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Regards sur l'intime en Irlande

 | 
Thierry Dubost
, 
Anne-Catherine Lobo

Poésie

L’intime mythique dans « The Pomegranate » d’Eavan Boland

Florence Schneider

Texte intégral

1La poésie d’Eavan Boland a souvent été placée sous le sceau du féminisme, soulignant la place nouvelle que cet auteur désire donner à toutes ces expériences de femmes qui, sans la visibilité conférée par l’écriture, risqueraient de redoubler l’indifférence par l’oubli. Cet aspect collectif, générique, se déploie cependant au travers de l’inscription d’expériences très personnelles de l’écrivain. Ses rapports avec ses filles, avec un quotidien à la fois répétitif et potentiellement mystérieux, situent toujours l’appréhension féminine dans un cadre où l’idéologie et la politique au sens large découlent du pragmatisme et de l’intime. Or, si ce dernier est absolument central dans la poésie d’Eavan Boland, sa définition et ses inscriptions sont complexes, du fait même de cette tension entre individualité et généralisation possible. C’est ainsi toute la question d’une voix personnelle féminine qui est en jeu – voix prise entre répétition du même (conséquence des représentations historiques, mythiques ou des clichés) et singularité, différence. C’est aussi la relation singulière qui s’élabore entre une identité tissée de textes et une charnalité peu à peu affirmée, créant un intime tangible et intellectuel à la fois. Ces tensions sont particulièrement à l’œuvre dans un poème extrait de In a Time of Violence écrit en 1994, intitulé « The Pomegranate ». Là, Boland développe une temporalité et un espace propres pour éviter le double piège de l’égocentrisme et d’une expression universelle des grandes idées, sorte d’idéalisme objectif diluant l’individu. Ces deux écueils sont ceux que repère Gilles Deleuze lorsqu’il étudie l’art, et les idées de celui-ci permettront de montrer, dans un second temps, combien l’utilisation du mythe permet à Boland d’inscrire un intime paradoxal, où l’appropriation physique de la légende permet un questionnement sur le rapport au langage. Finalement, il semblerait que cette appropriation de l’écrit et du signifiant amène Boland à inscrire l’intimité dans une perte acceptée, où perdre un rapport privilégié à son enfant permet finalement de conjurer des identités trop fixes, où perdre la parole dans un silence final permet une ultime dissémination du sens.

  • 1 D’autres versions de la légende indiquent que c’est Perséphone elle-même qui aurait cueilli une gre (...)

2Ce à quoi nous invite ce poème est un décentrement, une accaparation intime d’une légende immémoriale, celle d’une mère, Cérès, déesse de la Terre, allant rechercher sa fille, Persephone, aux enfers, là où l’a emmené Hadès, le dieu de ces lieux, dieu qui accepte finalement de laisser repartir sa belle vers la lumière et les terres qu’elle féconde lorsque le printemps revient et de ne la retrouver qu’en hiver. Le don qu’il lui fait d’une grenade lui assure que le lien entre les deux mondes sera établi1, le pépin du fruit servant alors de preuve d’existence, de talisman contre l’oubli. Pourtant, dans le poème de Boland, point de Hadès ou de figure masculine. Ce qui se joue dans le poème, c’est tout d’abord la perte et les retrouvailles potentielles entre une mère et sa fille, c’est une relation très intime entre une mère et sa fille. Or l’une des forces de ce texte vient de la façon dont Boland personnalise temps et lieux, à partir de cette légende immémoriale, pour les faire intimement siens.

3Ceci se fait tout d’abord par un brouillage des références géographiques. Ainsi, la fin du poème se révèle-t-elle ambiguë : la mère pourrait, si elle avertissait sa fille des dangers, la garder près d’elle, dans ce monde ; mais un doute s’installe : la banlieue, les voitures, les télévisions satellites peuvent-ils constituer ce monde idéal, terrestre, opposé à celui des enfers, d’autant plus que toute marque de végétation (symbole et de Céres et de Perséphone) a disparu, faisant place à un monde de pierres sombres, de silex, « flint-coloured ». Le lieu de vie de la mère, opposé mythiquement à celui des ténèbres, est ainsi marqué de contradictions, d’ambiguïté. Et l’on saisit tout de suite qu’il n’y aura pas de dichotomies simples dans le poème.

