peintures des XVIIe et XVIIIe siècles telles que La Naissance de Méléagre de Jacob Folkema et Charles Le Brun1‚ et Un accouchement‚ peinture anonyme d’après Andries Both2‚ nous tenterons de comprendre comment les artistes révèlent les scènes d’accouchement et tracent les contours d’un corps en délivrance. Dans un second temps‚ nous analyserons les gravures médicales‚ au regard du dévoilement successif des différents tissus organiques qui viennent modeler un corps découvert. Enfin‚ par l’analyse de La Machine de la sage-femme Mme Du Coudray3 et autres mannequins anatomiques‚ nous esquisserons la plasticité de ces objets médicaux et la réciprocité des deux domaines de représentation‚ afin de comprendre en quoi les pédagogies obstétricales définiraient un autre corps féminin.

Représenter les scènes d’accouchement‚ comment les artistes tracent les contours d’un corps en délivrance

4Nous insisterons tout d’abord sur un point essentiel de notre discours : nous nous inscrivons ici dans un angle d’étude plasticien. Il ne s’agit donc pas de proposer une étude qui relève du domaine médical‚ mais bien plastique‚ c’est-à-dire qui s’attachera à comprendre la représentation de la femme enceinte et de la parturiente dans ses aspects plastiques.

  • 4 Pensons par exemple à Aphrodite dite Vénus de Milo (v. 100 av. J.-C.)‚ artiste inconnu‚ marbre‚ H. (...)

5Les corps de femmes sont l’objet de représentations diverses dans le domaine artistique. De la statuaire antique aux œuvres contemporaines‚ le corps féminin a été étudié‚ fantasmé‚ idéalisé‚ exacerbé‚ voire maltraité/ déconstruit4. Intéressons-nous plus particulièrement à l’iconographie des XVIIe et XVIIIe siècles.

La Naissance de Méléagre

6Notre étude commencera par l’analyse de l’estampe La Naissance de Méléagre‚ de Jacob Folkema et Charles Le Brun‚ datant de la première moitié du XVIIIe siècle. Cette gravure‚ réalisée d’après un dessin du peintre‚ représente la naissance du héros de la mythologie grecque Méléagre‚ fils d’Althée et Oenée (ou Ariès selon Ovide). Les artistes reprennent ici tous les éléments narratifs décrits dans le mythe. Aussitôt après la délivrance‚ les trois moires annoncent à Althée que son fils mourra dès que le tison aura entièrement brûlé‚ scellant ainsi la destinée du nouveau-né. L’accouchée retirera donc le tison du brasier pour sauver son fils‚ mais après l’épisode mythologique de la chasse au sanglier de Calydon‚ durant lequel Méléagre tuera ses deux oncles‚ Althée remettra le tison au feu pour venger la mort de ses frères‚ tuant ainsi son fils‚ et se pendant par la suite.

7Tout ici est affaire de genre. Les personnages féminins sont essentiellement dans la partie centrale/gauche du tableau‚ avec les amas de tissu‚ dans l’alcôve‚ et du côté du couffin et de la bassine d’eau. Les figures masculines sont à droite‚ dans le marbre‚ dans la droiture et le massif du marbre‚ avec l’élément feu. En reprenant ce mythe classique‚ les deux artistes (graveur et dessinateur/ peintre)‚ parviennent tout à la fois à mettre en image l’histoire‚ et révéler des représentations de corps particulières. Il y a en effet une mise en abîme de la naissance‚ qui opère un paradoxe intéressant. Tous les personnages de cet épisode sont présents‚ et la narration prend forme et se déploie par la composition même de la gravure. Althée‚ qui rappelons-le vient d’accoucher‚ est allongée lascivement dans son lit‚ bras relevé au-dessus de la tête‚ pose communément dédiée aux nus féminins‚ et confortablement nichée dans une alcôve. Seul le haut de son corps (de la poitrine à la tête) est dévoilé. Les différents tissus – couvertures‚ draps‚ tentures et vêtements – l’enveloppent d’une douce protection. Son bébé est à l’abri en arrière plan dans les bras d’une femme‚ et ne saurait subir le triste sort révélé par les moires. Il est nu‚ à peine enveloppé par un tissu‚ venant ainsi renforcer sa vulnérabilité‚ en tant que nouveau-né‚ et en tant qu’être voué à une mort certaine. L’alcôve symboliserait ainsi la matrice protectrice‚ l’utérus au sein duquel la vie se développe : ici le destin funèbre annoncé. Car‚ oui‚ Althée détient la vie de son fils entre ses mains‚ et peut décider de sa survie ou non. Elle écoute d’une oreille la prophétie‚ énoncée par l’une des moires positionnée dans l’alcôve protectrice‚ qui en levant le doigt vers le ciel guide le regard‚ l’histoire vers un au-delà impalpable et invisible. Mais Althée regarde sereinement la moire qui tient le tison‚ parce qu’elle sait que l’heure n’est pas encore venue. Cette dernière est physiquement hors de la matrice protectrice‚ et grâce à ce regard qui se prolonge dans le bras gauche jusqu’à la main droite‚ la jeune mère sait que le tison ne brûlera pas entièrement aujourd’hui. D’ailleurs‚ cette moire semble faire signe à Althée. Enchâssée dans ses étoffes‚ son mouvement se lit dans les plis des vêtements. Prend-elle le tison ou le dépose-t-elle ? Son regard est rivé dessus‚ or rien ne nous permet d’identifier clairement son intention. Nous voyons juste qu’elle est en pleine action‚ l’objet de la mort dans sa main. Encore une fois‚ les tissus forment ce lien‚ et permettent au spectateur de lire l’estampe‚ de comprendre ce qui s’y joue. La naissance est actée‚ le destin prédit. Les figures masculines représentées dans le marbre au-dessus du brasier‚ probablement les deux oncles qu’il tuera‚ évoquent alors la fin de l’histoire de Méléagre. Le brasier‚ ses flammes et leurs volutes de fumée nous guident vers ces visages fermés.

