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L'idée de paix en France et ses représentations au xxe siècle

 | 
Alain-René Michel
, 
Robert Vandenbussche

II - Combats pour la paix

Picasso, la guerre et la paix

Dominique Forest

Texte intégral

1L’objet de cette communication n’est pas de traiter de l’engagement politique de Picasso mais de mieux comprendre une œuvre magistrale de Picasso : La Guerre et la Paix qui se trouve aujourd’hui dans la chapelle romane du château de Vallauris. Cette chapelle est aujourd’hui un musée national puisque Picasso en a fait don à l’État en 1956.

2Dans la carrière de Picasso, la période de Vallauris est une période longue : il réside là de 1948 à 1955 et vient par la suite y travailler. Riche en techniques nouvelles (céramique, linogravure), ces années sont aussi très prolixes pour les sculptures d’assemblage. Que l’on songe à La chèvre, La Guenon et son petit, La femme enceinte... et beaucoup d’autres faites avec des matériaux de récupération. Si les nombreuses peintures de chevalet exécutées ici ont généralement des thèmes familiers, c’est à Vallauris également que Picasso, un an avant La Guerre et la Paix, peint en 1951 Massacre en Corée, autre jalon important de son engagement.

3En août 1952, Picasso débute à Vallauris la peinture de deux grandes compositions : La Guerre et la Paix. Plus grandes que Guernica, puisque chacune mesure 4,70 m sur 10,20 m. Ces deux peintures, réalisées dans son atelier vallaurien du Fournas, étaient destinées au vestibule de la chapelle romane du Château de Vallauris. Les peintures nécessitèrent à leur époque une mise en œuvre complexe en raison même de leur localisation (un grand vestibule voûté), de la taille des panneaux et de leur importance puisque cette œuvre marque dans l’œuvre de Picasso le point culminant de son adhésion au mouvement de la Paix.

4Lorsqu’on aborde cette œuvre, on ne peut évidemment passer sous silence la résonance politique de cette peinture. Depuis 1944 Picasso adhère au Parti Communiste et, suite à cette adhésion, assiste à quatre congrès pour la Paix : en 1948 à Wroclaw, en 1949 à Paris, en 1950 à Sheffield et en 1951 à Rome. Avant cette date, dès 1943, Picasso expliquait sa conception « offensive et défensive » de la peinture : « Que croyez-vous que soit un artiste ? Un imbécile qui n’a que des yeux s’il est peintre, des oreilles s’il est musicien, ou une lyre à tous les étages du cœur s’il est poète, ou même, s’il est boxeur, seulement des muscles ? Bien au contraire il est en même temps un être politique, constamment en éveil devant les déchirants, ardents ou doux événements du monde, se façonnant de toute pièce à leur image. Comment serait-il possible de se désintéresser des autres hommes et, en vertu de quelle nonchalance ivoirine, de se détacher d’une vie qu’ils vous apportent si copieusement ? Non, la peinture n’est pas faite pour décorer des appartements. C’est un instrument de guerre offensive et défensive contre l’ennemi ». Plusieurs peintures de Picasso sont déjà nées de cela : Guernica (1937), Le Charnier (1945), Massacre en Corée (1951). Pour La Guerre et la Paix, le rôle de la Rencontre pour la Paix à Nice en 1950 à laquelle Picasso assiste et pour laquelle il dessine l’affiche va être déterminant. Dès septembre 1950, Picasso dira au journaliste Georges Sadoul son désir de servir la cause de la Paix : « La municipalité de Vallauris, dit-il, avait placé mon Homme au mouton dans une belle chapelle du XIVe siècle (sic). On a mis depuis la statue sur la place publique. La chapelle vide, je veux en faire le Temple de la Paix. Dans la chapelle proprement dite, qui est en belles pierres anciennes, pas de peintures, mais sur la grande pierre à huile ancienne, qui est à la place de l’autel, une colombe. La pièce d’entrée est claire et vaste. Sur ses murs je vais peindre en honneur de la paix. J’avais d’abord voulu sur deux murailles opposer à la paix, la guerre et ses horreurs. Mais j’ai changé d’idée. Dans un Temple de la Paix il faut seulement du bonheur. Je pense maintenant me borner aux plaisirs, à la danse, au festin. Le travail sera là tout de même, puisque si l’on voit un plat sur la table, c’est qu’un potier l’a fait, et si l’on mange un poulet, il a bien fallu l’élever... Un Temple de la Paix, qui osera, même les pires ennemis de la paix, tenter quelque chose contre lui. Tous les braves gens y viendront et je voudrais qu’il y en ait beaucoup, comme cette vieille femme qui vint voir mon Homme au mouton dans cette chapelle, et me demanda l’eau bénite en sortant, parce qu’elle avait l’habitude de se signer. Des murs sont déjà prêts pour mes peintures, je veux commencer à travailler tout de suite, dès le mois d’octobre, car je voudrais que mon Temple de la Paix soit prêt le premier. Si après l’on en ouvre partout, ce sera magnifique... Si je suis le premier, on pourra bien en construire des temples de soixante-dix étages, ils ne seront jamais qu’une succursale de Vallauris ». Ce projet de 1950 va vite évoluer puisque Picasso va finalement adopter une composition bipartite sur le thème de la guerre et de la paix. Françoise Gilot évoque aussi la lecture du livre de Tolstoï dans l’élaboration du thème.