4Le lieu de l’enfance maternelle lui aussi est paradoxal et devient un moyen pour Boland de transcrire l’intime de son expérience de mère et de femme en général, et d’inverser histoire et lieux. En effet, les premières ténèbres que l’enfant eut à parcourir sont les dédales londoniens de l’exil, référence autobiographique à cette enfance malheureuse, tissée par des rêves d’un retour vers l’Irlande, pays d’autant plus séduisant qu’il était relativement inconnu. La déambulation géographique se fait aussi errance linguistique dans cette langue étrange, étrangère et pourtant identique. Cette déambulation constitue la première accaparation du mythe :

As a child in exile in
a city of fogs and strange consonants,
I read it first and at first I was
an exiled child in the crackling dusk of
the underworld, the stars blighted
.

5La syntaxe écartelée par les trois enjambements souligne la douleur d’un manque de repère spatial. Cependant la référence à cet épisode personnel de séjour londonien n’est qu’implicite et « a city of fogs and strange consonants » fait penser à la gutturalité de l’accent irlandais plus qu’à la langue de Shakespeare. Ce trouble entre adéquation de l’histoire, personnelle ici, et du lieu est redoublé par la fin de cet épisode avec « the stars blighted » où le gâchis des étoiles contient potentiellement la référence à la famine, au mildew, « blight », qui détruisit les récoltes irlandaises de pommes de terre. L’enfer serait alors autant la capitale britannique, dans un temps enfantin, personnel, que l’Irlande, dans un temps historique, collectif. Lieux nationaux et personnels, temps historiques et autobiographiques se fondent. L’intime dans sa première douleur serait alors ceci – un déracinement géographique, linguistique, qui porterait en lui la trace de tout un passé oblique, grésillant tel une radio mal réglée, « crackling », crépitant par intermittence, mais toujours présent.

6L’impossible adéquation stabilisée entre lieux et temps s’accompagne dans ce poème d’un doute sur le temps vécu. Après la déambulation de l’enfance, voici le sujet poétique de retour sur terre, mère attentionnée « I walked out in a summer twilight/searching for my daughter at bed-time ». Outre l’évacuation de sa propre mère sensée pourtant l’avoir cherchée lorsqu’elle aussi était perdue dans les ténèbres, l’ambiguïté de « twilight » en anglais, à la fois aube ou crépuscule, est reprise par le déplacement de la recherche non pas aux enfers mais sur terre. Et d’ailleurs quelle terre, et quel enfer, et à quelle époque ? Le trouble géographique épaissit : Cérès et Perséphone renvoient certes au temps d’un mythe antique, classique, mais si Perséphone est bien grecque, sa mère est alors Deméter, et non son équivalent romain, Céres. Ou alors, la logique voudrait que la fille de cette dernière fût Proserpine, ou Coré. Bref, une ambiguïté identitaire et un mélange de plus, au cœur même de ce mythe qui sert de référence à tout le poème.

7La topographie du déplacement touche aussi les lieux symboliques : la pomme croquée par Ève est mentionnée au vers 35, « the French sound for apple » mais c’est bien un ancrage mythologique et non chrétien qui est posé comme cadre à l’identité. La Bible laisse la place aux légendes, et l’acte sexuel, qui détache la fille de sa mère, n’est pas marqué par le sceau du péché, mais est placé sous le signe du désir et du corps : « a child can be/hungry », « She will hold the papery flushed skin in her hand./And to her lips ». De plus, Boland refuse un autre cadre idéologique, celui qui superpose la figure de l’Irlande à celle de la femme, de la mère en particulier (comme dans Synge). Pas d’osmose avec la terre, nourricière ou non. Ici, l’espace que propose la mère à sa fille n’est, on l’a vu, ni agricole, ni verdoyant. Pas d’équivalence fallacieuse entre une remontée vers le paradis et la redécouverte d’une Irlande immuable. Ici, la verte Erin est banlieusarde, tissée de ces nouvelles mythologies qui font songer à Roland Barthes, avec ses nouveaux dieux – les voitures, les télévisions…