8Nous l’avons vu grâce à la composition même : naissance et mort sont ainsi paradoxalement réunies dans cette gravure. Mais cette réunion ne tient pas qu’à ce seul aspect. En effet‚ les deux entités masculine et féminine apparaissent aussi symboliquement. L’alcôve et la superposition des tissus dévoilent la gestation‚ et le feu et le marbre érigent la masculinité. Le féminin donne la vie‚ la contient‚ la dessine‚ la préserve et en décide‚ alors que le masculin rend immuable la destinée. Il n’est alors pas question pour le graveur et le peintre de donner à voir l’en-dessous des tissus‚ puisque la symbolique même du mythe et sa représentation figurent le pouvoir maternel.

  • 5 Charles Le Brun‚ La Mort de Méléagre‚ vers 1658‚ 3‚05x4‚85 m‚ Musée du Louvre‚ Paris.

9Notons par ailleurs que Charles Le Brun‚ premier peintre du roi Louis XIV et cofondateur de l’Académie royale de peinture et de sculpture‚ a peint une série de tableaux reprenant l’histoire de Méléagre‚ qui devaient être exécutés en tapisserie. Dans le tableau La Mort de Méléagre5‚ peint vers 1653‚ nous retrouvons la matrice protectrice figurée par la tenture et le lit‚ dans laquelle cette fois-ci le héros meurt. De la naissance à la mort‚ Méléagre est enveloppé de tissus (lange et linceul) symbolisant la mère qui donne la vie et celle qui la reprend. Si l’accouchement en lui-même n’est pas visiblement montré‚ le sujet mythologique permet d’esquisser les contours particuliers que nous venons d’étudier. Sous l’amoncellement de tissus se cache l’acte naturel‚ mais l’histoire étant empruntée à la mythologie‚ et rappelons-le pendant le siècle de la peinture classique‚ il n’est nul besoin de figurer le réel.

10Mais que révèlerait ce réel ? Prenons pour étude le tableau Un accouchement (page suivante)‚ réalisé d’après le peintre néerlandais Andries Both‚ qui a travaillé en Italie et en France au XVIIe siècle‚ et fait figure de maître des scènes de genre‚ des peintures des gens du quotidien. Son œuvre dépeint une femme en train d’accoucher en pleine rue. Notons‚ que si cette scène de genre tend à nous confronter à une réalité quotidienne‚ celle de l’accouchement‚ le cadre de la scène – la rue – rend cette vue publique‚ hors champ du privé et de l’intime. Le décor est sobre ; l’architecture‚ très simple‚ sert à poser l’action‚ et seul un bout de ciel lourd de nuages est perceptible. Les personnages sont principalement situés en bas à droite du tableau et forment un groupe compact autour de la parturiente. Celle-ci semble dépassée par la douleur‚ les bras maintenus par ses accompagnatrices‚ mais levés vers le ciel tout comme son visage et ses yeux. Elle revêt une robe dont la couleur rouge attire directement notre regard pour se déplacer rapidement vers son bas-ventre où se tient une femme. Cette dernière « mène le travail » dans une pose de circonstance : elle est agenouillée et ses avant-bras disparaissent sous les jupons. La jambe découverte ainsi que son ventre rehaussé de blanc semblent être une invitation à voir‚ à deviner ce qu’il y a en-dessous. De même‚ les linges suspendus vers lesquels la future mère regarde‚ pourraient faire écho au déchirement des tissus épidermiques. Le travail et la douleur sont ici palpables. Il n’y a pas de distanciation entre la scène peinte et le spectateur‚ ni de pose lascive‚ juste la pleine action de l’accouchement. La seule distanciation qu’il y aurait‚ bien qu’elle soit malgré tout réduite par cette jambe découverte‚ est l’accès visuel au corps. Mais cet aspect est là encore en lien direct avec la réalité de l’époque‚ comme le rappelle Madeleine Akrich :

  • 6 Madeleine Akrich « Accouchement » ‚ dans Le Dictionnaire du corps‚ dir. Michela Marzano‚ Paris‚ PUF (...)