5Plus de 280 dessins préparatoires seront exécutés, pour la plupart entre le 28 avril et le 14 septembre 1952, certains datant du 5 octobre 1951. Réalisés sur des carnets ou des feuillets isolés, ces dessins développent des thèmes qu’on reverra dans l’œuvre finale (danse des petites filles, cavalier de la Paix, femme allaitant, inversion des contenants et des contenus pour les poissons dans la cage, et les oiseaux dans le bocal) ou proposent des thèmes qui seront finalement abandonnés (animaux formant une sorte d’arche de Noé, Marianne, char armé). Ces très beaux dessins peuvent prendre la forme de feuilles de grand format (cinquante sur soixante-cinq centimètres) ou de croquis plus modestes (vingt-cinq sur trente-cinq centimètres) dessinés généralement à l’encre de chine ou à la mine de plomb.

6Trois carnets préparatoires regroupent une grande partie des dessins. Particulièrement séduisants ceux-ci déroulent de façon quasi cinématographique les nombreuses variations autour de ces thèmes. Dans le troisième carnet du 19 juillet au 14 septembre 1952, on y découvre un Picasso « troubadour » qui, comme dans les scènes de tournoi de la même époque, harnache ses chevaux à la mode moyenâgeuse et surtout un Picasso facétieux qui fait défiler un cortège de cochons, un oiseau perché sur un dromadaire...

7Pour Picasso, l’image première de la guerre devait être celle de « la course dégingandée et cahotante d’un de ces corbillards de Province ». Le corbillard, qui apparaît dans le troisième carnet va finalement disparaître de la composition finale au profit d’un char tiré par un personnage cornu chargé de crânes et de microbes. Il n’existe pas de composition d’ensemble préparatoire à La Guerre et la Paix et les deux panneaux - plus encore depuis leur récente restauration de 1998 - laissent apparaître de nombreux repentirs. Paradoxalement, c’est un an après sa réalisation que Picasso dessine en 1953 l’ensemble de La Guerre et la Paix dans quelques dessins isolés, qui, là encore, prennent des libertés avec les deux panneaux.