8Par ailleurs, la relation intime mère-fille se joue dans ce poème non seulement dans un brouillage personnel des codes mais dans une acceptation singulière de la linéarité, de la chronologie, même dans ce qu’elle implique de fin ultime, de vieillissement et de mort. En effet, la succession naturelle de l’enfance, placée sous le signe du prétérit (I read, I walked), puis de l’âge adulte, avec le présent (I climb, I can see), puis du futur de la prochaine génération (she will wake up, she will hold) est insérée dans un double mouvement d’inéluctabilité (l’inscription dans le mythe) et d’hypothétique ouvertement refusé. L’idée de pouvoir altérer le déroulement millénaire de la légende et d’inscrire le temps humain du réversible est ainsi fermement écartée : « I will say nothing » répond à « I could warn her ». L’acceptation d’une temporalité immémoriale semble a priori contredire toute idée de singularité. Cependant, c’est dans l’acceptation de ce temps déjà joué d’avance que Boland installe l’intime : la relation extrêmement personnelle à soi et à l’autre s’inscrit dans la répétition et à l’intérieur de la légende, avec un jeu sur « will » qui marque à la fois le futur inéluctable et la volition. La part de désir qui affleure s’associe aussi au don de la mère, qui au contraire de Cérès, ne subit pas totalement l’éloignement de sa fille mais l’assume, lui donne la possibilité de répétition. De plus, avec « what else/can a mother give her daughter but such/beautiful rifts in time ? », le retour du même n’exclut pas des trouées, des tensions dans le temps et à temps « rifts in time », comme autant de fissures magnifiques « beautiful rifts » dans une histoire commune. Car c’est bien là un nouveau signe de l’intime chez Boland : pour vivre et dire ce dernier, il ne faut pas nier l’histoire collective, répétitive, mais la posséder « the legend will be hers », au plus intime de son corps, la croquer en toute connaissance, l’embrasser, « to her lips ».

  • 2 Pierre Zaoui, « Deleuze et la solitude peuplée de l’artiste (sur l’intimité en art) », in L’Intime, (...)

9L’inscription personnelle dans un temps et un espace collectif s’effectue aussi par une véritable appropriation du mythe. Vivre la légende, et non vivre « comme » dans la légende, forge en effet toute la singularité de l’identité des deux femmes du poème : « And the best thing about the legend is/I can enter it anywhere. And have » « But I was Ceres then », « She put out her hand and pulled down/the French sound for apple ». Là encore, Boland joue avec les paradoxes : comment vivre pleinement la réalité si on vit un conte ? Comment être singulier si l’on se coule dans des histoires toutes faites ? La relation d’intimité qui se joue dans le poème vient d’un jeu au cœur de l’archétype plutôt que d’une intimité qui serait l’affirmation d’un libre-arbitre. Ceci rejoindrait ce que Deleuze défend dans Mille Plateaux ou dans son étude sur Francis Bacon. Deleuze s’élève en effet contre toute intimité en art pour trois raisons essentielles : critique de l’art intimiste comme expression d’un non-dit secret, de l’authentique et d’un sombre désir de bâtir sa vie symboliquement comme une œuvre. Pierre Zaoui dans un article sur Deleuze et l’intime résume ceci « Bref, sous la triple figure du personnel, du caché et du symbolique ou de l’organique, tout art intimiste n’est que de la « cochonnerie » pour parler comme Artaud : quand il n’y a plus que du soi, il n’y a plus de réel du tout… » On peut de fait trouver chez Deleuze les éléments d’une critique très virulente contre toute intimité en art, prenant la forme d’un véritable « requiem pour un moi dissous »2. Il me semble que « The Pomegranate » relève en partie de cette idée : l’intime n’y est pas le dévoilement d’un sentiment caché, s’affichant comme éminemment personnel et authentique dans sa valeur d’unicité exacerbée. Au contraire, cette relation intime de perte et d’amour renouvelé à l’autre, à sa fille, s’inscrit en intégrant totalement le réel, le commun ou le banal, y compris dans ce qu’il a de culturel et textuel. Le réel est à la fois banlieue grise, tangible, et ténèbres de Hadès, mythe fondateur. Certes, le poème ne semble pas travaillé par un moi dissous, tant la voix féminine personnelle de Boland se fait entendre, dans « The Pomegranate » précisément, mais aussi parce que ce poème résonne de tous les autres, lui font écho, dessinant son auteur au fil des vers et des recueils. Néanmoins, on a vu combien les informations autobiographiques sur Londres étaient au mieux allusives, si ce n’est contradictoires ; de plus, pas de prénom, pas de nom pour la banlieue, pas de dates… Le moi n’est pas dissous, mais il s’inscrit à la jointure du singulier et du collectif, du plus ou moins tangible.