[Jusqu’à la fin du XVIIIe siècle‚] le corps reste « invisible » en tant que tel‚ ou à tout le moins inséparable de la personne : la parturiente reste habillée tout au long de l’accouchement‚ et elle donne naissance dans les positions de la vie quotidienne‚ debout‚ assise‚ agenouillée‚ appuyée sur une chaise‚ la matrone œuvrant sous ses jupons. Et ce sont ses cris‚ accompagnement obligé de tout accouchement‚ qui renseignent sur l’avancement du travail et non quelque mesure objectivante qui prendrait appui sur un corps « anatomisé ».6

11Dès lors‚ ce tableau montre à la fois lisiblement ce qu’il figure‚ et le « mystère » de l’accouchement tel qu’il est généralement perçu. Les enveloppes textiles permettent à l’artiste d’exprimer l’intériorité du processus physique‚ de suggérer l’en-dessous. Ce voile‚ aux sens matériel et symbolique du terme‚ reprend les caractéristiques du voile de Poppée‚ tel que le souligne Claude-Gilbert Dubois :

  • 7 Claude – Gilbert Dubois‚ « Le Vêtement féminin : une offrande aux regards‚ parure et parement‚ para (...)

L’utilisation de ce paradoxal voile de Poppée qui ne peut être ainsi appelé que par antiphrase‚ puisque son rôle consiste surtout à amplifier le dévoilement‚ devient un procédé de rhétorique picturale.7

12Cette rhétorique picturale est bien le point essentiel de notre propos. En effet‚ par la relation‚ le dialogue entre le corps et le tissu‚ les artistes – peintres‚ dessinateurs et graveurs – parviennent à rendre visible l’intérieur du corps‚ l’accouchement dans son mécanisme. Les contours du corps en délivrance sont donc à la fois internes et externes‚ modelés par les plis et les déchirures des tissus textiles et tégumentaires. La réalité médicale n’est alors pas donnée à voir‚ au profit de l’exposition de l’accouchement lui-même qui devient un événement public. En dehors des thèmes mythologiques‚ bibliques ou historiques‚ les représentations de femmes qui accouchent ne donneraient rien d’autre à voir que l’épreuve physique.

Femme en position pour laccouchement et représentation de la position de lenfant dans lutérus

Les gravures médicales : un dévoilement successif des différents tissus organiques qui modèlent un corps découvert

13Cette épreuve physique ne semble pourtant pas figurée dans les gravures médicales. Madeleine Akrich énonce‚ nous l’avons dit‚ une représentation de la femme dont le corps resterait « invisible » en tant que tel‚ jusqu’au XVIIIe siècle. Pourtant‚ nombre de gravures nous sont parvenues‚ et pourraient contredire son propos. Ce dernier serait plutôt à entendre comme une distanciation créée entre la femme qui accouche et ce processus physique qui s’opère‚ la mise au monde de l’enfant. Dès lors‚ les gravures médicales seraient à lire comme la figuration d’un corps « anatomisé » ‚ c’est-à-dire décomposé‚ déconstruit et détaché de l’être psychique et de ses sensations. Comment pouvons-nous alors voir et comprendre ces représentations de corps ?

  • 8 André Vésale‚ De humani corporis fabrica‚ Bâle‚ J. Oporinus‚ 1543.

14L’anatomie humaine est la science qui étudie la forme et la structure des êtres‚ et celle des rapports des organes qui les constituent. Si les connaissances anatomiques ont dès l’Antiquité été développées‚ c’est à partir de la Renaissance et notamment grâce aux dissections humaines et à l’imprimerie de Gutenberg que celles-ci ont pu être largement enrichies et diffusées. L’ouvrage d’André Vésale De humani corporis fabrica8 paru en 1543‚ avec ses nombreuses planches‚ a rendu incontournable l’utilisation d’illustrations dans les traités anatomiques. Les gravures sont ainsi devenues le support visuel de la connaissance du fonctionnement et de la structure internes du corps humain. Le savoir médical pouvait dès lors se préciser et se diffuser‚ détachant ainsi les représentations picturales et statuaires de la réalité organique.

  • 9 Femme en position pour l’accouchement et représentation de la position de l’enfant dans l’utérus‚ g (...)