8Lorsqu’en août 1952 Picasso débute dans son atelier vallaurien la peinture des deux panneaux, ceux-ci ont d’abord été « essayés » dans la chapelle. Pour être plus précis, il ne s’agit pas de deux panneaux mais de trente-deux grands rectangles d’isorel assemblés pour former ces grandes compositions se faisant face. Au départ, Picasso avait songé à d’autres matériaux (céramique, fresque, fibrociment,) mais avait finalement retenu l’isorel qui, seul, permettait par sa flexibilité de s’adapter à la voûte et de pallier l’humidité de la chapelle. Après l’essai dans la chapelle des panneaux d’isorel, ceux-ci sont emmenés dans son atelier du Fournas où ils sont assemblés puis peints redressés. Peints vite si l’on en croit Picasso : « Aucun de mes tableaux n’a été peint par rapport a la surface couverte avec plus de rapidité », Picasso va débuter par La Guerre : « J’ai commencé par la droite et c’est autour de cette image que tout le reste s’est construit... Il y avait des mois, des années que j’étais comme tout le monde, obsédé par la menace de la guerre, habité par cette angoisse et cette haine, et cette envie de se battre contre l’angoisse, et contre la haine. Massacre en Corée était déjà né de cela ». Alors que l’année précédente Picasso a fait une série de dessins et de céramiques sur le thème des cavaliers en armure pendant un tournoi, et alors que Massacre en Corée de 1951 décrit avec un plus grand réalisme la lutte armée, La Guerre de Vallauris n’évoque pas explicitement ces guerres moyenâgeuses ou contemporaines mais use de symboles nombreux, La Guerre, représentée par une sorte de diable cornu, se déplace dans un char. Dans une main, une épée ensanglantée, de l’autre, une corbeille d’où s’échappent, comme d’une boîte de Pandore, des microbes. Un filet plein de crânes lui tient lieu de sinistre hotte. Entre les chevaux et le char, un gouffre d’où surgissent deux mains vertes. Les chevaux piétinent les livres, symboles de culture, tandis qu’à l’arrière-plan des silhouettes d’hommes se battent avec poignard, lance ou hache. Seule lueur d’espoir, l’ensemble du cortège bute contre un combattant pour la paix, nu, debout, portant la balance de la justice, armé d’une lance et d’un bouclier orné d’une colombe. Par un jeu de transparence, apparaît derrière la colombe le visage en gros plan de Françoise Gilot dont l’esthétique n’est pas sans rappeler la série de portraits de 1946, tout en faisant allusion à Athéna, déesse guerrière au bouclier à tête de Gorgone. La figure du cavalier de la Paix fait le lien entre les deux panneaux et le fond bleu, le blé qui pousse à ses pieds appartiennent déjà à l’ambiance apaisée du panneau suivant. La Paix se lit de droite à gauche avec un groupe de trois personnages sous un arbre : femme allaitant, personnage cuisinant sur un foyer de fortune, homme écrivant. Pour André Villers, cette représentation de la Paix avait été suggérée à Picasso par les campeurs qu’il voyait de son atelier du Fournas. Les éléments antithétiques des deux panneaux sont nombreux, tant au niveau des couleurs (cheval noir/cheval blanc, fond noir et gris/fond vert et bleu...) qu’au niveau des thèmes (cheval piétinant les livres/cheval labourant, livres piétinés/homme écrivant...). La scène suivante oppose également la blancheur de Pégase aux noirs chevaux de combat de La Guerre. Mais, alors que le cheval ailé incarne dans la mythologie le messager des dieux, Picasso, une fois de plus, prend des libertés avec celle-ci et lui assigne un rôle plus prosaïque : celui de cheval de labour. Françoise Gilot se rappelle qu’après le paroxysme de La Guerre, Picasso craignait, avec La Paix, de tomber dans le banal : « Je me demande ce que peuvent faire les gens en temps de paix, aller au bureau de neuf heures à cinq heures, faire l’amour le samedi soir et partir en pique-nique le dimanche ? C’est vraiment trivial... » Françoise Gilot l’aurait alors aidé en suggérant : « En temps de paix tout est possible. Un enfant pourrait labourer la mer ». D’où l’enfant labourant cette grande étendue bleue. S’ensuivent d’autres incongruités : poissons dans une cage et oiseaux dans un bocal disposé en balancier sur la tête d’une petite fille. Univers de fantaisie propre à l’enfance ? Idée qu’en temps de paix tout est possible ? Imprévisibilité du destin ? N’oublions pas non plus que Picasso est alors entouré par ses deux jeunes enfants : Claude, né en 1947, et Paloma, née en 1949, qu’il mettra en scène dans de nombreuses peintures de l’époque. Dans cette atmosphère de fantaisie enfantine, plusieurs thèmes rappellent la période d’Antibes : joueur de diaule, danseuse, chouette.