10Or, Boland va plus loin encore dans cette affirmation d’une vie-mythe et non d’une vie-mythifiée : trouver son intimité en s’ouvrant au réel amène à s’approprier le signifiant, à le faire objet : « She put out her hand and pulled down/the French sound for apple ». Dans « The Pomegranate », on entre dans la légende, avec tout le double-entendre de ceci, comme on entre dans un lieu, chez soi « And the best thing about the legend is/I can enter it anywhere. And have. » Le mythe se fait réalité tangible, d’une part parce qu’on le vit, et aussi parce que Boland souligne combien le signe linguistique peut se faire concret. On cueille ici des sons autant que des pommes ou des grenades. Elle insiste aussi sur l’arbitraire du signe, qui associe à l’oreille « pomegranate » à la pomme française, à la grenade, et au granite pour montrer combien le langage n’est en rien invisible, intangible, et que dans les légendes comme dans la vie, des enfants ont faim « at the heart of legend, in the midst/of rocks full of unshed tears/ready to be diamonds by the time/the story was told, a child can be/hungry ».

11Cette relation charnelle au signe linguistique constitue l’identité autrement : la lecture aussi confère l’être. Si l’on regarde de près les enjambements et les coupures syntaxiques, on constate son rôle existentiel : vers 10 : « I read it first and at first I was » où l’écho de la puissance du verbe biblique, divin, se fait entendre. Nommer les éléments, les animaux, les hommes, les fait venir au monde ; de la même façon, lire leurs histoires nous fait naître et venir à nous-mêmes. Même si dans ce poème, cette existence se traduit d’abord par un vide : « I read it first and at first I was/an exiled child ». La même logique est à l’œuvre un peu plus loin, aux vers 41-42 : « the story was told, a child can be », où une fois encore la lecture permet l’existence de l’enfant. Où une fois encore celle-ci se définit par son manque, « the story was told, a child can be/hungry ». La relation intime, personnelle à la lecture est ainsi à proprement parler fondatrice, et associe toujours existence et manque, perte. Probablement parce que, dans « The Pomegranate », l’intime de l’existence et de la relation à l’autre se fait justement dans un rapport complexe à la perte.

  • 3 Ceci rejoint ce qu’affirme Merleau-Ponty sur l’identité par un accès au monde nécessairement corpor (...)

12Le mythe choisi par Boland s’enracine dans un deuil toujours recommencé, saison après saison, mais dans un deuil partiel, où la disparition n’est pas la mort, ou n’est que cette mort symbolique de l’enfance et de la fusion maternelle. Cérès sait que Perséphone reviendra avec les beaux jours ; elle sait aussi qu’elle repartira. La question de la perte est donc centrale, dans le mythe, et dans son utilisation ici par Boland. Mais il semble qu’à la douleur subie de Cérès se substitue une douleur finalement acceptée chez Boland, que c’est même dans la perte assumée que peut se forger réellement l’identité des deux femmes. Cette perte se joue sur deux niveaux : transcendantal et linguistique. L’absence de transcendance est symbolisée par la métaphore filée des étoiles : la rouille des étoiles, « the stars blighted » (vers 12), puis leur dissimulation « the stars are hidden » (vers 25), puis finalement un étrange constat : « the veiled stars are above ground » (vers 45), sorte de tautologie, comme si les étoiles pouvaient être ailleurs, sous terre, sauf qu’elles ne sont pas vraiment dans le ciel, « in the sky », mais juste au-dessus du sol. Plus de transcendance en tous cas, ou alors masquée, « hidden », « veiled ». La promesse chrétienne d’un autre temps que celui de la finitude humaine, d’un au-delà infernal ou paradisiaque, a disparu, laissant place à la temporalité des hommes, historique et personnelle. L’étoile des bergers ou des Rois Mages, qui annonçait l’avènement d’un nouvel ordre, disparaît. Et si c’est à l’infini païen des constellations qu’il est fait référence, il est lui aussi obstrué. Cette perte d’une transcendence temporelle et morale est acceptée, présentée comme un simple état de fait (« it is another world »), et cet autre monde permet justement le don d’un temps identitaire, le cadeau d’un temps singulier, troué, non continu ou englobé dans l’idée d’une éternité niant l’épisode, l’accident, le singulier : « It is another world. But what else/can a mother give her daughter but such/beautiful rifts in time ? ». La douleur de la perte est à la hauteur du don d’une temporalité propre même si elle est inéluctable : « If I defer the grief I will diminish the gift ». Cérès refusait tout lien de Perséphone avec les enfers, avec le sexe, avec l’autre ; la mère à la fin de « The Pomegranate » accepte de reconnaître la fondamentale différence de sa fille, accepte la jouissance de celle-ci. L’élimination d’un cadre chrétien moralisateur par rapport à la sexualité et le détournement du cycle mythique grec, permettent de fonder une identité propre, de jouer à la fois sur l’hérédité et la répétition, mais aussi sur la différence. Et cette dernière passe par une inscription identitaire non seulement culturelle, textuelle mais aussi charnelle3. Cette affirmation du corps, de l’accession à une identité propre par la sensation physique (le toucher et le goût, et la référence implicite au sexe) se déploie à la fin du poème, où le réveil fait figure d’éveil à soi : « she will wake up. She will hold/the papery flushed skin in her hand. And to her lips ».