15Pourtant‚ les gravures anatomiques offrent une représentation du corps qui n’est pas sans spécificités plastiques. Pour les représentations des femmes enceintes et parturientes‚ il s’agit alors non pas de révéler une nudité‚ mais bien un intérieur qui ne peut s’offrir vivant visuellement‚ comme dans la gravure la Femme en position pour l’accouchement et représentation de la position de l’enfant dans l’utérus9 parue dans l’ouvrage de Cosme Viardel Observations sur la pratique des accouchemens (1674). On y observe une femme installée sur une couche‚ prête à accoucher. Ses cheveux sont détachés et reposent librement sur ses épaules et ses seins. La tête inclinée‚ elle regarde tendrement son ventre. Celui-ci est ouvert‚ et laisse apparaître le bébé prêt à naître. Les tissus épidermiques sont ainsi écartés‚ comme si son abdomen avait été effeuillé. Il n’y a pas de couleur‚ la gravure est en noir et blanc‚ occultant ainsi toute la chair et l’aspect sanguinolent qu’il y aurait dans la réalité. Entre fiction et approche médicale‚ cette gravure nous permet d’entrer dans le corps maternel en douceur. La couche‚ avec ses plis et ses reliefs‚ renforce cet aspect ouaté‚ qui ne montre en aucune façon la douleur‚ mais propose au contraire une magnification de l’accouchement.

Figure représentant une femme en position pour laccouchement.
Son abdomen ouvert laisse voir la position de lenfant

  • 10 T. Houriez‚ Figure représentant une femme en position pour l’accouchement. Son abdomen ouvert laiss (...)
  • 11 Piero della Francesca‚ Madonna del Parto‚ 1467‚ fresque‚ 260x203 cm‚ Musée Madonna del Parto‚ Monte (...)

16La gravure de Houriez Figure représentant une femme en position pour l’accouchement. Son abdomen ouvert laisse voir la position de l’enfant (1689)10 reprend cette figure féminine‚ mais en y ajoutant des spécificités picturales. À nouveau allongée ou assise sur un matelas‚ la femme enceinte est cette fois-ci intégrée à un décor figuré par un sol et une tenture suggérant la présence d’un plafond. La tenture évoque celle de la Madonna del Parto de Piero della Francesca11 peinte en 1467‚ qui est la protectrice des femmes enceintes‚ et qui est elle-même enchâssée dans une matrice protectrice. Sa main est sur son ventre plein‚ et sa robe présente une ouverture : représentation symbolique‚ semble-t-il‚ de la déchirure tégumentaire provoquée lors du travail d’enfantement et qui est alors associée à la douleur‚ comme passage nécessaire – voire obligatoire si l’on se réfère à La Bible dans laquelle il est dit « tu enfanteras dans la douleur » – pour que la « mise au monde » soit actée. La gravure anatomique‚ sans figurer précisément et lisiblement ces caractéristiques plastiques‚ fait tout de même appel à cette connotation. De plus‚ par l’utilisation du pavement‚ le graveur reprend les moyens de la perspective à point de fuite‚ qui ici mène le regard directement sur le sexe féminin et le bébé découvert. Le sujet médical est de ce fait enrichi par la vision multiple de la femme‚ à la fois sacrée‚ sexuelle et sexuée. Renforcé par le jeu des noirs et des blancs qui appuient le modelé du corps et du décor‚ l’homme‚ le graveur‚ emploie les techniques de son domaine‚ les enrichit par procédés picturaux‚ pour modeler – au sens étymologique du terme « donner forme‚ façonner » – le corps de la parturiente. Le ventre ouvert‚ avec cette peau écartée‚ semble alors faire sortir le futur nouveau-né. Il n’appartiendrait plus à la mère‚ insérée et enserrée dans la matrice protectrice textile. Son corps se dissocie et paraîtrait ne plus lui appartenir dans son entier.

  • 12 Extraction d’un enfant se présentant par le ventre après le placenta‚ gravure-burin‚ op. cit.‚ p. 1 (...)
  • 13 Marie-France Morel nous le rappelle dans son article « Naître en France. Histoire de la naissance e (...)