9Jean Cocteau qui, avec quelques autres (Paulo, Françoise Gilot, Hélène Parmelin, Édouard Pignon, Claude Roy), verra l’œuvre au moment de sa réalisation évoquera le choc ressenti par tous ceux qui ont pénétré alors au Fournas : « La première sensation est d’une nef, d’une église et il paraît que toutes les personnes qui entrent enlèvent leur chapeau. Moi je tire mon chapeau ». C’est d’une jeunesse, d’une violence incroyables. Un équilibre entre la fougue et le calme. Un mariage entre Le Bain turc et L’Entrée des croisés à Constantinople. Aucune forme n’est réaliste mais tout est vrai, de ce vrai interne, le seul qui compte. Et, en sortant de là il semble que la réalité soit pâle, incolore, bête, morte, éteinte... Le tout est peint libre, épais, par grandes taches. On devine les ébauches et les reprises. Picasso a laissé les coulures. Il dit : « On ne conseille pas à une personne malheureuse d’essuyer ses larmes ».

10Le visiteur qui pénètre aujourd’hui dans la chapelle ne voit pas deux mais trois compositions. La troisième, sur le thème des quatre parties du monde se regroupant autour de la Colombe de la Paix, ne fut réalisée que plus tard, vers 1958, juste avant l’ouverture au public en 1959.

11Entre 1952, date de la réalisation des panneaux, et 1959, date du vernissage officiel de la chapelle, La Guerre et la Paix resta donc peu vu. Le livre de Claude Roy publié en 1954 sur La Guerre et la Paix avec la plupart des dessins préparatoires avait, avant l’ouverture au public de la chapelle, permis de faire connaître ces grands panneaux. Ils seront également vus en Italie en 1953 lors d’une grande rétrospective Picasso : d’abord à la galerie nationale d’art moderne de Rome, puis à Milan. Lors de cette dernière exposition, les panneaux de La Guerre et la Paix, encore redressés, vont voisiner avec Guernica, Massacre en Corée et Le Charnier dans les salles théâtrales du Palazzo Reale. On ne peut parler de la chapelle de Vallauris sans évoquer sa voisine, la chapelle de Matisse à Vence, déjà connue par les dessins, maquettes présentés en 1950 à la maison de la Pensée Française et inaugurée le 25 juin 1951. Dès sa création Claude Roy notera l’émulation née sur ces chantiers : « Ce dont Picasso rêve maintenant, me confiait-il hier, c’est de décorer une petite chapelle..., désaffectée, voisine de Vallauris. Il y a un peu de malice dans son projet : Matisse, Chagall ont chacun décoré leur chapelle, Picasso ne serait pas fâché d’avoir son tour. Il rêve de faire du vieux sanctuaire déserté une sorte de “Temple de la Paix ».

12Pour Picasso, il ne s’agit pas ici d’art religieux mais bien plutôt d’un culte de la Paix comme en témoigne son idée première d’installer dans le chœur un autel surmonté d’une colombe. Roland Penrose aura l’occasion de relater les propos éloquents de Picasso à ce propos : « Qu’entendent-ils par art religieux ? C’est une absurdité. Comment peut-on faire de l’art religieux un jour et de l’art d’une autre sorte le lendemain ? ». La chapelle de Vallauris étant depuis longtemps désaffectée, la répugnance de Picasso à décorer une chapelle était facilement surmontable !

13Si Picasso dialogue ici avec Matisse, cette œuvre entretient aussi des rapports nombreux avec sa propre œuvre picturale (inclusion du visage dans une colombe comme dans les Visages de la Paix de 1951, rappel de certains thèmes d’Antibes...). Elle entretient également des rapports avec son œuvre littéraire (Les Quatre petites filles écrit entre 1947 et 1948) et sa vie personnelle avec de nombreux aspects ludiques et fantaisistes au moment où Picasso est entouré de deux jeunes enfants.

14Pour Picasso, La Guerre et la Paix clôt une époque. Dernière peinture à résonance politique, elle marque le point culminant de son adhésion au Mouvement de la Paix.

Auteur

Musée Magnelli - Vallauris

© Publications de l’Institut de recherches historiques du Septentrion, 2001

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