13Cet accès au corps par une perte assumée des schémas religieux ou mythiques est renforcé par l’acceptation maternelle de se taire. Assumer de perdre la parole, ne serait-ce qu’un instant, permet à « ma semblable, ma fille », d’être. Retournement assez paradoxal : ce qui constituait l’identité était l’inscription dans la légende, donc dans le verbe, dans un mot qui se faisait même tangible. Mais il semble que la suspension de la parole soit nécessaire un instant pour que l’autre puisse parvenir à une identité propre, lecteur compris. Car cette suspension de la parole se fait en clôture du poème, montrant la force performative du langage, qui fait ce qu’il dit. L’appropriation du texte par le lecteur se fait en effet dans ce silence, mais aussi au cours de la lecture, immergé dans les signes, tout comme ces femmes sont plongées identitairement dans le mythe, comme on l’a vu. La force du poème tient ainsi à une double affirmation de la prégnance du verbe, et de sa nécessaire dépossession pour que l’identité dans ce qu’elle a de plus intime, de plus charnelle et pulsionnelle puisse voir le jour. Dans un article, Julia Kristeva résume l’apport de Freud :

  • 4 Symbolisation et processus de création, sens de l’intime et travail de l’universel dans l’art et la (...)

l’âme et le corps deviennent des parties intégrantes de l’intime qui se spécifie comme une multiplicité de systèmes de représentations translinguistiques, et comme jouissance. […] la psychanalyse a restitué aux hommes et aux femmes la continuité hétérogène entre corps-âme-esprit, et l’expérience de cette continuité hétérogène nous apparaît désormais comme l’essence de l’intime4.

14Il semble que ce paradoxe d’un « lien hétérogène » du corps, de l’âme et de l’esprit soit bien ce que Boland essaie de fonder et de formuler dans ce poème ; et que cette part acceptée du silence et de la jouissance soit justement prise en compte par l’aspect « translinguistique » dont parle Kristeva. Cette dernière explique par ailleurs :

  • 5 Les Cahiers de l’IPPC, n° 8, novembre 1988, p. 40.

Le traumatisme ne s’efface pas. Qu’il soit un événement brutal d’actualité ou qu’il ravive en après-coup des blessures infantiles, le traumatisme met à jour la relation du Sujet avec la Chose. Intrinsèque au langage mais dénié par lui, cette relation passe souvent par l’acte plus que par la parole. Elle devrait dans la cure trouver et ses affects et son récit ; le temps du chagrin, de la plainte, du ressentiment. C’est ainsi que le Sujet se détache de la Chose et en fait un Objet : nommable, désirable ou détestable. Dans le troisième temps seulement, on peut envisager de perdre cet objet aimé-haï : de liquider ou d’élaborer le trauma5.

15Il me semble que Boland ne nie pas le traumatisme de la séparation, de la différence ; au contraire, sa formulation permet sa représentation et donc en partie son acceptation, jusque dans ce déssaisissement assumé de la parole, lorsque le silence permet l’ultime dissémination du sens, et l’affirmation forte que la parole n’a de sens qu’à deux. Le silence n’est pas alors un échec à dire, n’est pas un dialogue interrompu, il devient possibilité de dialogue, même muet, inscription de l’identité de cette fille singulière comme de celle du lecteur.