17Avec la gravure Extraction d’un enfant se présentant par le ventre après le placenta (1674)12‚ cette dissociation se précise encore plus. La mère n’est plus présente‚ il n’y a plus ce corps contenant essentiel dans sa globalité‚ mais juste l’utérus‚ dans lequel le bébé semble flotter‚ les mains jointes sous le menton‚ tel un angelot. Cependant‚ un acteur important apparaît : le médecin. Il n’est pas non plus représenté entièrement‚ mais juste par un bras sorti d’un tissu‚ et qui pénètre dans l’utérus pour attraper le bébé13. Le placenta est posé délicatement à côté de la sortie du bras. Cette irruption clairement médicale et masculine fait à nouveau basculer la représentation du corps de la parturiente. Détachée du texte médical – choix que nous avons fait pour étudier spécifiquement la plasticité de ces gravures – cette représentation se centre clairement non pas sur la mère qui accouche‚ mais bien sur le praticien qui intervient pour faire sortir le bébé. L’acte naturel n’est dès lors plus une affaire de femme‚ mais bien une opération menée par un médecin. Et le graveur n’ignore pas cet état de fait‚ puisque émergeant d’un tissu pour pénétrer l’utérus‚ le pouvoir phallique est bien visible. La femme seule ne peut concevoir l’enfant‚ et l’extraction effectuée par l’homme achève le processus de reproduction‚ de gestation‚ et de mise au monde. Médecin et illustrateur se rejoignent ainsi par cette figuration d’une naissance‚ dans laquelle le rôle masculin est réintégré.

Extraction dun enfant se présentant par le ventre après le placenta

18Si montrer uniquement le bébé dans l’utérus permet aux graveurs et médecins de mettre à distance la parturiente dans ses spécificités physiques‚ Jacques-Fabien Gautier d’Agoty‚ peintre et graveur du XVIIIe siècle propose des planches anatomiques particulières‚ où il tente de faire coïncider les principes picturaux et scientifiques. Avec le procédé de gravure en couleur hérité de son maître Jacob Le Blon‚ Gautier d’Agoty parvient à modeler des corps de femmes enceintes à la fois écorchées et posant pour l’artiste. Entre portraits étranges et sortes de retables‚ son univers pose la question du statut de la représentation anatomique de la femme enceinte et de la parturiente. Les tissus organiques sont à la fois enlevés‚ soulevés‚ ouverts‚ et à la fois juxtaposés aux muscles et aux tendons‚ et insérés dans des décors. Où s’arrête la représentation picturale et où commence l’anatomique ? Toujours est-il que le corps féminin est exacerbé‚ non pas dans le seul état de la grossesse‚ mais bien dans sa représentation sensuelle. Le morcellement du corps permet à l’artiste d’intégrer ses différentes visions‚ et au spectateur de chercher à pénétrer ces dualités : intérieur/extérieur‚ domaine artistique/domaine médical‚ et corps entier/corps morcelé.

Plasticité des objets médicaux et réciprocité des deux domaines de représentation : en quoi les pédagogies obstétricales définiraient-elles un autre corps féminin ?

19Grâce aux mannequins anatomiques‚ ces dualités prennent forme et se donnent à voir. Si leurs qualités et objectifs médicaux sont clairement établis‚ ces objets sont intéressants à analyser du point de vue plastique‚ car ils déploient et rendent son volume à la femme enceinte.

  • 14 Mannequin anatomique dit La Maternité‚ XVIIe siècle‚ ivoire‚ Écouen‚ Musée national de la Renaissan (...)

20Les mannequins anatomiques féminins représentaient souvent des femmes enceintes‚ et étaient en ivoire‚ en bois ou en cire14. Au-delà de leurs qualités pédagogiques‚ et de leurs facilités de transport pour permettre aux sages-femmes et aux médecins de transmettre leur savoir‚ ils sont aussi à envisager comme des sculptures artistiques. Sous le nom de Vénus anatomique‚ ou de Maternité‚ les sculpteurs de ces objets leur confèrent un statut clairement empreint de l’iconographie artistique et sacrée. Bras amovibles‚ yeux clos‚ cheveux longs et corps reposant sur des étoffes‚ ces poupées relèvent du langage pictural et statuaire. Enchâssés dans de petites boîtes‚ entre cercueils et coffres à trésor‚ les mannequins deviennent des sortes de reliques sacrées‚ déployant l’aura de la femme qui porte la vie. De même‚ avec leurs bustes décomposables‚ ces mannequins permettent de voir‚ d’appréhender l’intérieur du corps‚ sa structure et son fonctionnement. Chaque partie est ainsi détachable‚ depuis l’enveloppe tégumentaire jusqu’au fœtus‚ en passant par les différents organes et viscères. Ce système permet ainsi de pénétrer le corps et son anatomie. Contrairement aux gravures médicales‚ ces représentations de corps peuvent être manipulées et examinées. En taillant le bois ou l’ivoire‚ en travaillant la cire‚ le sculpteur modèle le corps de la parturiente‚ partie par partie‚ organe par organe‚ en pensant non pas à un idéal de beauté et de proportion tel que le ferait le sculpteur d’art‚ mais à la formulation scientifique. Dans une sorte d’entre-deux‚ ces poupées esquissent des corps de femmes dont l’apparence côtoie une réalité somme toute fictive. Ouvrir la boîte‚ puis le corps‚ pour voir tous les composants et accessoires‚ mais aussi l’être en devenir‚ rend le patient-spectateur acteur du savoir anatomique‚ tout en rendant le personnel médical créateur et passeur de celui-ci. La parturiente est ainsi perpétuellement disséquée et dissécable‚ et l’imagination de l’intériorité se retrouve amoindrie par l’expérience du corps. Morceler le corps de la femme enceinte rend paradoxalement concrète la globalité anatomique de la gestation. Dès lors‚ nous retrouvons l’idée d’un corps anatomisé dont nous parlions plus tôt‚ qui met à distance le corps de la parturiente dans ses effets psychiques et physiques.

  • 15 Voir Jacques Gélis‚ « L’Évolution des savoirs en obstétrique et en pédiatrie… aux siècles classique (...)
  • 16 Voir Michel Bénozio‚ Claire Beugnot‚ Sophie Demoy‚ Arlette Dubois‚ Caroline Durier‚ Jacques Gélis‚ (...)

21Avec sa « machine » Mme Du Coudray‚ sage-femme du XVIIIe siècle‚ participe activement à cette science de l’accouchement qui sépare la femme de son processus de mise au monde15. Véritable outil pédagogique accompagné d’un ouvrage écrit‚ l’enseignement dispensé par la maitresse sage-femme de 1759 à 1783 a permis à de nombreux praticiens de se former grâce à ces outils. Notons d’ailleurs cette intéressante redondance qui consiste à se former par une forme. Cette « machine » ‚ composée de cuir‚ peau et coton‚ est une reconstitution grandeur nature d’un bassin de femme et de fœtus‚ cousus et véritablement pensés et modelés pour prendre corps et vie16. Les élèves pouvaient alors se concentrer uniquement sur les différentes parties du ventre et du bassin‚ utérus‚ vagin‚ ovaires‚ etc.‚ et simuler les variations de l’appareil génital ainsi que les positions du fœtus. Mais ces mannequins ne reprennent pas le corps féminin dans son entier‚ juste le bassin‚ sa contenance et son contenu procréateur. Pour Jacques Gélis :

  • 17 Jacques Gélis‚ L’Arbre et le fruit : la naissance dans l’occident moderne, XVIe-XIXe siècles‚ Paris (...)

La matrone était jusqu’à lors à l’écoute d’une femme en travail‚ à l’écoute d’une personne et de son corps en souffrance ; désormais‚ c’est d’abord à un ventre‚ un bassin‚ un corps morcelé que la sage-femme et l’accoucheur vont s’adresser.17

  • 18 Michel Guérin‚ L’Espace plastique‚ Paris‚ La Part de l’œil‚ 2008‚ p. 94.

22Ce corps morcelé est par ailleurs étiqueté à chacune de ses parties‚ pour que les élèves puissent en apprendre les noms. Le corps n’est plus une unité‚ mais bien une structure composée de différentes parties. Les élèves ne sont ainsi plus face à une femme qui accouche‚ mais à l’intérieur d’organes qui interagissent. De plus‚ le mannequin étant essentiellement constitué de textiles‚ il peut permettre à l’élève d’appréhender et de développer son savoir tactile‚ apprendre à mesurer l’évolution de l’accouchement et de la transformation du corps. L’expérience dépasse la surface (la face du dessus)‚ se joue en profondeur‚ et retrouve son sens premier : connaissance acquise par la pratique. À la manière de l’artiste‚ du peintre ou du sculpteur‚ l’apprentie sage-femme va pouvoir prendre connaissance‚ apprendre par le toucher et s’approprier le corps de l’autre. Il ne s’agit donc plus de donner forme ou de façonner une matière‚ mais de modeler son savoir. Cette double relation – corps de la parturiente/ corps de l’accoucheuse – fait percevoir la formation d’un corps hybride qui en serait issu. Les interfaces textile et tégumentaire permettent la création de ce lien au corps‚ jusqu’à « faire corps ». Ce corps hybride nous amène à envisager ce processus comme une forme de mise en scène plastique. L’origine grecque du mot plastique nous le rappelle : plassein siginifie « modeler‚ façonner » ‚ et la Machine de Mme Du Coudray provient de ce mécanisme de création. Selon Michel Guérin‚ « une entité est plastique‚ lorsqu’elle est animée par une énergie‚ un mouvement interne tangible‚ qu’elle procède par traces et par traînes (inscrivant une projection par le biais de rémanences)‚ enfin lorsqu’elle se livre à la déformation et la reformation au lieu de s’arrêter dans les contours d’une forme »18.

23Ce mannequin entre de plain pied dans la plasticité‚ dans ces allers-retours constants entre un intérieur et un extérieur‚ un objet pédagogique et un modelage humain‚ et l’expérience visuelle et tactile. Les mediums employés invitent en effet à un contact peau à peau‚ qui fait dépasser l’objet de la représentation pour aboutir à un corps paradoxalement déconstruit et magnifié. Toucher permet en effet de voir‚ de connaître et de comprendre‚ pour pouvoir démultiplier le corps de la femme enceinte. Nous découvrons dès lors une représentation de la parturiente qui se déploie à travers un langage pluridisciplinaire‚ bien au-delà de sa visée pédagogique.