16Finalement, attardons-nous une dernière fois sur le titre du poème, « The Pomegranate », ce fruit qui unit les ténèbres et la terre, les morts et les vivants, qui oblige Perséphone au retour mais permet malgré tout un changement des saisons, fruit qui résonne de l’étrange français et qui symbolise tout à la fois la douceur du fruit défendu et la dureté du granite. Sorte de symbole des paradoxes, surtout qu’il signifie en anglais à la fois l’arbre, le grenadier, et le fruit, la grenade. Où l’on retrouve une fois encore, en résumé, la question des identités différenciées ou non entre mère et fille, arbre et fruit, dans une ambiguïté identitaire condensée dans ce seul mot. Boland parvient ainsi dans ce poème à écrire ce paradoxe de ce qui est à la fois le plus intime et le plus universel, en évitant les pièges d’une singularité autiste et d’un universalisme anonyme. Sa lecture personnelle, ambiguë, complexe des mythes antiques et modernes ou religieux, son affirmation résolue d’une identité tant physique que culturelle, permettent ainsi d’approcher la question du lien à l’autre, à sa différence, question toujours intimement liée à l’intime.

Annexes

The Pomegranate

The only legend I have ever loved is
the story of a daughter lost in hell.
And found and rescued there.
Love and blackmail are the gist of it.
Ceres and Persephone the names.
And the best thing about the legend is
I can enter it anywhere. And have.
As a child in exile in
a city of fogs and strange consonants,
I read it first and at first I was
an exiled child in the crackling dusk of
the underworld, the stars blighted. Later
I walked out in a summer twilight
searching for my daughter at bed-time.
When she came running I was ready
to make any bargain to keep her.
I carried her back past whitebeams
and wasps and honey-scented buddleias.
But I was Ceres then and I knew
winter was in store for every leaf
on every tree on that road.
Was inescapable for each one we passed.
And for me.

It is winter
and the stars are hidden.
I climb the stairs and stand where I can see
my child asleep beside her teen magazines,
her can of Coke, her plate of uncut fruit.
The pomegranate ! How did I forget it ?
She could have come home and been safe
and ended the story and all
our heart-broken searching but she reached
out her hand and plucked a pomegranate.
She put out her hand and pulled down
the French sound for apple and
the noise of stone and the proof
that even in the place of death,
at the heart of legend, in the midst
of rocks full of unshed tears
ready to be diamonds by the time
the story was told, a child can be
hungry. I could warn her. There is still a chance.
The rain is cold. The road is flint-coloured.
The suburb has cars and cable television.
The veiled stars are above ground.
It is another world. But what else
can a mother give her daughter but such
beautiful rifts in time ?
If I defer the grief I will diminish the gift.
The legend will be hers as well as mine.
She will enter it. As I have.
She will wake up. She will hold
the papery flushed skin in her hand.
And to her lips. I will say nothing.

Notes

1 D’autres versions de la légende indiquent que c’est Perséphone elle-même qui aurait cueilli une grenade et l’aurait mangée. C’est ce que souligne Robert Graves : « Mais juste au moment où elle se mettait en route pour Éleusis, un des jardiniers d’Hadès, au nom d’Ascalaphos, s’écria en hululant d’un air moqueur : « J’ai vu Coré/Perséphone cueillir une grenade dans votre verger et en manger sept grains ; je suis prêt à témoigner qu’elle a goûté de la nourriture des Morts », Les Mythes grecs, Paris, Fayard, 1958, p. 80. Peu importe pour nous la version, l’importance est ce lien ramenant Perséphone régulièrement aux Enfers, loin de sa mère.

2 Pierre Zaoui, « Deleuze et la solitude peuplée de l’artiste (sur l’intimité en art) », in L’Intime, Paris, École nationale supérieure des beaux-arts, 1998, p. 35.

3 Ceci rejoint ce qu’affirme Merleau-Ponty sur l’identité par un accès au monde nécessairement corporel, par « la gangue » du corps : « l’expérience de ma chair comme gangue de ma perception m’a appris que la perception ne naît pas n’importe où, qu’elle émerge dans le recès d’un corps » Le Visible et l’Invisible, Paris, Gallimard, 1964, p. 24.

4 Symbolisation et processus de création, sens de l’intime et travail de l’universel dans l’art et la psychanalyse, Paris, Dunod, 1998, p. 85.

5 Les Cahiers de l’IPPC, n° 8, novembre 1988, p. 40.

Auteur

Université de la Sorbonne Nouvelle – Paris 3

© Presses universitaires de Caen, 2008

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