Conclusion

24Dans la France de l’Ancien Régime‚ et plus particulièrement des XVIIe et XVIIIe siècles avec les différentes œuvres que nous avons étudiées‚ la représentation de la femme enceinte et de la parturiente prend différentes formes. Outre les diverses techniques employées – estampes‚ peintures‚ gravures ou mannequins anatomiques – et les sujets d’études premiers – narration mythologique‚ peinture de genre‚ ou savoirs scientifiques et médicaux – il s’agit de comprendre la figuration même du corps de la femme ainsi mise en jeu. Si la gravure transpose les dessins creusés dans le cuivre sur le papier‚ si la peinture pose la touche sur la toile‚ et si le modelage des matériaux donne le volume à la parturiente représentée‚ les différents créateurs mettent tous leurs savoirs et techniques en œuvre pour faire apparaître l’intérieur du corps à la surface de leurs créations‚ offertes au spectateurs. La femme enceinte est bien un sujet d’étude‚ mais se modèle dans et par l’expérience de la matière‚ appel au contact visuel et tactile. Les représentations de ces corps féminins ne sont pas non plus dénuées d’enjeux sémantiques. Les références aux tableaux et sculptures classiques apparaissent dans les représentations médicales‚ inscrivant ces objets anatomiques dans l’iconographie historique. Les contours du corps de la femme enceinte et de la parturiente sont dès lors flous‚ mouvants‚ et offrent une plasticité particulière‚ qui permet à celui qui regarde ces œuvres de véritablement entrer en contact avec ces corps. La femme devenant mère acquerrait ainsi une sacralisation ultime dans laquelle ses deux visions‚ artistiques et médicales‚ seraient réunies par le plassein.

  • 19 Ron Mueck‚ Pregnant Woman [La Femme enceinte]‚ 2002‚ résine de polyester pigmentée sur fibre de ver (...)

25Et nous nous permettrons de clore notre étude en dépassant largement le cadre historique et temporel assigné ici‚ en évoquant les deux sculptures de Ron Mueck Pregnant woman (2002) et Mother and child (2001)19. Avec cette femme enceinte et cette mère et son bébé‚ pour l’une à l’échelle démesurée et pour l’autre à une diminution évocatrice‚ l’artiste contemporain offre à voir deux moments cruciaux de la parturiente. En fin de grossesse et à l’aube de la nouvelle vie‚ ces sculptures figurent un réalisme troublant. Leur disproportion‚ leur texture et leur mise en scène invitent le spectateur à redécouvrir la représentation de la mère‚ non pas dans ses particularités anatomiques‚ mais bien dans sa réalité physique et ce rapport tactile qu’elle engage.

Notes

1 Jacob Folkema (graveur)‚ Charles Le Brun (peintre)‚ La Naissance de Méléagre‚ première moitié du XVIIIe siècle‚ estampe‚ 18‚3x23‚5 cm‚ INV. TH. 99.15.4360‚ Nancy‚ Musée des Beaux-Arts‚ Lorraine‚ France‚ Donation Jacques et Guy Thuillier. Cliché Ville de Nancy. P. Buren.

2 Peintre anonyme d’après Andries Both‚ Un accouchement‚ XVIIe siècle‚ huile sur toile‚ 59‚2x40‚2 cm‚ Musée des Beaux-Arts de Dole.

3 Angélique Du Coudray‚ La Machine‚ XVIIIe siècle‚ mannequin d’accouchement‚ Musée Flaubert et d’histoire de la médecine‚ Rouen.

4 Pensons par exemple à Aphrodite dite Vénus de Milo (v. 100 av. J.-C.)‚ artiste inconnu‚ marbre‚ H. 202 cm‚ Paris‚ Musée du Louvre ; à Parmigianino‚ La Madone au long cou (v. 1535)‚ huile sur toile‚ 216x132 cm‚ Florence‚ Galerie des Offices ; ou encore à Jean Auguste-Dominique Ingres avec La Grande Odalisque (1814)‚ huile sur toile‚ 91x162cm‚ Paris‚ Musée du Louvre ; à Frida Kahlo‚ La Colonne brisée (1944)‚ huile sur toile‚ 43x33 cm‚ Collection de Dolores Olmedo Patiño‚ ville de Mexico ; à Orlan et ses Self-hybridations (1998-2002)…

5 Charles Le Brun‚ La Mort de Méléagre‚ vers 1658‚ 3‚05x4‚85 m‚ Musée du Louvre‚ Paris.

6 Madeleine Akrich « Accouchement » ‚ dans Le Dictionnaire du corps‚ dir. Michela Marzano‚ Paris‚ PUF‚ 2007‚ p. 8-12.

7 Claude – Gilbert Dubois‚ « Le Vêtement féminin : une offrande aux regards‚ parure et parement‚ parade et paravent » ‚ dans Paraître et se vêtir au XVIe siècle‚ dir. Marie Viallon‚ Saint-Étienne‚ Publications de l’Université de Saint-Étienne‚ 2006‚ p. 53-67.

8 André Vésale‚ De humani corporis fabrica‚ Bâle‚ J. Oporinus‚ 1543.

9 Femme en position pour l’accouchement et représentation de la position de l’enfant dans l’utérus‚ gravure-burin‚ dans Cosme Viardel‚ Observations sur la pratique des accouchemens‚ Paris‚ chez l’Auteur‚ 1674‚ p. 68.

10 T. Houriez‚ Figure représentant une femme en position pour l’accouchement. Son abdomen ouvert laisse voir la position de l’enfant‚ gravure-burin‚ taille-douce‚ 96x161 mm‚ dans Le Chemin fraye et infaillible aux accouchemens qui servira de flambeau aux sages-femmes pour les éclairer en leurs opérations, cachées dans les plus obscures cavernes de la matrice‚ Lille‚ François Fiévet‚ 1689.

11 Piero della Francesca‚ Madonna del Parto‚ 1467‚ fresque‚ 260x203 cm‚ Musée Madonna del Parto‚ Monterchi‚ Italie.

12 Extraction d’un enfant se présentant par le ventre après le placenta‚ gravure-burin‚ op. cit.‚ p. 152.

13 Marie-France Morel nous le rappelle dans son article « Naître en France. Histoire de la naissance en France (XVIIe-XXe siècles) » ‚ Adsp‚ n° 61/62‚ Paris‚ décembre 2007- mars 2008‚ p. 24 : « les hommes soignant sont tenus d’opérer à couvert‚ sans voir les parties génitales de la patiente ».

14 Mannequin anatomique dit La Maternité‚ XVIIe siècle‚ ivoire‚ Écouen‚ Musée national de la Renaissance ; Vénus anatomique, se détachant en 40 parties‚ XIXe siècle‚ cire‚ Montpellier‚ Musée de la faculté des Sciences.

15 Voir Jacques Gélis‚ « L’Évolution des savoirs en obstétrique et en pédiatrie… aux siècles classiques » ‚ Accueillir le nouveau-né d’hier à aujourd’hui‚ dir. Marie-France Morel‚ Toulouse‚ ERES‚ « 1001 bébés » ‚ p. 53-72.

16 Voir Michel Bénozio‚ Claire Beugnot‚ Sophie Demoy‚ Arlette Dubois‚ Caroline Durier‚ Jacques Gélis‚ Jacques Petitcolas‚ La « Machine » de Mme Du Coudray ou l’Art des Accouchements au XVIIIe siècle‚ en partenariat avec le Musée Flaubert et d’histoire de la médecine de Rouen‚ Bonsecours‚ Point de vues‚ 2004.

17 Jacques Gélis‚ L’Arbre et le fruit : la naissance dans l’occident moderne, XVIe-XIXe siècles‚ Paris‚ Fayard‚ 1984‚ p. 160.

18 Michel Guérin‚ L’Espace plastique‚ Paris‚ La Part de l’œil‚ 2008‚ p. 94.

19 Ron Mueck‚ Pregnant Woman [La Femme enceinte]‚ 2002‚ résine de polyester pigmentée sur fibre de verre‚ 252 cm. Mother and child [Mère et enfant]‚ 2001‚ résine de polyester pigmentée sur fibre de verre‚ 24x89x38 cm.

Table des illustrations

Légende La Naissance de Méléagre
URL http://books.openedition.org/apu/docannexe/image/11031/img-1.jpg
Fichier image/jpeg, 79k
Légende Un Accouchement
URL http://books.openedition.org/apu/docannexe/image/11031/img-2.jpg
Fichier image/jpeg, 102k
Légende Femme en position pour laccouchement et représentation de la position de lenfant dans lutérus
URL http://books.openedition.org/apu/docannexe/image/11031/img-3.jpg
Fichier image/jpeg, 172k
Légende Figure représentant une femme en position pour laccouchement.Son abdomen ouvert laisse voir la position de lenfant
URL http://books.openedition.org/apu/docannexe/image/11031/img-4.jpg
Fichier image/jpeg, 113k
Légende Extraction dun enfant se présentant par le ventre après le placenta
URL http://books.openedition.org/apu/docannexe/image/11031/img-5.jpg
Fichier image/jpeg, 88k

Auteur

Laboratoire LLA Créatis

© Artois Presses Université, 2017

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